@book {2987,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 01/2020},
	series = {Intersektionen},
	volume = {26},
	year = {2020},
	note = {Z Springerin 01/2020},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Intersektion

Liebe Leserinnen und Leser, was Sie hier vor sich haben, ist die exakt einhundertste Ausgabe dieser vor einem Vierteljahrhundert gegr{\"u}ndeten Zeitschrift. Mag dies ein berechtigter Grund zum Feiern sein, so m{\"o}chten wir den Anlass zugleich mit einer erweiterten Reflexion begehen: Was ist es, das die Identit{\"a}t eines Magazins ausmacht? Was h{\"a}lt das vielteilige und oft heterogene Korpus zusammen, das eine Zeitschrift {\textendash} zumal {\"u}ber einen so langen Zeitraum hinweg {\textendash} nun einmal ist? Worin liegen Singularit{\"a}t und Unverwechselbarkeit begr{\"u}ndet?
Abgesehen von dem {\"u}ber die Jahre immer wieder nachgesch{\"a}rften Erscheinungsbild ist hier vor allem ein Faktor zu nennen: das Magazin als Schnittfl{\"a}che, ja als dynamischer {\"U}berschneidungsbereich unterschiedlichster Diskurse und Zug{\"a}nge. So einheitlich und visuell kompakt sich die springerin nach au{\ss}en hin pr{\"a}sentiert, so sehr besteht ihr Markenzeichen {\textendash} zumindest aus redaktioneller Sicht {\textendash} in einem damit verkn{\"u}pften, wiewohl gegenl{\"a}ufigen Moment: n{\"a}mlich dass das Medium es geschafft hat, {\"u}ber Jahre und inzwischen Jahrzehnte diverseste, oft auch inkompatibel anmutende Ans{\"a}tze in sich aufzunehmen. Feminismus, Cultural Studies, Globalisierungsdiskurs, dekoloniale Theorie, fortschreitende Digitalisierung, Osteuropa-Themen, kritische {\"O}kologie und, und, und {\textendash} sie alle und noch viel mehr bilden den Hintergrund einer immer wieder neu auszuhandelnden Schnittmenge, die in jeder Ausgabe, wie wir hoffen, unverwechselbare Gestalt annimmt. Und deren pr{\"a}gendes Identit{\"a}tsmoment, wenn man so will, genau darin liegt, dass nicht alles restlos zur Deckung bzw. einem Abschluss kommt {\textendash} sondern vielmehr {\"U}bersch{\"u}sse, Querlagen, produktive Disparatheiten entstehen.
Hier trifft sich das, was die springerin {\textendash} zugegeben etwas schematisch {\textendash} charakterisiert, mit dem, was im feministischen Diskurs seit den 1990er-Jahren immer wieder Thema war: der Debatte um Intersektionalit{\"a}t. Gemeint ist damit der nicht wegzuleugnende Aspekt, wonach (feministische) Identit{\"a}t erst in der Weise Form annimmt, in der sie mit anderen Bezugskontexten, seien sie ethnischer, klassenbezogener, queerer etc. Natur, in Relation tritt. Dass mit anderen Worten die Schnitte und Br{\"u}che quer durch identit{\"a}tsbildende Formationen entscheidender sind als diese formativen Bl{\"o}cke und Materien selber. {\quotedblbase}Identity {\textendash} it{\textquoteright}s the crisis, can{\textquoteright}t you see?{\textquotedblleft} hie{\ss} es bereits in den 1970er-Jahren in einem oft zitierten Punksong.
Intersektionen also, nicht fertige, phantasmatische Konstrukte des {\quotedblbase}Identit{\"a}ren{\textquotedblleft} {\textendash} so k{\"o}nnte die Losung aus dem fortdauernden Diskurs lauten: Identit{\"a}ten, die sich aus einander erg{\"a}nzenden, teils auch widerstrebenden Ingredienzien zusammensetzen; kulturelle Backgrounds, die gleichfalls auf {\"u}berlappenden, nie reibungslos ineinander aufgehenden Referenzfeldern basieren; und mittendrin der kreative bzw. k{\"u}nstlerische Prozess, der immer noch gerne auf K{\"u}nstleridentit{\"a}t und {\quotedblbase}Background{\textquotedblleft} zur{\"u}ckgef{\"u}hrt wird, sich diesen aber stets auch in erheblichem Ma{\ss}e entzieht. Schnitte, {\"U}berschneidungen, Kreuzungen also, wo sich die kompliziert gewordenen Hintergr{\"u}nde nicht mehr in einen geschlossenen Rahmen pressen lassen.
Die vorliegende Ausgabe versucht, diesem Moment auf selbstreflexive Weise nachzugehen. So fragt Suzana Milevska, bis zu welchem Grad ein Beharren auf uneinholbarer Differenz produktiv sein kann, und ob nicht der Ansatz einer alles {\quotedblbase}Identit{\"a}re{\textquotedblleft} {\"u}bersteigenden Transindividualit{\"a}t diesbez{\"u}glich vielversprechender ist. So oder so f{\"u}hrt die Betonung von intersektionaler Identit{\"a}t in widerspr{\"u}chliche Situationen {\textendash} etwas, das Yvonne Volkart in ihrer Untersuchung des Zusammenhangs von Feminismus und {\"O}kologie herausstreicht. Gerade dem das Technologische nicht rundum ablehnenden {\"O}kofeminismus kommt eine gewisse Vorreiterrolle zu, was den Umgang bzw. das Nichtwegreden solcher Widerspr{\"u}che betrifft. Hans-Christian Dany wiederum n{\"a}hert sich der Problematik aus entgegengesetzter Richtung und fragt, ob es nicht {\"u}berhaupt verkehrt sei, beim Aspekt der Identit{\"a}t anzusetzen, wenn es um so schwerwiegende Dinge wie die Rettung der Welt geht. Verbirgt sich dahinter doch eine umfassendere Symptomatik, der schwerlich durch Identit{\"a}tspolitik, egal welcher Couleur, beizukommen ist.
Insgesamt bildet die Debatte um Identit{\"a}t als {\"U}berschneidungsfeld unterschiedlichster Einfluss- und Diskriminierungsfaktoren ein {\"u}bergreifendes Moment, um hier Fragen nach dem Produktionshintergrund gegenw{\"a}rtigen Schaffens zu stellen: In welchem Ma{\ss}e l{\"a}sst sich k{\"u}nstlerische Praxis von Markern wie Klassenzugeh{\"o}rigkeit, Ethnizit{\"a}t, Gender, sexueller Orientierung, {\quotedblbase}Migrationshintergrund{\textquotedblleft} etc. her erkl{\"a}ren? Auf welche Weise transzendiert bzw. unterminiert der konkrete bildnerische Prozess diese aus dem kulturellen Diskurs nicht wegzudenkenden Kategorien? Macht es {\"u}berhaupt Sinn, hinter allem und jedem eine zumal {\quotedblbase}intersektionale{\textquotedblleft} Identit{\"a}t anzunehmen? Und liegt nicht auch ein m{\"o}gliches Befreiungsmoment darin, gegen jegliche Identit{\"a}tsfestschreibung, wie sie in bestimmten Sektoren der Kunst immer noch gerne bem{\"u}ht wird, anzuarbeiten?
Zu all diesen Fragen liefert diese Ausgabe Anschauungs- und Reflexionsmaterial {\textendash} aus so unterschiedlichen Kontexten wie der Besch{\"a}ftigung mit (Kolonial-)Geschichte in den portugiesischsprachigen L{\"a}ndern Afrikas (Su-Ran Sichling) oder der Aufarbeitung von rassistischen Stereotypen in Museen der US-amerikanischen S{\"u}dstaaten (Cornelia Kogoj und Christian Kravagna).
Insgesamt sucht diese einhundertste Ausgabe nach probaten Ans{\"a}tzen und Mitteln, um den verqueren Herausforderungen, die das gegenw{\"a}rtige Identit{\"a}tsdenken an die Kunst und dar{\"u}ber hinausgehende Bereiche stellt, gerecht zu werden. Dass Sie, liebe Leserinnen und Leser, diese fortw{\"a}hrenden Reflexionen zu einem guten Teil mittragen {\textendash} vielfach schon seit Jahren und Jahrzehnten {\textendash}, daf{\"u}r sei Ihnen an dieser Stelle ausdr{\"u}cklich gedankt!},
	keywords = {Alfred Schmeller. Das Museum als Unruheherd, Bunt; sozial; brutal, Curated_by 2019 {\textendash} Florian Pumh{\"o}sl, Differenz, einhundertste Augabe, Identit{\"a}t, Intersektionen, Japan Unlimited, maschinelles Lernen, Na Rajone/Jenseits des Zentrums, Never Again. Art against War and Fascism in the 20th and 21st Centuries, Peter Weibel, Postapocapitalist {\textendash} Eine Ausstellung von Mikl{\'o}s M{\'e}cs; Mikl{\'o}s M{\'e}cs; Mikl{\'o}s M{\'e}cs und Mikl{\'o}s M{\'e}cs (+ Judit Fischer und der AMBPA), respektive Peter Weibel, Senga Nengudi {\textendash} Topologien, Sleeping with a Vengeance; Dreaming of a Life. Mit Nachdruck schlafen; von einem Leben tr{\"a}umen, Transindividualit{\"a}t, United by AIDS. An Exhibition about Loss; Remembrance; Activism and Art in Response to HIV/AIDS, Vierteljahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9504623-5-7},
	url = {https://www.springerin.at/2020/1/},
	author = {Julia Gwendolyn Schneider and Tilman Baumg{\"a}rtel and Vera Tollmann and Raphael Dillhof and Roland Sch{\"o}ny and Suzana Milevska and Yvonne Volkart and Hans-Christian Dany and Emilia Rigova and S{\"u}reyyya Evren and Su-Ran Sichling and Madeleine Bernstorff and Cornelia Kogoj and Christian Kravagna and Mikl{\'o}s Erhardt and G{\"u}nther Holler-Schuster and Christa Benzer and Lisa Britzger and Marlene Rigler and Aleksei Borisionok and Carola Platzek and Kristian Vistrup Madsen and Kathrin Heinrich and S{\o}nke Gau and Daniel Berndt and Christian H{\"o}ller and Patricia Grzonka and Martin Krenn},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {2994,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2018},
	series = {originalcopy},
	volume = {24},
	year = {2018},
	note = {Z Springerin 02/2018},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {originalcopy

Original versus Kopie heute? Wen mag das noch gro{\ss} reizen angesichts einer Kultur, in der das Kopieren und (teils unbedachte) Reproduzieren von Quellen gleichsam Standard geworden sind? Einer Kultur, in der das automatische Vervielfachen und Weiterverbreiten egal welchen Ausgangsmaterials gewisserma{\ss}en zu einer Grundbedingung geworden ist. Die technologische Basis daf{\"u}r, die nicht mehr einfach r{\"u}ckg{\"a}ngig gemacht werden kann, bereitet allenfalls den Konzernen der Kulturindustrie Schwierigkeiten. Daneben zeichnet sich eine nicht so leicht abzustreifende Problematik in den vielen Anlassf{\"a}llen rund um Plagiarismus und, ja, unrechtm{\"a}{\ss}iges Kopieren ab. Aber ist die Kunst der Gegenwart von all dem wirklich tiefer betroffen? L{\"a}sst sich Jahrzehnte nach dem Aufkommen von Postmoderne-Diskurs und Appropriationskunst noch sinnvoll und erkenntnisreich {\"u}ber Originalit{\"a}t und Reproduktion, {\"u}ber Urspr{\"u}nglichkeit und Zitat reden? Ist die {\quotedblbase}culture of the copy{\textquotedblleft} nicht l{\"a}ngst zum unabdinglichen Fundament allen Produzierens und Rezipierens geworden? Einer Basis, an der man allenfalls im Kleinen herumschrauben kann, aber ganz sicher nicht im gro{\ss}en, stilbegr{\"u}ndenden Ausma{\ss}.
Die heutige M{\"o}glichkeit, Datenmaterial per Knopfdruck verlustfrei zu duplizieren, l{\"a}sst ehemalige avantgardistische Methoden, mit denen die Grenzen zwischen Original und Kopie aufgeweicht werden sollten, obsolet erscheinen. Die Allgegenwart unterschiedlichster Kopiertechniken {\textendash} Stichwort {\quotedblbase}copy \& paste{\textquotedblleft} {\textendash} best{\"a}tigt, dass sich das Ph{\"a}nomen als k{\"u}nstlerische wie auch als alltagskulturelle Praxis vollends etabliert hat. Und dennoch bleibt ein latentes Unbehagen bestehen: Wenn alles kopierbar und beliebig vervielf{\"a}ltigbar geworden ist, woran bemisst sich dann der Wert eines spezifischen, zumal gelungenen Werks? Was sind die Kriterien, nach denen sich diese Welt des {\"U}bernommenen und Zitathaften, des Appropriierten und Weiterverarbeiteten, genauer differenzieren l{\"a}sst? Und mehr noch: Da die Funktionsweisen und Logiken der allgegenw{\"a}rtigen Kopierverfahren h{\"a}ufig im Verborgenen bleiben, ja sich zusehends immaterialisieren, stellt dies auch eine nicht zu untersch{\"a}tzende Herausforderung f{\"u}r jede Art von k{\"u}nstlerischer Methodologie dar. Wie, so die hier ansetzende Frage, kann man den genaueren Prozess bestimmen, der gegenw{\"a}rtiges Kopieren und Aneignen von fr{\"u}heren Ans{\"a}tzen der Appropriations-, Found-Footage- und Remix-Kunst unterscheidet?
All diesen Fragen geht die Ausgabe originalcopy unter thematischer Einbeziehung neuerer, digitaltechnologischer Verfahren und M{\"o}glichkeiten nach. Entstanden ist das Heft in Kooperation mit dem gleichnamigen, vom {\"o}sterreichischen Wissenschaftsfonds (FWF) unterst{\"u}tzten und an der Universit{\"a}t f{\"u}r angewandte Kunst Wien verankerten Forschungsprojekt, dessen Initiatoren Michael Kargl und Franz Thalmair an dieser Stelle f{\"u}r die produktive Zusammenarbeit gedankt sei. Abgebildet ist in der Ausgabe zwangsl{\"a}ufig nur ein Ausschnitt aus dem gr{\"o}{\ss}eren Projektzusammenhang, der unter anderem auch drei Ausstellungen in Innsbruck, Wien und Br{\"u}ssel miteinschloss, in die hier nur kursorische Einblicke {\textendash} {\"u}ber die Auswahl der im Heft vertretenen k{\"u}nstlerischen Arbeiten {\textendash} gegeben werden k{\"o}nnen.
Franz Thalmair legt in seinem programmatischen Beitrag dar, wie sich die vormals wertbesetzte Unterscheidung von Original und Kopie im Kontext recherchebasierten Arbeitens immer mehr aufzul{\"o}sen beginnt. Ein besonderes Augenmerk gilt dabei der Frage, wie sich diese Ver{\"a}nderungen {\textendash} auch abseits digitaler Zusammenh{\"a}nge {\textendash} in k{\"u}nstlerische Produktionsvorg{\"a}nge einschreiben, was anhand einer j{\"u}ngeren Werkreihe von Mark Leckey veranschaulicht wird. Der Fokus dieses Ansatzes, und dies belegen auch die eigens f{\"u}r diese Ausgabe gestalteten K{\"u}nstlerbeitr{\"a}ge von Lisa Rastl und Michael Kargl, liegt auf der Spannung zwischen der vermeintlichen Immaterialit{\"a}t digitaler Technologien und ihren materiellen Manifestationsformen. Manifestationen, die erst in ihrer konkreten Formwerdung erkennen lassen, dass die betreffenden Werke mehr ein Oszillieren, ein Hin- und Herpendeln zwischen vermeintlichem Original und Kopie inszenieren als einen simplen {\"U}bertragungsvorgang vom einen Pol zum anderen.
Bettina Funcke weitet den Diskurs {\"u}ber Aneignungsverfahren auf die aktuell etwa in den USA heftigst gef{\"u}hrte Debatte um kulturelle Enteignung und unrechtm{\"a}{\ss}ige Anleihen aus. Funcke erl{\"a}utert, inwiefern der ehemals emanzipatorische Impuls hinter diversen Appropriationsverfahren gegenw{\"a}rtig einen regelrechten {\quotedblbase}Backlash{\textquotedblleft} erf{\"a}hrt und angesichts zunehmender identit{\"a}tspolitischer Verh{\"a}rtungen in sein Gegenteil zu kippen droht. Derlei Verh{\"a}rtungen sind, wenn auch auf anderer Ebene, seit L{\"a}ngerem schon in der Auseinandersetzung um literarische {\"U}bernahmen und Zitierweisen gang und g{\"a}be. Annette Gilbert rekapituliert in ihrem Beitrag einige j{\"u}ngere Anlassf{\"a}lle, etwa rund um Michel Houellebecq und Helene Hegemann, die eine Unterscheidung von k{\"u}nstlerischer und ethischer Legitimit{\"a}t nahelegen. W{\"o}rtliche (h{\"a}ufig unausgewiesene) Zitationen sind, so Gilberts Fazit, l{\"a}ngst einer allgemeineren, eben Standard gewordenen Kopierkultur geschuldet {\textendash} was aber nicht hei{\ss}t, dass man sich {\"u}ber Bezugsquellen und Intertexte stillschweigend hinwegsetzen sollte.
Die genauere Methodologie k{\"u}nstlerischer {\quotedblbase}Remediation{\textquotedblleft} {\textendash} des Aufgreifens eines medialen Versatzst{\"u}ckes in einem anderen Medium {\textendash} untersucht Gabriele Jutz. Mit Blick auf die Frage, wie Kino mit anderen als filmischen Mitteln m{\"o}glich ist, befasst sie sich eingehend mit Prozessen der {\quotedblbase}retrograden{\textquotedblleft}, also r{\"u}ckwirkenden Vermittlung. Wie, so Jutz anhand ausgew{\"a}hlter Beispiele, kann ein j{\"u}ngeres Medium in einem {\"a}lteren bereits mit angelegt sein oder {\"u}ber jede Materialspezifik hinaus, den Zeitpfeil quasi umkehrend, {\quotedblbase}aufgehoben{\textquotedblleft} werden?
S{\"a}mtliche Beitr{\"a}ge dieser Ausgabe versuchen, die scheinbar starre Dichotomie von Original und Kopie aus einer postdigitalen Perspektive neu zur Disposition zu stellen. Das Augenmerk {\textendash} und methodische Ziel {\textendash} gilt der wohl noch l{\"a}nger w{\"a}hrenden Problematik, inwiefern {\quotedblbase}Originalkopien{\textquotedblleft} denkbar sind, worin beide Pole des Begriffspaars auf befreiende Weise ins Schwingen geraten.

Der Hauptteil des Heftes 2/2018 wurde finanziell unterst{\"u}tzt vom FWF Der Wissenschaftsfonds: AR348{\textendash}G24 (originalcopy).},
	keywords = {Anthropozentrismus, Christian Kravagna, Die Unsichtbaren und die Zornigen, different views, EXP{\'E}RIENCE ST{\'E}R{\'E}O_1; STATION MEUDON; STATION NAN{\c C}AY, Failing the Original, If our soup can could speak: Mikhail Lifshitz and the Soviet Sixties, Interspezies-Kunst, Jean-Luc Nancy, Kopie, Kopierverfahren, Kryptow{\"a}hrung, Kulturelle Aneignung, Lampedusa. Bildgeschichten vom Rande Europ, L{\"o}cher in der Wand: Anachronistische Ann{\"a}herungen an die Gegenwart, Magazin, Maya Schweizer {\textendash} Die Luke; eine Fliege und dort die Puschkinallee, Michael E. Smith, Migrant Image Research Group, Original, Plagiat, Poesie und Performance. Osteurop{\"a}ische Perspektive, Refrakt, Sasha Pirker {\textendash} MOI?, Sch{\"o}ne neue Welten. Virtuelle Realit{\"a}ten in der zeitgen{\"o}ssischen Kunst, Sevda Chkoutova {\textendash} Hide II, Stephen Willats {\textendash} Endless, TechnoFeminism, There Will Come Soft Rains, Transmoderne. Eine Kunstgeschichte des Kontakts, Vervielfachung, Victoria Lomasko, Weiterverbreitung, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift, Zitationskultur},
	issn = {978-3-9504191-7-7},
	url = {https://www.springerin.at/2018/2/},
	author = {Raphael Dillhof and Sabine Weier and Sumugan Sivanesan and Julia Gwendolyn Schneider and Noam Cohen and Franz Thalmair and Lisa Rastl and Christian H{\"o}ller and Bettina Funcke and Agnes Fuchs and Gabriele Jutz and Michael Kargl and Annette Gilbert and Karen Eliot and Julia Moritz and J{\"o}rn Ebner and Sabine Mostegl and Eugen El and Yvonne Volkart and Moritz Scheper and Andrej Schental and Yuki Higashino and Fiona Liewehr and Lucia Gavulov{\'a} and Herwig G. H{\"o}ller and Peter Kunitzky and Gislind Nabakowski and Martin Reiterer},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
