@book {3245,
	title = {BioMedia. The Age of Media with Life-like Behavior},
	year = {2023},
	note = {AK 2023/03},
	publisher = {Spector Books},
	organization = {Spector Books},
	address = {Leipzig},
	abstract = {Das neunzehnte Jahrhundert war die {\"A}ra der beweglichen Maschinen auf R{\"a}dern (Autos, Z{\"u}ge, Fahrr{\"a}der). Das zwanzigste Jahrhundert war die Epoche der bewegten Bilder, die anfangs ebenfalls mit radbasierten Maschinen (Filmkamera, Filmprojektor) produziert wurden: die ersten Schritte zur Nachahmung des Lebens durch die Faktoren Bewegung, Ton und Farbe. Mit der sp{\"a}teren Einf{\"u}hrung des Computers als Universalmedium sind die Mediensysteme durch die Virtualit{\"a}t der Informationsspeicherung, die Variabilit{\"a}t der Bildinhalte und die Viabilit{\"a}t des Bildverhaltens gekennzeichnet. Daher wird das einundzwanzigste Jahrhundert den Aufstieg der BioMedien erleben. Der Begriff BioMedien oder biomimetische Medien bezieht sich nicht auf Bio Art {\textendash} Kunst aus organischem oder biologischem Material {\textendash}, sondern auf Kunst aus anorganischem Material, das organische Merkmale aufweist: Medien, die lebens{\"a}hnliche Verhaltensweisen zeigen.

Die Forschungsausstellung BioMedien. Das Zeitalter der Medien mit lebens{\"a}hnlichem Verhalten im ZKM | Zentrum f{\"u}r Kunst und Medientechnologie Karlsruhe pr{\"a}sentierte dynamische Mediensysteme, die von computergenerierten und computersimulierten Systemen bis hin zu komplexen adaptiven Robotern und interaktiven Installationen reichen und verschiedene Aspekte des Lebens jenseits der Bewegung simulieren. Diese Mediensysteme sind keine lebenden Maschinen, sondern verhalten sich aufgrund ihrer Input-Output-Relation und ihrer Reaktionen auf die Interaktionen menschlicher und nicht-menschlicher Wesen wie lebende Organismen in k{\"u}nstlichen und nat{\"u}rlichen {\"O}kosystemen.

Mehr als sechzig K{\"u}nstler und Institutionen haben Werke zu der Ausstellung beigesteuert, die diese paradigmatischen Ver{\"a}nderungen in der Gesellschaft und in der Kunst aufzeigen. Das vorliegende Buch konzentriert sich auf diese Kunstwerke, die in reich bebilderten Texten ausf{\"u}hrlich beschrieben werden. Es bietet einen {\"U}berblick {\"u}ber die aktuellen Entwicklungen von Algorithmen, k{\"u}nstlichem Leben und k{\"u}nstlicher Intelligenz in der Kunst, enth{\"a}lt aber auch wissenschaftliche Essays von Peter Weibel, Samuel Bianchini und Emanuele Quinz sowie Ingeborg Reichle.

    Mit {\"u}ber 360 gro{\ss}formatigen Farbabbildungen
    70 Werke, detailliert beschrieben und in ihrer technischen Funktionsweise erl{\"a}uter
    Hochwertiger, 5-farbiger Kunstbuchdruck auf nachhaltig produziertem offenem Papier
    technische Informationen zu den Kunstwerken und Diagramme ihrer Funktionsweise
Artists: 

::vtol::
AATB
AIST {\textendash} National Institute of Advanced Industrial Science and Technology
Kees Aafjes
Aldebaran Robotics
Refik Anadol
Artificial Nature

BESM-4
Giselle Beiguelman
Torsten Belschner
Beyond Matter
Samuel Bianchini
Frank Bierlein
Michel Bret
Ludger Br{\"u}mmer

CITA {\textendash} Centre for Information Technology and Architecture at the Royal Danish Academy of Fine Arts
Daniel Canogar
Aristarkh Chernyshev
Compmonks
Edmond Couchot

Aaron S. Davidson
Adam Donovan
Harm van den Dorpel
Melissa Dubbin
Anna Dumitriu

Jake Elwes
Justine Emard
C{\'e}cile B. Evans

FZI Forschungszentrum Informatik
Bernardo Fontes
Edo Fouilloux

Yves Gellie
Alexandra Daisy Ginsberg

Libby Heaney
Stephan Henrich
Florian Hertweck
Katrin Hochschuh
Yannick Hofmann

intelligent.museum

Yasha Jain
Daria Jelonek

Karlsruher Institut f{\"u}r Technologie (KIT)
Sarah Kenderdine
Nikolay Konstantinov

Bernd Lintermann
Christian Losert
Matthew Lutz

Hasan Mashni
Alex May
Laurent Mignonneau
Viktor Minakhin
Christian Mio Loclair
Bruno Moreschi
M{\'e}lodie Mousset

Alessia Nigretti

Gordon Pask
{\v S}pela Petri{\v c}
Sascha Pohflepp
Alexander Ponomarev

Quadrature

Nina Rajcic
Random International
Anna Ridler

Birk Schmith{\"u}sen
Alexander Schubert
SensiLab
Jeffrey Shaw
Karl Sims
Maria Smigielska
Christa Sommerer
Jakob Kudsk Steensen
Martinus Suijkerbuijk

Maija Tammi
The Rodina

Universal Everything

Jeroen van der Most
Peter van der Putten

G{\"u}nter Weseler

Marco Zampella
Moph Zielke
Fabien Zocco

{\'E}cole polytechnique f{\'e}d{\'e}rale de Lausanne (EPFL)
},
	keywords = {21. Jahrhundert, Algorithmen, Ausstellungskatalog, BioMedien, Input, Installation, Kunst, Leben, lebens{\"a}hnlich, Maschinen, Medienkunst, Mediensysteme, menschlich, Nachahmung, nichtmenschlich, {\"O}konomie, Organismen, Output, Robotik, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-95905-644-1},
	url = {https://webshop.zkm.de/BioMedia},
	author = {Peter Weibel and Ingeborg Reichle and Samuel Bianchini and Emanuele Quinz},
	editor = {Peter Weibel}
}
@book {3240,
	title = {Kunstforum International 287/2023},
	year = {2023},
	note = {Z Kunstforum 287/2023},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {Post-Vandalismus
Eine {\"A}sthetik der Stra{\ss}e

Widerstand, Protest und der h{\"a}ufig damit einhergehende Vandalismus auf den Stra{\ss}en sind in den aktuellen Medienbildern wieder stark pr{\"a}sent. Da Zerst{\"o}rung zumeist negativ gelesen wird, ger{\"a} t die politische Botschaft der Aktionen in den Hintergrund. Sachzerst{\"o}rung, Graffiti und Auflehnung begleiten aber das urbane Leben. Ihre Einfl{\"u}sse auf die Kunstgeschichte und ihr {\"a}sthetischer Transfer in den White Cube vollzogen sich bereits seit dem 20. Jahrhundert. So ist Post- Vandalismus ein Begriff, der keine explizit {\quotesinglbase}neue{\textquoteleft} Kunstrichtung benennt, sondern l{\"a}ngst {\"u}berf{\"a}llig war. Von der Nachkriegszeit bis zur Zeitgenossenschaft, von illegal arbeitenden K{\"u}nstler*innen und Protestler* innen bis zur Galerie und ins Museum: postvandalische Kunst taucht in vielen Bereichen auf. Der vorliegende Themenband zeigt, dass der von dem irischen K{\"u}nstler Stephen Burke {\"u}ber seinen gleichnamigen Instagram Account post_vandalism bekannt gemachte Begriff inzwischen in der Kunst(welt) verankert ist. Von diesem inspiriert, ist der Band gleichzeitig eine Vertiefung und ein Weiterdenken des Begriffs und hinterfragt: Wie kommt das Vandalische in den White Cube? Dabei stellt er K{\"u}nstler* innen wie Baptiste Debombourg, Felix Kiessling, Klara Lid{\'e}n oder Felix Schramm vor, die in der Bildhauerei die vandalischen Aktionen konservieren, transportieren und neu inszenieren. Auch in Gespr{\"a}chen wie mit Bus126 und Nils M{\"u}ller von der Galerie Ruttkowski;68 thematisiert der Band Kunstwerke, die eine Stra{\ss}enaura in sich tragen. So stellt sich die Frage: Gibt es ein Crossover im Bereich Graffiti, Vandalismus und zeitgen{\"o}ssischer Kunst? Wie lernt die Kunst von der {\"A}sthetik der Stra{\ss}e?},
	keywords = {{\"A}sthetik, Besch{\"a}digung, Doppelmoral, Graffiti, Isaac Julien, Jana Gunstheimer, Kollektiv, Nils M{\"u}ller, Pedro Reyes, Post-Vandalismus, Postvandalismus, Psychogeografien, Shifting Spaces, Sprayen, Stra{\ss}e, Street Art, Subkultur, Tim Eitel, Torben Ebbesen, Ungehorsam, Vandalismus, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift, Zukunft},
	url = {https://www.kunstforum.de/band/2023-287-post-vandalismus/},
	author = {Larissa Kikol and J{\"u}rgen Raap and Michael H{\"u}bl and Peter Michalski and Tobias Morawski and Michael Stoeber and Heinz-Norbert Jocks and Sabine Maria Schmidt and Magdalena Kr{\"o}ner and Roland Scheppert and Claudia Wahjudi and Ingo Arend and Ronald Berg and Rainer Unruh and Jens Asthoff and Jens R{\"o}nnau and Renate Puvogel and Susanne D{\"u}chting and Annelie Pohlen and Isa Bickmann and Hans-Dieter Fronz and Pamela C. Scorzin and Martin Bl{\"a}ttner and Daniela Gregori and Ursula Maria Probst and Petra Noll-Hammerstiel and Luisa Fink and Max Glauner},
	editor = {Dieter Bechtloff and Larissa Kikol}
}
@book {3186,
	title = {Kunstforum International 280/2022},
	year = {2022},
	note = {Z Kunstforum 280/2022},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {Zukunftsressource Archiv
Kunst als Medium von Erinnerung und Imagination

Von Akten und K{\"u}nstler-Atlanten zu Clouds und Onlinedatenbanken {\textendash} Sind Archive Portale in die Zukunft? Heute steht das Archiv f{\"u}r flexible {\quotedblbase}Wissensnetzwerke{\textquotedblleft}. Wie einschneidend der Verlust eines solchen Reservoirs ist, zeigte nicht zuletzt der lange Nachhall des international wahrgenommenen Einsturzes des Stadtarchivs in K{\"o}ln 2009. Archivieren als k{\"u}nstlerische und kuratorische Praxis geht weit {\"u}ber das {\quotedblbase}klassische{\textquotedblleft} Sammeln von Bildern und Objekten hinaus. Der Drang in die Zukunft ist dem Archiv immanent. Als Verteilerknoten zwischen Zeiten, als Erinnerungsspeicher und (utopischer) Imaginationsraum {\textendash} das Archiv wird zum Ausgangspunkt f{\"u}r vielgestaltige Dynamiken, die Zuk{\"u}nfte im Plural denkbar werden lassen. Doch wie demokratisiert man eine Sammlung? Und wer hat das Recht zur Interpretation und Ver{\"o}ffentlichung? Band 280 untersucht diese Aktualit{\"a}t des Archivarischen an der Schnittstelle zu den K{\"u}nsten. In Interviews und Essays sucht der Band nach Antworten: Wer beschlie{\ss}t, was {\"u}berliefert wird? Wie erm{\"o}glicht man Teilhabe an der Gestaltung? Die Betrachtung internationaler Projekte wie Archives of Women Artists ( AWARE) und neu entstehende wie Archiv der Avantgarden (AdA) sollen Aufschluss dar{\"u}ber geben. Historische (wie Richter, Boltanski, Darboven, Oppermann) und zeitgen{\"o}ssische Positionen (von Simon Denny, Peggy Buth, Theaster Gates, Camille Henrot) sowie zentrale Ausstellungen wie {\quotedblbase}Archive Fever{\textquotedblleft}, 2008 in New York dokumentieren, dass die Besch{\"a}ftigung mit dem Archivarischen so aktuell ist wie nie und dessen Grenzen in Bewegung geraten sind. Entdecken wir gemeinsam das Gestern, Heute und Morgen.},
	keywords = {21. Jahrhundert, Erinnerung, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Utta M. Reindl and Ellen Wagner and J{\"u}rgen Raap and Michael H{\"u}bl and Knut Ebeling and Barbara Hess and Michael Krajewski and Rafael Cardoso and Maria Anna Tappeiner and Claudia Steinberg and Teresa Retzer and Melanie Weidem{\"u}ller and Ronald Berg and Ingo Arend and Peter Funken and Claudia Wahjudi and Matthias Reichelt and Rainer Unruh and Jens Astoff and Marta Herford and Renate Puvogel and Ann-Katrin G{\"u}nzel and Thomas W. Kuhn}
}
@book {3208,
	title = {Michael Bielicky. Perpetuum Mobile},
	year = {2022},
	note = {AK 2022/02},
	publisher = {DCV books},
	organization = {DCV books},
	address = {Karlsruhe },
	abstract = {
In einem Zeitraum von fast vierzig Jahren schafft Michael Bielicky innovative Arbeiten in den Bereichen Fotografie, Video sowie netzbasierter Installation. Die Ausstellung {\guillemotright}Perpetuum mobile{\guillemotleft} bietet erstmals einen {\"U}berblick {\"u}ber sein vielf{\"a}ltiges Gesamtwerk.

Die Werke Michael Bielickys stehen stets im Dialog mit den neuesten technischen Entwicklungen und f{\"u}hren zugleich hinein in eine medienhistorische Tiefenzeit bis hin zu den Praktiken der mittelalterlichen Kabbalisten: Es entstehen eigenwillige Hybride, die zugleich einer analogen wie digitalen Welt angeh{\"o}ren und den Grenzbereich zwischen dem realen und virtuellen Raum ausdifferenzieren. In seinem innovativen Werk, das sich mit dem technologischen Wandel und dessen gesellschaftlichen, philosophischen und politischen Implikationen auseinandersetzt, erm{\"o}glicht der tschechisch-deutsche Medienk{\"u}nstler eine kritische Besch{\"a}ftigung mit dem Wesen von Technologie, dessen materiellen und immateriellen Bedeutungen sowie deren Einfluss auf unsere Wahrnehmung und unser Handeln.  

F{\"u}r seine kritisch-ironische Reflexion der medialen Gegenwart ist Bielickys Studium an der D{\"u}sseldorfer Kunstakademie in den 1980er-Jahren ausschlaggebend: Pr{\"a}gend ist der Einfluss seines Lehrers Nam June Paik, dem Vater der Videokunst, sowie von Joseph Beuys und der gesamten Fluxus-Bewegung. Aber auch die Begegnungen und lebenslangen Freundschaften zu zentralen Figuren der Medienphilosophie und -kunst, wie Mel Alexenberg, Vil{\'e}m Flusser, Norman M. Klein, Peter Sloterdijk, Woody Vasulka, Peter Weibel  oder Siegfried Zielinski sind f{\"u}r sein k{\"u}nstlerisches Schaffen wegweisend. Bielickys Streben nach einem st{\"a}ndigen {\"U}berschreiten und Befragen der technischen Bedingungen und ihrer tiefgreifenden Bedeutung f{\"u}r den Menschen und die Gesellschaft liegt noch in weiteren Quellen: In den Erfahrungen seiner Kindheit im Prag der 1960er-Jahre, wo sich eine avantgardistische Film- und Medienkultur entwickelte, die den traditionellen Filmbegriff radikal erweiterte und die Faszination des K{\"u}nstlers f{\"u}r Film und die Transposition in andere Medien weckte, in der j{\"u}dischen Spiritualit{\"a}t und Kulturgeschichte sowie in der medienhistorischen Bedeutung Tschechiens insgesamt.

Seit 2005 arbeitet Michael Bielicky mit der K{\"u}nstlerin Kamila B. Richter zusammen. Gemeinsam schaffen sie raumgreifende, auf einer dynamischen Piktogrammsprache basierende Netzkunstwerke, die {\"u}ber die Integration von Echtzeit-Daten wie Twitter oder Google News funktionieren und f{\"u}r die sie den Begriff der {\guillemotright}Data-Driven Narratives{\guillemotleft} pr{\"a}gten. In ihrer spielerischen und zugleich unheimlichen {\"A}sthetik thematisieren sie auf eindringliche Weise Fragen nach dem Einfluss einer von Algorithmen gelenkten informationellen Medien{\"o}kologie auf Individuum und Gesellschaft, einem zunehmenden Ausgeliefertsein an die opaken Machtstrukturen des digitalen Raums.

Bereits seit der Gr{\"u}ndung ist Bielicky eng mit dem ZKM verbunden: Seine Videoskulptur Menorah (1989) war das erste Werk der Sammlung des ZKM, zudem war er an zahlreichen Ausstellungen beteiligt. Seit 2017 wird sein umfangreiches Medienarchiv am ZKM in enger Zusammenarbeit mit dem K{\"u}nstler aufgearbeitet.
},
	keywords = {Ars Electronica, Ausstellung, Medieninstallationen, Medienkunst, Videokunst, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	isbn = {978-3-96912-028-06},
	author = {Peter Weibel and Zdenek Sklenar}
}
@book {3231,
	title = {steirischer herbst {\textquoteright}21. THE WAY OUT Katalog},
	year = {2022},
	note = {AK 2021/17 I},
	publisher = {Hatje Cantz},
	organization = {Hatje Cantz},
	address = {Berlin},
	abstract = {Die heutigen Kunstinstitutionen sind oft gezwungen, in einem Modus der imagin{\"a}ren Beteiligung zu arbeiten, da das reale Publikum einen gro{\ss}en Bogen um sie zu machen scheint. Diese Selbstisolierung ist ein gigantischer blinder Fleck der zeitgen{\"o}ssischen Kunst. Warum versuchen wir als Kurator:innen nicht alle, zur Abwechslung einmal in eine andere Richtung zu arbeiten? Um unseren Komfortzonen und Schutzr{\"a}umen zu entkommen. Das war die Absicht hinter The Way Out, der 2021er-Ausgabe des steirischen herbst. Er pr{\"a}sentierte eine kuratorische Skizze f{\"u}r eine Arbeitsweise drau{\ss}en, unter freiem Himmel, im {\"o}ffentlichen Raum, wo die radikale Demokratisierung der Zug{\"a}nglichkeit von Kunst ein Denkhorizont und ein Ziel ist, das K{\"u}nstler:innen und Kunstwerke anstreben k{\"o}nnten.

Yael Bartana, Uriel Barth{\'e}l{\'e}mi mit Sophie Bernado und Salomon Baneck-Asaro, Sophia Brous mit Faye Driscoll, Samara Hersch und Lara Thoms, {\v Z}iga Divjak, G.R.A.M., Emil Gruber, Felix Hafner und Ensemble, Thomas Hirschhorn, Hiwa K, Dejan Kaludjerovi{\'c} in Zusammenarbeit mit Marija Balubd{\v z}i{\'c}, Bojan Djordjev und Tanja {\v S}ljivar, Flo Kasearu, Paul B. Preciado, Die Rabtaldirndln, Reverend Billy and the Church of Stop Shopping, Peter Schloss mit Grupa Ee, Tino Sehgal, Marinella Senatore, Hito Steyerl und Mark Waschke, Theater im Bahnhof

Lageberichte: Lars Cuzner, Nicholas Grafia \& Miko{\l}aj Sobczak, Heimo Halbrainer und Joachim Hainzl (CLIO), Pia Hierzegger, Stefanie Sargnagel
Plakate: Nilbar G{\"u}re{\c s}, Hans Haacke, Horst Gerhard Haberl, Li Ran, Boris Mikhailov, Amanullah Mojadidi, Dana Sherwood, Mounira Al Solh, Piotr Szyhalski, Rosemarie Trockel
},
	keywords = {Ausstellungskatalog, Demokratisierung, Kunstinstitutionen, {\"O}ffentlicher Raum, Selbstisolierung, steirischer herbst, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zug{\"a}nglichkeit},
	url = {978-3-7757-5365-4},
	editor = {Ekaterina Degot and David Riff}
}
@book {3232,
	title = {steirischer herbst {\textquoteright}21. THE WAY OUT OF... Reader},
	year = {2022},
	note = {AK 2021/17 II},
	publisher = {Hatje Cantz},
	organization = {Hatje Cantz},
	address = {Berlin},
	abstract = {Man k{\"o}nnte es einen perfekten Sturm nennen. Die Kunstwelt scheint unhaltbar; sie steckt in einer tiefen Krise, die nur als etwas verstanden werden kann, das mannigfaltige Ursachen und Artikulationen hat. Die Suche nach einem Weg hinaus aus diesen Sackgassen war einer der Beweggr{\"u}nde von The Way Out, der 2021er-Ausgabe des interdisziplin{\"a}ren Festivals steirischer herbst.The Way Out of {\textellipsis} versammelt Texte von Beitr{\"a}ger:innen zum Diskussionsprogramm des Festivals, die durch einige weitere erg{\"a}nzt werden. Sie suchen nach Auswegen aus hartn{\"a}ckigen Problemen, die sich seit langem ank{\"u}ndigen, aber jetzt so dringlich sind wie nie zuvor.},
	keywords = {Ausweg, Demokratisierung, Krise, Kunstinstitutionen, {\"O}ffentlicher Raum, Reader, Selbstisolierung, steirischer herbst, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zug{\"a}nglichkeit},
	isbn = {978-3-7757-5366-1},
	author = {Katherine Angel and Emma Dowling and Dorothea von Hantelmann and Thomas Hirschhorn and Hiwa K and Jason W. Moore and Evgeny Morozov and Paul B. Preciado and Quinn Slobodian and Mark Terkessidis},
	editor = {Ekaterina Degot and David Riff}
}
@book {3204,
	title = {Texte zur Kunst. Trauern/Mourning},
	year = {2022},
	note = {Z Texte zur Kunst 126/2022},
	publisher = {textezurkunst},
	organization = {textezurkunst},
	address = {Berlin},
	abstract = {Die Juni-Ausgabe von TEXTE ZUR KUNST widmet sich Politiken der Erinnerung und Formen ritualisierter Trauer in Kunst und Kultur. Dabei liegt der Fokus weniger auf der Analyse eines vermeintlich universellen Gef{\"u}hls oder Allgemeinzustands, sondern auf konkreten und vielf{\"a}ltigen Praktiken der Trauerarbeit als kontinuierlicher Herausforderung an die Gesellschaft. Heft $\#$126 verhandelt Fragen des Verlusts und des Trauerns im Kontext rassistischer und rechter Gewalt und versucht zugleich, auf die transformatorischen Kr{\"a}fte des Trauerns aufmerksam zu machen.},
	keywords = {21. Jahrhundert, Erinnerung, Rassismus, Rechtsextremismus, Ritual, Trauer, Trauerarbeit, Verlust, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	isbn = {978-3-946564-24-9},
	issn = {0940-9596},
	author = {Isabelle Graw and {\c C}i{\u g}dem Inan and Eliana Otta and Njoki Ngumi and Edna -Bonhomme and Cynthia Cruz and Elena Meilicke and Jasmin Degeling and Philipp Hohmann and Lukas Foerster and Rainer Bellenbaum and Katharina Hausladen and Adela Kim and Ramey Mize and Oliver Hardt and Brit Barton and Talia Kwartler and Christian H{\"o}ller and Josie Roland Hodson and Pablo Santacana L{\'o}pez and Linn{\'e}a Bake and Jess Chen and Marlene Militz and Benjamin Hirte and Stefanie Diekmann and Carlos Kong}
}
@book {3176,
	title = {Throwig Gestures. Protest, Economy, and the Imperceptible},
	year = {2022},
	note = {AK 2022/01},
	publisher = {Verlag f{\"u}r moderne Kunst },
	organization = {Verlag f{\"u}r moderne Kunst },
	address = {Vienna},
	abstract = {Die Ausstellung {\quotedblbase}Throwing Gestures{\textquotedblleft} befragt Geste als k{\"o}rperliche Bewegung, die ihre Bedeutung in der politischen Zuschreibung sowie durch ihre mediale (Un)Sichtbarkeit erlangt. {\quotedblbase}Throwing Gestures{\textquotedblleft} untersucht mediale Repr{\"a}sentationen (politischer) Gesten, ihre {\"U}bersetzungen, Verschiebungen und (De-)Kontextualisierung, Versprachlichung sowie Videoerkennung und filmische Formen.
Die Kunstwerke analysieren dabei Machtstrukturen, seien sie sichtbar, unsichtbar oder manifest in materiellen Formen, wie Architektur und Technik.

Die in der Ausstellung gezeigten Arbeiten sind in den vergangenen beiden Jahren im Rahmen des interdisziplin{\"a}ren Forschungsprojekts {\quotedblbase}The Entanglement between Gesture, Media and Politics{\textquotedblleft} entstanden. K{\"u}nstler/innen, Performer/innen, Medien- und Kulturwissenschaftler/innen haben in intensiven zeitlich wie r{\"a}umlich begrenzten Arbeitssituationen, Fragestellungen, Methoden und Recherche ausgetauscht, eigene Zug{\"a}nge kritisch hinterfragt sowie disziplin{\"u}bergreifende Interessen mit Kolleg/innen ausfindig gemacht. Erg{\"a}nzt werden die so entstandenen Arbeiten durch Werke geladener K{\"u}nstler/innen, die sowohl wichtige Referenzen im Forschungsprozess darstellen als auch f{\"u}r die Auseinandersetzung mit Geste signifikante Aspekte aufgreifen.

Die Zusammenstellung der Arbeiten zeigt klar: Die mediale Pr{\"a}senz von Protestgesten ist in einen komplexen Kampf um Aufmerksamkeit eingewoben, in der {\quotedblbase}{\"O}konomie der Aufmerksamkeit{\textquotedblleft} sind Protestgesten auf einer sozio-{\"o}konomischen Folie zu analysieren. So l{\"a}sst sich {\textendash} etwas polemisch {\textendash} vermuten, dass das {\quotedblbase}Policing the Crisis{\textquotedblleft} (Stuart Hall et al.) der {\"A}ra Margaret Thatcher in das Zeitalter seiner kommerziellen Verwertung eingetreten ist.

Zusammen mit der Ausstellung bildet das gleichnamige internationale Symposium den Abschluss des interdisziplin{\"a}ren Forschungsprojektes. Drei Panels n{\"a}hern sich dem Thema aus unterschiedlichen Perspektiven. {\quotedblbase}Im/Perceptible Gesture{\textquotedblleft} diskutiert, wie Bewegung zu Geste wird und wie Technik an diesem Prozess beteiligt ist. Das Panel {\quotedblbase}Gesture and the Political{\textquotedblleft} untersucht politische Gesten, Auftreten und Verbreitung in Protestbewegungen und ihre {\"A}sthetisierung in Popul{\"a}rkultur und Kunst. {\quotedblbase}Staging the Entanglement between Arts and Humanities{\textquotedblleft} reflektiert die Arbeitsprozesse zwischen k{\"u}nstlerischen und wissenschaftlichen Akteuren in interdisziplin{\"a}ren Projekten und diskutiert unterschiedliche Arten der Pr{\"a}sentation ihrer Ergebnisse.

An der Ausstellung beteiligte K{\"u}nstler/innen: Larry Archiampong \& David Blandy, Jakob Argauer, Florian Bettel, Dina Boswank, Justine A. Chambers, Jeremy Deller, Timo Herbst, Kerstin Honeit, Irina Kaldrack, Silas Mücke, Marcus Nebe, Tobias Schulze, Konrad Strutz, Bahaa Talis, Nasan Tur, Laurie Young.

Kuratiert von Florian Bettel, Dina Boswank, Timo Herbst, Konrad Strutz und Laurie Young.},
	keywords = {21. Jahrhundert, Ausstellung, K{\"o}rper, Protest, Technologie, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-903572-25-6},
	author = {Florian Bettel and Irina Kaldrack and Konrad Strutz and Justine A. Chambers and Riccardo E. Chesta and Timo Herbst and Irina Kaldrack and Alexander Koch and Martina Leeker and Zoe Lefkofridi and Stefanie Kiwi Menrath and Marcus Nebe and Stefan Rieger and Tobias Schulze and Konrad Strutz and Anna-Lena Wenzel and Laurie Young}
}
@book {3122,
	title = {Dispossession},
	year = {2021},
	note = {AK 2021/10},
	publisher = {K{\"u}nstlerhaus },
	organization = {K{\"u}nstlerhaus },
	address = {Wien},
	abstract = {Vor zwei Jahren wurde die K{\"u}nstlerin Ariane M{\"u}ller vom damaligen k{\"u}nstlerischen Leiter des K{\"u}nstlerhauses Tim Voss eingeladen, eine Ausstellung zu konzipieren, die sich mit der Geschichte der K{\"u}nstlervereinigung in der Zeit vor, w{\"a}hrend und nach der nationalsozialistischen Herrschaft in Wien auseinandersetzte. Der Titel Dispossession beschreibt nun ihre Ann{\"a}herung an dieses Thema und damit auch die Methodik der Ausstellung: Dispossession hei{\ss}t auf Deutsch Enteignung, ohne dass das deutsche Wort den englischen Begriff ganz fasst. Es fehlt darin das Besitzen, vor allem aber das {\quotedblbase}Besessen sein{\textquotedblleft}. Der Nationalsozialismus, wie jede rechte Bewegung, war von der Kategorisierung von Menschen besessen. Er definierte bis ins letzte entw{\"u}rdigende Detail Zuschreibungen wie {\quotedblbase}j{\"u}disch{\textquotedblleft}, {\quotedblbase}homosexuell{\textquotedblleft} oder {\quotedblbase}asozial{\textquotedblleft}. Was nicht {\quotedblbase}normal{\textquotedblleft} war, wurde als {\quotedblbase}entartet{\textquotedblleft} abqualifiziert. Er reduzierte weibliche Menschen auf ihre Reproduktionsfunktion und war besessen vom Konzept der Rasse und von der Ideologie daran gekn{\"u}pfter Eigenschaften. So wurden Menschen beschrieben, deren Gemeinsamkeit darin bestand, dass sie selbst bei der Definition, die sie entwertete, nicht mitreden konnten. Der eigentliche Zweck dieser kategorisierenden Beschreibung war es, den Beschriebenen auf Basis dieser Beschreibung etwas wegzunehmen. Die Ausstellung argumentiert gegen die Vorstellung eines Besitzens von Eigenschaften, die sich aus Fremdzuschreibungen ergeben.

Die ausgestellten K{\"u}nstler*innen Linda Bilda, Stephan Janitzky, Anita Leisz, Henrik Olesen, Arye Wachsmuth und die Historikerin Sophie Lillie wurden eingeladen, weil sie sich mit dem Komplex von Identit{\"a}ts-Zuschreibungen, deren Ziel die Festschreibung, mit dem Ziel der Entwertung und damit Enteignung von Individuen ist, seit Jahren besch{\"a}ftigen. Die Arbeiten entstanden nicht in Hinsicht auf eine Geschichte des K{\"u}nstlerhauses. Sie zeigen vielmehr sehr unterschiedliche Methoden, wie man sich ihr {\"u}berhaupt n{\"a}hern kann. Sie weisen dadurch darauf hin, dass es andere Logiken gibt, als sie die erhaltenen Dokumente dieser Zeit {\"u}bermitteln. Denn diese sind immer auch Teil dessen, was sie inhaltlich beschreiben.

Der zweite Teil fragt, was denn die Repr{\"a}sentation {\"u}berhaupt war, die das K{\"u}nstlerhaus f{\"u}r seine Mitglieder leistete, und wie sehr die reaktion{\"a}re gesellschaftspolitische Ausrichtung dieser K{\"u}nstlervereinigung unser Bild von Kunst beeinflusst hat. An sich muss man daf{\"u}r nur mit offenen Augen durch Wien gehen. Es gibt kaum ein Amtshaus, eine Kirche oder einen Staatsopernvorhang, an dem nicht ein Mitglied des K{\"u}nstlerhauses beteiligt war. Das K{\"u}nstlerhaus hatte die Macht, K{\"u}nstler*innen von diesem Kanon aus Auftr{\"a}gen, Orden, Professorentiteln, Unterst{\"u}tzungen, Anerkennung, R{\"u}ckhalt, Solidarit{\"a}t, praktischer Hilfe und Einkommen ausschlie{\ss}en {\textendash} und tat es auch. Richard Apflauer, Theodor Bruckner, Jehudo Epstein, Hilda Goldwag, Sofie Korner, Gerda Matejka-Felden, Teresa Feodorowna Ries und der Sammler Marco Birnholz waren Menschen, die jede(r) mit dem K{\"u}nstlerhaus zu tun hatten, die aber als Mitglieder entweder durchg{\"a}ngig ausgeschlossen waren oder denen man die gew{\"a}hrte Mitgliedschaft wieder absprach. Diese Entsolidarisierung reichte weit in die Nachkriegszeit und steuerte so auch ihre Pr{\"a}senz in den heutigen {\"o}ffentlichen Sammlungen. Es sind von ihnen allen nur wenige Arbeiten erhalten. Dispossession zeigt nun ausschnittartig einige davon in der Ausstellung jener Institution, die die Personen dahinter im Stich gelassen hatte und sich um ihr Schicksal zu ihren Lebzeiten nicht weiter bek{\"u}mmerte.},
	keywords = {Ausstellungskatalog, K{\"u}nstlerhaus Wien, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-900354-74-9},
	author = {Ariane M{\"u}ller and Linda Bilda and Stephan Janitzky and Anita Leisz and Sophie Lillie and Arye Wachsmuth and Henrik Olesen and Peter Zawrel}
}
@book {3093,
	title = {EIKON. Internationale Zeitschrift f{\"u}r Photografie und Medienkunst $\#$114/2021},
	year = {2021},
	note = {Z Eikon 114/2021},
	publisher = {bei EIKON },
	organization = {bei EIKON },
	address = {Wien},
	abstract = {The Crisis and Beyond
{\quotedblbase}Eine Krise ist nie etwas Positives. Man muss zuallererst diese vielen negativen Dinge, die passieren, {\"u}berhaupt einmal bew{\"a}ltigen{\textquotedblleft}, so Max Hollein in einem online {\"u}bertragenen Gespr{\"a}ch zum Thema, wie Museen in Zeiten permanenter Planungsunsicherheit agieren (1).  Dass die aktuell so herausfordernde Situation Kulturschaffende dazu zwingt, Abl{\"a}ufe zu hinterfragen, die Kommunikation nach au{\ss}en zu optimieren oder sich ganz einfach an vollkommen neue Formate anzupassen, f{\"o}rdert aber zugleich ein enormes Potential ans Licht. Nicht zuletzt wurde auch die Verfasserin dieser Zeilen durch den nie da gewesenen Digitalisierungsschub zur Profiteurin der vielen nun im Netz bereitgestellten Inhalte und konnte dadurch etwa auch den eben zitierten {\quotedblbase}Sprengel-Talk{\textquotedblleft} live mitverfolgen (2). Andererseits vermisst wohl wirklich jede/r Kunstsinnige etwa einen spontanen Ausstellungsbesuch ohne vorherigen Coronatest und Maske (wobei man schon froh sein muss, wenn die momentane Lage es {\"u}berhaupt zul{\"a}sst, Museen f{\"u}r BesucherInnen ge{\"o}ffnet zu halten).
Genau wie der Umgang mit der Pandemie die Menschen spaltet, so scheinen auch in der Kunst und Kultur h{\"o}chst unterschiedliche Wahrnehmungen der tiefgreifenden Umw{\"a}lzungen, welche die Verlagerung in den virtuellen Raum mit sich bringt, zu kursieren. Nach {\"u}ber einem Jahr Covid-Krise mit all ihren Begleiterscheinungen war es jedenfalls f{\"u}r EIKON an der Zeit, mit {\quotedblbase}Im Fokus: Die Krise {\textendash} und dann?{\textquotedblleft}  eine Art Zwischenbilanz zu ziehen: So wurden insgesamt sieben verschiedene AkteurInnen der Bereiche Neue Medien und Fotografie zu ihren Beobachtungen, Erfahrungen und L{\"o}sungsans{\"a}tzen befragt, deren Antworten unterschiedlich, mitunter sogar kontr{\"a}r, ausfallen und anhand von drei dem vorliegenden Schwerpunkt untergeordneten Beitr{\"a}gen aufbereitet wurden. Die Entwicklung neuer Konzepte ist, so wie die Pandemie, wohl noch l{\"a}nger nicht vorbei {\textendash} und wieder einmal wird deutlich, dass diese Krise nicht alle gleich trifft. Einige der neuen hybriden Programme werden weiterhin bestehen, so viel zeichnet sich jedoch schon ab. Der Rest bleibt spannend. },
	keywords = {21. Jahrhundert, 30 Jahre EIKON, Adrian Sauer, Broomberg \& Chanarin, Elfie Semotan, Hallger{\dh}ur Hallgr{\'\i}msd{\'o}ttir, Susanna Flock, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-904083-07-2},
	author = {Thomas Ballhausen and Simon Bowcock and Pia Draskovits and Nela Eggenberger and Carla Susanne Erdmann and Maximilian Geym{\"u}ller and Elodie Grethen and Jana Johanna Haeckel and Sophie Haslinger and Nathalie Herschdorfer and Ruth Horak and Peter Kunitzky and Maren L{\"u}bbke-Tidow and Anja Manfredi and Dani{\`e}le Perrier and Claus Philipp and Uta M. Reindl and Maria Rennhofer and Maria Schindelegger and Ferdinand Schmatz and Kathrin Sch{\"o}negg and Walter Seidl and Claudia Slanar and Peter Weibel},
	editor = {Carl Aigner and Nela Eggenberger and Pia Draskovits}
}
@book {3132,
	title = {Huang Po-Chih. Blue Elephant },
	year = {2021},
	note = {AK 2021/12
},
	publisher = {Walther und Franz K{\"o}nig },
	organization = {Walther und Franz K{\"o}nig },
	address = {K{\"o}ln },
	abstract = {uang Po-Chih (*1980 in Taoyuan) geh{\"o}rt einer Generation von K{\"u}nstler*innen an, die in einer {\"A}ra demokratischer Reformen und hohen Wirtschaftswachstums in Taiwan sozialisiert wurde. Seine multidisziplin{\"a}re Praxis, die diverse k{\"u}nstlerische Medien ebenso umfasst wie Literatur, Agrarwirtschaft, Textilmanufaktur und soziales Entrepreneurship, reflektiert den gewandelten Identit{\"a}tsdiskurs Taiwans der letzten Jahrzehnte: von einer nach innen gerichteten, von der japanischen Besatzung, der Rolle im Kalten Krieg und den Souver{\"a}nit{\"a}tsanspr{\"u}chen gegen{\"u}ber der Volksrepublik China bestimmten Erz{\"a}hlung hin zu einer transnationalen Vision, die lokale, ostasiatische und globale Perspektiven gleicherma{\ss}en ber{\"u}cksichtigt.

Im Mittelpunkt von Huang Po-Chihs Pr{\"a}sentation im mumok steht die mehrteilige Werkserie Production Line {\textendash} Made in China \& Made in Taiwan (2014{\textendash}20). Ausgehend von seinem Essay Blue Skin: Mama{\textquoteright}s Story (2011{\textendash}13), in dem er das wechselvolle Arbeitsleben seiner Mutter schildert, thematisiert Huang darin den Aufstieg und Untergang der Textilproduktion in Taiwan und deren schrittweises Outsourcing.},
	keywords = {21. Jahrhundert, Agrarwirtschaft, China, Taiwan, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-7533-0151-8},
	author = {Heike Eipeldauer and Karola Kraus}
}
@book {3123,
	title = {(K)ein Mensch ist eine Insel },
	year = {2021},
	note = {AK 2021/11},
	publisher = {K{\"u}nstlerhaus },
	organization = {K{\"u}nstlerhaus },
	address = {Wien},
	abstract = {Wie kann sich eine Kunstausstellung einem so einschneidenden Ereignis wie der Corona-Pandemie ann{\"a}hern? Wie wird in der Kunst dar{\"u}ber reflektiert, darauf reagiert? Jenseits des tagespolitischen Geschehens versucht (K)EIN MENSCH IST EINE INSEL grunds{\"a}tzliche Fragestellungen des menschlichen Zusammenlebens in den Mittelpunkt zu stellen, die durch Corona verst{\"a}rkt in den Fokus r{\"u}cken oder auch neu verhandelt werden: die Rolle der Gesellschaft und des einzelnen Individuums, der soziale R{\"u}ckzug und die Selbstreflexion, die Einsamkeit und Vereinsamung, das sich Verh{\"u}llen und Maskieren... all das sind Themen, die K{\"u}nstler*innen immer wieder reflektiert und in Werken behandelt haben. In Zeiten von {\quotedblbase}Social{\textquotedblleft} bzw. {\quotedblbase}Physical Distancing{\textquotedblleft} haben diese an Aktualit{\"a}t gewonnen.

Die Ausstellung erz{\"a}hlt von Gemeinschaft und Isolation in der zeitgen{\"o}ssischen Kunst und zeigt Arbeiten von K{\"u}nstler*innen, deren Entstehung bisweilen Jahre zur{\"u}ckliegt, deren Motive und Sujets aber gegenw{\"a}rtiger denn je sind. Es {\"u}berrascht, wie stark die Eindr{\"u}cke und Erlebnisse des letzten Jahres unseren Blick konditionieren und die Kunstwerke eine neue Beachtung erlangen, eine neue Lesart erfahren. Dem gegen{\"u}ber stehen aktuelle Arbeiten, die unter dem Eindruck der letzten Monate entstanden sind.

(K)EIN MENSCH IST EINE INSEL ist die erste gro{\ss}e Mitgliederausstellung seit den 1990er Jahren. Sie veranschaulicht das kreative Potenzial aber auch die Diversit{\"a}t und Pluralit{\"a}t der K{\"u}nstler*innen des K{\"u}nstlerhausvereins. 
 },
	keywords = {Ausstellungskatalog, K{\"u}nstlerhaus, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-900354-70-1},
	author = {G{\"u}nther Oberhollenzer and Larissa Agel}
}
@book {3095,
	title = {Mathias Poledna. Indifference},
	year = {2021},
	note = {AK 2021/01},
	publisher = {Walther und Franz K{\"o}nig},
	organization = {Walther und Franz K{\"o}nig},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {Die Filmarbeit Indifference (2018) treibt Polednas kontinuierliche Untersuchung des visuell Imagin{\"a}ren der Moderne weiter voran. Der Film entfaltet sich als eine Reihe von halluzinatorischen Szenen, angesiedelt in der k. u. k. Monarchie an der Schwelle zum Ersten Weltkrieg. In eleganter Zur{\"u}ckhaltung zeigt er die scheinbar allt{\"a}gliche Routine seines Protagonisten, gespielt von Alain-Fabien Delon. Seine Figur eines k. u. k. Offiziers orientiert sich an Typen der deutschsprachigen Literatur des ausgehenden 16. Jhdt. sowie an historischen Dramen und Filmen aus der Zeit des Kalten Krieges. Indifference beschw{\"o}rt das Thema der traumatischen Modernisierung und den Konflikt in der europ{\"a}ischen Geschichte des fr{\"u}hen 20. Jhdt. herauf. Im Verzicht auf eine umfassende Erz{\"a}hlung liegt der Fokus auf dem Verg{\"a}nglichen und Zerrissenen. 

_____________________________________________________________

Poledna{\textquoteright}s film Indifference (2018) further advances the artist{\textquoteright}s ongoing inquiry into modernity{\textquoteright}s visual imaginary. The film unfolds as a series of brief, hallucinatory scenes set in the waning days of the Austro-Hungarian monarchy at the cusp of World War I. It details in elegant restraint the seemingly mundane routine of a single protagonist played by French actor Alain-Fabien Delon. His character {\textendash} an Austrian officer / aristocrat {\textendash} is drawn from types common in German-speaking fin-de-si{\`e}cle literature, as well as from historical dramas and period films produced in the Cold War era. While evocative of the larger backdrop of traumatic modernization and conflict in early 20th century European history, Poledna{\textquoteright}s film forgoes a broader narrative focusing instead on the transient and disjointed.
},
	keywords = {Bildende Kunst, Film, Galerie Buchholz, Galerie Buchholz New York, K u. K Monarchie, K{\"u}nstlerbuch, Moderne, Mumok, Museum moderner Kunst, Stiftung Ludwig, Wien, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-96098-958-5},
	author = {Diedrich Diederichsen},
	editor = {Mathias Poledna and Matthias Michalka}
}
@book {3183,
	title = {Texte zur Kunst. Figuration},
	year = {2021},
	note = {Z Texte zur Kunst 122/2021},
	publisher = {textezurkunst},
	organization = {textezurkunst},
	address = {Berlin},
	abstract = {
Im Zentrum dieser Juni-Ausgabe von Texte zur Kunst steht die Auseinandersetzung mit dem Figurativen in der Kunst. Zweifellos geh{\"o}ren der menschliche K{\"o}rper und die Figur zu den am h{\"a}ufigsten dargestellten Motiven in der Kunstgeschichte. Sehen wir uns heute die Ausstellungsprogramme von Museen und Galerien an, ist ein regelrechter Boom des Fig{\"u}rlichen und figurativer Rhetoriken zu konstatieren. Gemeinsam mit der Herausgeberin Isabelle Graw und der K{\"u}nstlerin Jutta Koether hat die Redaktion ein Heft konzipiert, in dem Figuration sowohl buchst{\"a}blich als das Sujet der fig{\"u}rlichen Darstellung in Malerei, Performancekunst, Theater und Social Media als auch im weiteren Sinne der Gestaltwerdung, n{\"a}mlich des Auftauchens und Begreifens von gesellschaftlichen Ph{\"a}nomenen, diskutiert wird. Klassische Figur-Grund-Relationen in der Malerei werden hier beispielsweise ebenso untersucht wie die massenmediale Produktion der Star-Figur oder identit{\"a}tspolitische Fragen der Repr{\"a}sentation im Kontext von Black Figuration.
},
	keywords = {Black Figuration, Figur, Figuration, fig{\"u}rlich, Gestaltwerdung, K{\"o}rper, Malerei, Performancekunst, Social Media, Theater, Theorie, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-946564-20-1},
	author = {Isabelle Graw and Annette Weisser and Amelia Jones and Jutta Koether and Ekkenhard Kn{\"o}rer and Robert Slifkin and Amy Sillman and Sonja Eismann and Stefan Neuner and Moritz Ba{\ss}ler and Hein Dr{\"u}gh and Regine Ehleiter and Coco Fusco and Katharina Hausladen}
}
@book {3117,
	title = {Vienna Biennale for Change 2021. Planet Love. Klimaf{\"u}rsorge im Digitalen Zeitalter. 28.5.-3.10.2021},
	year = {2021},
	note = {AK 2021/08},
	pages = {192},
	publisher = {Verlag f{\"u}r moderne Kunst },
	organization = {Verlag f{\"u}r moderne Kunst },
	address = {Wien},
	abstract = {Unter dem Motto PLANET LOVE widmet sich die VIENNA BIENNALE FOR CHANGE 2021 der Mega-Herausforderung des Digitalen Zeitalters: Klimaf{\"u}rsorge (Climate Care). PLANET LOVE meint eine grundlegend neue Beziehung der Menschen zur Erde, die statt maximaler Ressourcenausbeutung auf schonende Nutzung der Erde zielt und von Demut, Respekt und Wertsch{\"a}tzung ihrer biologischen Vielfalt und Sch{\"o}nheit getragen ist. Klimaf{\"u}rsorge wird als zentraler Aspekt von PLANET LOVE reflektiert und geht weit {\"u}ber die Dekarbonisierung von Wirtschaft und Gesellschaft hinaus; sie umfasst die Frage, wie wir unsere Beziehung zur Erde auf ein nachhaltiges Fundament stellen k{\"o}nnen, und hat stets auch soziale Dimensionen.

Die VIENNA BIENNALE FOR CHANGE 2021 mit dem Titel PLANET LOVE. Klimaf{\"u}rsorge im Digitalen Zeitalter er{\"o}ffnet am 27. Mai 2021. Ihre Veranstalter {\textendash} MAK, Universit{\"a}t f{\"u}r angewandte Kunst Wien, Kunsthalle Wien, Architekturzentrum Wien und Wirtschaftsagentur Wien sowie das KUNST HAUS WIEN als neuer Partner und das AIT Austrian Institute of Technology als au{\ss}eruniversit{\"a}rer Forschungspartner {\textendash} versammeln in Ausstellungen und Diskurs-Projekten vision{\"a}re Entw{\"u}rfe und herausragende Ideen von K{\"u}nstlerInnen, DesignerInnen und ArchitektInnen, die einen radikalen Wandel unserer Gesellschaften und Volkswirtschaften im Sinne von PLANET LOVE und nachhaltiger Klimaf{\"u}rsorge unwiderstehlich machen.

Die VIENNA BIENNALE FOR CHANGE 2021 will unsere Vorstellungskraft befl{\"u}geln, die Vision von {\"o}kologisch-sozial nachhaltigen Gesellschaften und {\"O}konomien vorantreiben und innovative Ideen und L{\"o}sungsans{\"a}tze anbieten: zur Milderung der Klimakrise, zur Sanierung und Bewahrung von {\"O}kosystemen, zum Erhalt der Artenvielfalt und zum Einsatz digitaler Technologien zugunsten von Klima und Umwelt. Sie regt nicht nur zum Innehalten und Umdenken an, sondern fordert von allen gesellschaftspolitischen Kr{\"a}ften und jedem Einzelnen entschlossenes Handeln zur Bew{\"a}ltigung der Klima- und {\"o}kologischen Gesamtkrise.},
	keywords = {Austellungskatalog, Klima, Klimawandel, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-903796-82-9},
	author = {Christoph Thun-Hohenstein and Gerald Bast and Angelika Fitz and Gerhard Hirczi and Bettina Leidl},
	editor = {Christoph Thun-Hohenstein}
}
@book {2977,
	title = {Gerlind Zeilner. Cowgirls},
	year = {2020},
	note = {AK 2020/15
},
	publisher = {Verlag f{\"u}r moderne Kunst},
	organization = {Verlag f{\"u}r moderne Kunst},
	address = {Wien},
	keywords = {2020, Ausstellungskatalog, Geschlechterdifferenzen, Halle f{\"u}r Kunst und Medien, Infragestellen, Malerei, Skizze, Verh{\"a}ltnis, Zeichnung, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-903320-90-1},
	author = {Jurriaan Benschop and Sandro Droschl and Denise Milstein and Thomas Raab}
}
@book {2867,
	title = {Kunstank{\"a}ufe des Landes Salzburg 2017-2019},
	year = {2020},
	note = {AK 2020/02},
	publisher = {Druckerei Roser},
	organization = {Druckerei Roser},
	address = {Salzburg},
	keywords = {Malerei, Sammlung des Landes Salzburg, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-9504734-2-1},
	author = {Drechsler, Wolfgang and Grimmer, Dietgard and Schaumberger, Andrea}
}
@book {3070,
	title = {Magical Soup. Medienkunst aus der Sammlung der Nationalgalerie, der Friedrich Christian Flick Collection im Hamburger Bahnhof und Leihgaben},
	year = {2020},
	note = {AK 2020/18
},
	publisher = {Wienand Verlag},
	organization = {Wienand Verlag},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {Mit dem Ausstellungskatalog zu {\quotedblbase}Magical Soup{\textquotedblleft} pr{\"a}sentiert die Nationalgalerie erstmals eine umfassende Publikation zur Medienkunst der eigenen Best{\"a}nde von den 1970er-Jahren bis heute. Die Nationalgalerie verf{\"u}gt {\"u}ber eine der umfangreichsten musealen Medienkunstsammlung in Europa.

Ausgehend von einem Fokus auf das Verh{\"a}ltnis zwischen (Bewegt-)Bild, Sound und Sprache erz{\"a}hlen die in {\quotedblbase}Magical Soup{\textquotedblleft} ausgestellten und im Katalog einzeln besprochenen Werke von unterschiedlichen Lebenswirklichkeiten und {\textendash}entw{\"u}rfen. {\quotedblbase}Magical Soup{\textquotedblleft} versammelt die Medienkunstpionier*innen Nam June Paik, Jochen Gerz, Charlemagne Palestine, Ulrike Rosenbach und Keiichi Tanaami, multimedial arbeitende K{\"u}nstler*innen wie Nevin Alada{\u g}, Stan Douglas, Cyprien Gaillard, Douglas Gordon, Rodney Graham, Dmitry Gutov, Anne Imhof, Joan La Barbara, Pipilotti Rist, Diana Thater, Lawrence Weiner, Nicole Wermers und David Zink Yi sowie j{\"u}ngere k{\"u}nstlerische Positionen von Korakrit Arunanondchai, Trisha Baga, Dineo Seshee Bopape, Christine Sun Kim, Sandra Mujinga und Sung Tieu.

Mit Textbeitr{\"a}gen von Anna-Catharina Gebbers, Sven Beckstette, Carolin Bohlmann, Lisa Bosbach, Claudia Ehgartner, Rosalia Namsai Engchuan, Will Fredo Furtado, Wulf Herzogenrath, Jee-Hae Kim, Udo Kittelmann, Gabriele Knapstein, Charlotte Knaup, Corinna K{\"u}hn, Miriam Lowack, Nika Nardelli, Nina Schallenberg, Kristina Schrei, Chloe Stead, Jessica L. E. Taylor.},
	keywords = {Anne Imhof, Ausstellungskatalog, Berlin, Charlemagne Palestine, Christine Sun Kim, Cyprien Gaillard, Diana Thater, Dineo Seshee Bopape, Dmitry Gutov, Douglas Gordon, Gegenwartskunst, Hamburger Bahnhof, Joan La Barbara, Jochen Gerz, Lawrence Weiner, Medienkunst, multimedial arbeitende K{\"u}nstler*innen wie Nevin Alada{\u g}, Nam June Paik, Nationalgalerie, Nicole Wermers und David Zink Yi sowie j{\"u}ngere k{\"u}nstlerische Positionen von Korakrit Arunanondchai, Pipilotti Rist, Rodney Graham, Sandra Mujinga, Stan Douglas, Sung Tieu, Trisha Baga, Ulrike Rosenbach und Keiichi Tanaami, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-86832-583-6},
	author = {Anna-Catharina Gebbers Hg. and Sven Beckstette and Carolin Bohlmann and Lisa Bosbach and Claudia Ehgartner and Rosalia Namsai Engchuan and Will Fredo Furtado and Wulf Herzogenrath and Jee-Hae Kim and Udo Kittelmann and Gabriele Knapstein and Charlotte Knaup and Corinna K{\"u}hn and Miriam Lowack and Nika Nardelli and Nina Schallenberg and Kristina Schrei and Chloe Stead and Jessica L. E. Taylor}
}
@book {2976,
	title = {Raoul Kaufer. Die Unendlichekeit hat immer und {\"u}berall Appetit auf mehr},
	year = {2020},
	note = {AK 2020/14

},
	publisher = {Cordonhaus Cham, Traklhaus},
	organization = {Cordonhaus Cham, Traklhaus},
	address = {Cham, Salzburg},
	keywords = {2020, Ausstellungskatalog, Cordonhaus Cham, Digital, Faden, Fassaden, Fotografie, Holz, Rauminstallation, Salzburg, Schnur, Traklhaus, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-9822180-0-7},
	author = {Anjalie Chaubal},
	editor = {Raoul Kaufer}
}
@book {2987,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 01/2020},
	series = {Intersektionen},
	volume = {26},
	year = {2020},
	note = {Z Springerin 01/2020},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Intersektion

Liebe Leserinnen und Leser, was Sie hier vor sich haben, ist die exakt einhundertste Ausgabe dieser vor einem Vierteljahrhundert gegr{\"u}ndeten Zeitschrift. Mag dies ein berechtigter Grund zum Feiern sein, so m{\"o}chten wir den Anlass zugleich mit einer erweiterten Reflexion begehen: Was ist es, das die Identit{\"a}t eines Magazins ausmacht? Was h{\"a}lt das vielteilige und oft heterogene Korpus zusammen, das eine Zeitschrift {\textendash} zumal {\"u}ber einen so langen Zeitraum hinweg {\textendash} nun einmal ist? Worin liegen Singularit{\"a}t und Unverwechselbarkeit begr{\"u}ndet?
Abgesehen von dem {\"u}ber die Jahre immer wieder nachgesch{\"a}rften Erscheinungsbild ist hier vor allem ein Faktor zu nennen: das Magazin als Schnittfl{\"a}che, ja als dynamischer {\"U}berschneidungsbereich unterschiedlichster Diskurse und Zug{\"a}nge. So einheitlich und visuell kompakt sich die springerin nach au{\ss}en hin pr{\"a}sentiert, so sehr besteht ihr Markenzeichen {\textendash} zumindest aus redaktioneller Sicht {\textendash} in einem damit verkn{\"u}pften, wiewohl gegenl{\"a}ufigen Moment: n{\"a}mlich dass das Medium es geschafft hat, {\"u}ber Jahre und inzwischen Jahrzehnte diverseste, oft auch inkompatibel anmutende Ans{\"a}tze in sich aufzunehmen. Feminismus, Cultural Studies, Globalisierungsdiskurs, dekoloniale Theorie, fortschreitende Digitalisierung, Osteuropa-Themen, kritische {\"O}kologie und, und, und {\textendash} sie alle und noch viel mehr bilden den Hintergrund einer immer wieder neu auszuhandelnden Schnittmenge, die in jeder Ausgabe, wie wir hoffen, unverwechselbare Gestalt annimmt. Und deren pr{\"a}gendes Identit{\"a}tsmoment, wenn man so will, genau darin liegt, dass nicht alles restlos zur Deckung bzw. einem Abschluss kommt {\textendash} sondern vielmehr {\"U}bersch{\"u}sse, Querlagen, produktive Disparatheiten entstehen.
Hier trifft sich das, was die springerin {\textendash} zugegeben etwas schematisch {\textendash} charakterisiert, mit dem, was im feministischen Diskurs seit den 1990er-Jahren immer wieder Thema war: der Debatte um Intersektionalit{\"a}t. Gemeint ist damit der nicht wegzuleugnende Aspekt, wonach (feministische) Identit{\"a}t erst in der Weise Form annimmt, in der sie mit anderen Bezugskontexten, seien sie ethnischer, klassenbezogener, queerer etc. Natur, in Relation tritt. Dass mit anderen Worten die Schnitte und Br{\"u}che quer durch identit{\"a}tsbildende Formationen entscheidender sind als diese formativen Bl{\"o}cke und Materien selber. {\quotedblbase}Identity {\textendash} it{\textquoteright}s the crisis, can{\textquoteright}t you see?{\textquotedblleft} hie{\ss} es bereits in den 1970er-Jahren in einem oft zitierten Punksong.
Intersektionen also, nicht fertige, phantasmatische Konstrukte des {\quotedblbase}Identit{\"a}ren{\textquotedblleft} {\textendash} so k{\"o}nnte die Losung aus dem fortdauernden Diskurs lauten: Identit{\"a}ten, die sich aus einander erg{\"a}nzenden, teils auch widerstrebenden Ingredienzien zusammensetzen; kulturelle Backgrounds, die gleichfalls auf {\"u}berlappenden, nie reibungslos ineinander aufgehenden Referenzfeldern basieren; und mittendrin der kreative bzw. k{\"u}nstlerische Prozess, der immer noch gerne auf K{\"u}nstleridentit{\"a}t und {\quotedblbase}Background{\textquotedblleft} zur{\"u}ckgef{\"u}hrt wird, sich diesen aber stets auch in erheblichem Ma{\ss}e entzieht. Schnitte, {\"U}berschneidungen, Kreuzungen also, wo sich die kompliziert gewordenen Hintergr{\"u}nde nicht mehr in einen geschlossenen Rahmen pressen lassen.
Die vorliegende Ausgabe versucht, diesem Moment auf selbstreflexive Weise nachzugehen. So fragt Suzana Milevska, bis zu welchem Grad ein Beharren auf uneinholbarer Differenz produktiv sein kann, und ob nicht der Ansatz einer alles {\quotedblbase}Identit{\"a}re{\textquotedblleft} {\"u}bersteigenden Transindividualit{\"a}t diesbez{\"u}glich vielversprechender ist. So oder so f{\"u}hrt die Betonung von intersektionaler Identit{\"a}t in widerspr{\"u}chliche Situationen {\textendash} etwas, das Yvonne Volkart in ihrer Untersuchung des Zusammenhangs von Feminismus und {\"O}kologie herausstreicht. Gerade dem das Technologische nicht rundum ablehnenden {\"O}kofeminismus kommt eine gewisse Vorreiterrolle zu, was den Umgang bzw. das Nichtwegreden solcher Widerspr{\"u}che betrifft. Hans-Christian Dany wiederum n{\"a}hert sich der Problematik aus entgegengesetzter Richtung und fragt, ob es nicht {\"u}berhaupt verkehrt sei, beim Aspekt der Identit{\"a}t anzusetzen, wenn es um so schwerwiegende Dinge wie die Rettung der Welt geht. Verbirgt sich dahinter doch eine umfassendere Symptomatik, der schwerlich durch Identit{\"a}tspolitik, egal welcher Couleur, beizukommen ist.
Insgesamt bildet die Debatte um Identit{\"a}t als {\"U}berschneidungsfeld unterschiedlichster Einfluss- und Diskriminierungsfaktoren ein {\"u}bergreifendes Moment, um hier Fragen nach dem Produktionshintergrund gegenw{\"a}rtigen Schaffens zu stellen: In welchem Ma{\ss}e l{\"a}sst sich k{\"u}nstlerische Praxis von Markern wie Klassenzugeh{\"o}rigkeit, Ethnizit{\"a}t, Gender, sexueller Orientierung, {\quotedblbase}Migrationshintergrund{\textquotedblleft} etc. her erkl{\"a}ren? Auf welche Weise transzendiert bzw. unterminiert der konkrete bildnerische Prozess diese aus dem kulturellen Diskurs nicht wegzudenkenden Kategorien? Macht es {\"u}berhaupt Sinn, hinter allem und jedem eine zumal {\quotedblbase}intersektionale{\textquotedblleft} Identit{\"a}t anzunehmen? Und liegt nicht auch ein m{\"o}gliches Befreiungsmoment darin, gegen jegliche Identit{\"a}tsfestschreibung, wie sie in bestimmten Sektoren der Kunst immer noch gerne bem{\"u}ht wird, anzuarbeiten?
Zu all diesen Fragen liefert diese Ausgabe Anschauungs- und Reflexionsmaterial {\textendash} aus so unterschiedlichen Kontexten wie der Besch{\"a}ftigung mit (Kolonial-)Geschichte in den portugiesischsprachigen L{\"a}ndern Afrikas (Su-Ran Sichling) oder der Aufarbeitung von rassistischen Stereotypen in Museen der US-amerikanischen S{\"u}dstaaten (Cornelia Kogoj und Christian Kravagna).
Insgesamt sucht diese einhundertste Ausgabe nach probaten Ans{\"a}tzen und Mitteln, um den verqueren Herausforderungen, die das gegenw{\"a}rtige Identit{\"a}tsdenken an die Kunst und dar{\"u}ber hinausgehende Bereiche stellt, gerecht zu werden. Dass Sie, liebe Leserinnen und Leser, diese fortw{\"a}hrenden Reflexionen zu einem guten Teil mittragen {\textendash} vielfach schon seit Jahren und Jahrzehnten {\textendash}, daf{\"u}r sei Ihnen an dieser Stelle ausdr{\"u}cklich gedankt!},
	keywords = {Alfred Schmeller. Das Museum als Unruheherd, Bunt; sozial; brutal, Curated_by 2019 {\textendash} Florian Pumh{\"o}sl, Differenz, einhundertste Augabe, Identit{\"a}t, Intersektionen, Japan Unlimited, maschinelles Lernen, Na Rajone/Jenseits des Zentrums, Never Again. Art against War and Fascism in the 20th and 21st Centuries, Peter Weibel, Postapocapitalist {\textendash} Eine Ausstellung von Mikl{\'o}s M{\'e}cs; Mikl{\'o}s M{\'e}cs; Mikl{\'o}s M{\'e}cs und Mikl{\'o}s M{\'e}cs (+ Judit Fischer und der AMBPA), respektive Peter Weibel, Senga Nengudi {\textendash} Topologien, Sleeping with a Vengeance; Dreaming of a Life. Mit Nachdruck schlafen; von einem Leben tr{\"a}umen, Transindividualit{\"a}t, United by AIDS. An Exhibition about Loss; Remembrance; Activism and Art in Response to HIV/AIDS, Vierteljahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9504623-5-7},
	url = {https://www.springerin.at/2020/1/},
	author = {Julia Gwendolyn Schneider and Tilman Baumg{\"a}rtel and Vera Tollmann and Raphael Dillhof and Roland Sch{\"o}ny and Suzana Milevska and Yvonne Volkart and Hans-Christian Dany and Emilia Rigova and S{\"u}reyyya Evren and Su-Ran Sichling and Madeleine Bernstorff and Cornelia Kogoj and Christian Kravagna and Mikl{\'o}s Erhardt and G{\"u}nther Holler-Schuster and Christa Benzer and Lisa Britzger and Marlene Rigler and Aleksei Borisionok and Carola Platzek and Kristian Vistrup Madsen and Kathrin Heinrich and S{\o}nke Gau and Daniel Berndt and Christian H{\"o}ller and Patricia Grzonka and Martin Krenn},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {2986,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2020},
	series = {Come Together!},
	volume = {26},
	year = {2020},
	note = {Z Springerin 02/2020},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Come Together!

Es erscheint gegenw{\"a}rtig fast so, als h{\"a}tte die Isolation der Individuen in Zeiten des neoliberalen kognitiven Kapitalismus in den sozialen Regimen, die uns die Pandemie aufzwingt, ihre bisher markanteste biopolitische Form gefunden: Vereinzelung, Misstrauen, Konkurrenz, Angst und Pr{\"a}karisierung bestimmen den sozialen Raum. Pers{\"o}nliche und staatliche {\"U}berwachung ist Alltag, nationale Antworten auf die globale Krise sind die Regel. Formen der Gouvernementalit{\"a}t, die auf der Kategorisierung und Kartografie des Sozialen als Gefahr gr{\"u}nden, Big Data und Techniken der Datenanalyse und des Datenmining werden nun als Methoden einer neuen {\"O}konomie des Gemeinwohls und als unabdingbar f{\"u}r die Gesundung der Welt dargestellt und damit normalisiert. Der politische Diskurs stilisiert das Soziale zum Dienst an {\quotedblbase}uns{\textquotedblleft} als Gemeinschaft im Sinne der kommunitaristischen {\quotedblbase}guten Gesellschaft{\textquotedblleft}. Das Andere bleibt au{\ss}en.
Fragen des Miteinanders bzw. von sozialer, kultureller und ethnischer Integration, wie sie seit geraumer Zeit den {\"o}ffentlichen Diskurs bestimmten, werden derzeit aus dem Blickfeld gedr{\"a}ngt wie die Bilder der in der Quarant{\"a}ne von Lagern alleingelassenen Fl{\"u}chtlinge am Rande Europas aus dem {\"o}ffentlichen Bewusstsein. Doch sie bleiben virulent und werden wieder gestellt werden.
Der (meist einseitige) Tenor in dieser Debatte lautete bisher dabei, dass es diesbez{\"u}glich eine Bringschuld aufseiten der neu Hinzukommenden g{\"a}be {\textendash} eine Pflicht zur Anpassung gegen{\"u}ber dem mehrheitlich Vorherrschenden. Ausgegangen wird dabei meist von der anachronistischen Vorstellung, dass dieses Majorit{\"a}re und kulturell Dominante von einer gewissen Homogenit{\"a}t und Konsensualit{\"a}t gepr{\"a}gt ist. Was aber, wenn die Vielfalt der Lebensweisen und Identit{\"a}tsausrichtungen dem prinzipiell zuwiderlaufen? Wenn in den integrativen Prozess unabdingbar eine Differenz eingeschrieben ist, die nicht einfach durch die Bedrohung durch das unsichtbare Virus zum Verschwinden gebracht werden kann? Eines erscheint evident: Das "Coming Together" wird nach dem Ende der Pandemie unter anderen Vorzeichen stehen.
Die vorliegende Ausgabe der springerin unter dem appellativen Titel Come Together! m{\"o}chte diese nur jetzt nachranging erscheinenden Fragen in anderen Bereichen als den lange beschworenen gesellschaftlichen {\quotedblbase}Problemzonen{\textquotedblleft} nachgehen. Gibt es im Hinblick auf Inklusion und Miteinander im k{\"u}nstlerischen Feld Ans{\"a}tze, die vielversprechender sind als das politisch lange gepredigte Assimilationsmodell? K{\"o}nnen Strategien des {\quotedblbase}Commoning{\textquotedblleft}, der instituierenden Schaffung von Gemeing{\"u}tern, hier eine Hilfe sein? Oder sollte man sich, um eine effektive Einbeziehung oder ein wie immer geartetes {\quotedblbase}Wir{\textquotedblleft} zu generieren, eher an Avantgardepraktiken der radikalen Distanznahme und des Bruchs mit dem Gewohnten/Gew{\"o}hnlichen orientieren? Liegt der Schl{\"u}ssel zum Integrativen wom{\"o}glich in seinem genauen Gegenteil verborgen, der Akzeptanz des Disparaten und Disjunkten?
Ewa Majewska pl{\"a}diert in ihrem Essay f{\"u}r eine neue, riskante und antagonistische Praxis in Abkehr von einer allein instrumentellen auf rechtliche und {\"o}konomische Gleichstellung fokussierten Debatte um Gleichberechtigung: {\quotedblbase}Wir m{\"u}ssen uns in Gleichberechtigung {\"u}ben, daran scheitern und besser werden{\textquotedblleft}, lautet ihre Forderung. Fran{\c c}oise Verg{\`e}s schl{\"a}gt im Gespr{\"a}ch mit J. Emil Sennewald in dieselbe Kerbe: Ihr Aufruf f{\"u}r einen dekolonialen Feminismus fordert, die revolution{\"a}ren K{\"a}mpfe zu entpatriarchalisieren, auch sprachlich: Allen Frauen m{\"u}sse es m{\"o}glich sein, sich dar{\"u}ber klar zu werden, mit zu verhandeln, was es bedeute, Frau zu sein und wie man das leben k{\"o}nne.
Ovidiu {\c T}ichindeleanu stellt {\"U}berlegungen zu unserer {\quotedblbase}aufgekl{\"a}rten Daseinsgleichg{\"u}ltigkeit{\textquotedblleft} an, indem er kosmische Vergleiche in Stellung bringt und von unseren fragmentierten Blickregimen auf das Reale als homogenisiert in isologischen Systemen spricht, in denen {\quotedblbase}das technisch reproduzierte Bild mit dem Sehen{\textquotedblleft} verschwimme und {\quotedblbase}die Welt zu einer Totalprojektion von oben{\textquotedblleft} gemacht wird, die sich {\quotedblbase}von der Welt, wie sie ein Mensch sonst erlebt, krass unterscheidet{\textquotedblleft}.
Die gemeinsame Nutzung von Raum durch Praktiken des {\quotedblbase}Urban Commoning{\textquotedblleft}, die Stavros Stavrides{\textquoteleft} Beitrag an drei Beispielen exemplifiziert, skizziert eine neue Form des {\quotedblbase}st{\"a}dtischen Gemeinschaffens{\textquotedblleft}, die sich ebenfalls nicht allein auf die Aufstellung von Regeln, die die egalit{\"a}re Aufteilung von Raum sicherstellen, beschr{\"a}nkt, sondern auf emanzipierende Planung setzt, die {\quotedblbase}offen ist f{\"u}r widerspr{\"u}chliche Praktiken und die r{\"a}umlichen sowie {\"a}sthetischen Forderungen jener, die gleichberechtigt an seiner Gestaltung teilnehmen wollen.{\textquotedblleft} Christoph Chwatals Text vergleicht zwei k{\"u}nstlerische Herangehensweisen des Commoning: Jonas Staals langj{\"a}hrige Zusammenarbeit mit AktivistInnen, K{\"u}nstlerorganisationen und sozialen Bewegungen {\"u}ber die Grenzen einzelner Projekte hinweg verabschiedet sich von der Logik der befristeten Kollaboration. Auch Jeanne van Heeswijk arbeitet mit einer Vielzahl kleinerer, konkreter kollaborativer und lokaler Interventionen in Nachbarschaften gleichzeitig als K{\"u}nstlerin, Kuratorin und Kollaborateurin.
In Zusammensein kommt vor Dasein pr{\"a}sentiert Joshua Simon in Fotografien die Gemeinschaftsaktionen arabischer und j{\"u}discher M{\"a}nner und Frauen aus Pal{\"a}stina, die einen transnationalen und transideologischen Universalismus des Aufstands abbilden, dessen Solidarit{\"a}t drei Territorien verband, die es heute nicht mehr gibt, n{\"a}mlich Jugoslawien, die Tschechoslowakei und Pal{\"a}stina. Legasthenische Gedanken von Anri Sala zu Fani Zguros Arbeit Broken Threads und ein Auszug aus Nicoleta Esinencus St{\"u}ck Die Abschaffung der Familie, verbreitern diese Perspektiven auf das, worin wir uns treffen und wo wir antagonistisch zusammenkommen k{\"o}nnten, die Come Together! vorstellt: als kleines Kompendium f{\"u}r ein Leben nach dem Virus, das in Widerspruch zu den homogenisierenden wie ausschlie{\ss}enden Diskursmaschinen, die in der {\"o}ffentlichen Rhetorik der Seuchenzeit angeworfen wurden, steht.},
	keywords = {... von Brot; Wein; Autos; Sicherheit und Frieden, Anna Dau{\v c}{\'\i}kov{\'a}, Bunny Rogers, Bunny Rogers {\textendash} King Kingdom, Cindy Sherman, Eva Grubinger, Eva Grubinger {\textendash} Malady of the Infinite, Fani Zguro, Gleichberechtigung, Hans Haacke, Hans Haacke {\textendash} All Connected, Henrike Naumann {\textendash} Das Reich, Inklusion, It Needs To Be Beautiful, Jan Jelinek, Jean-Fran{\c c}ois Lyotard, Jeremiah Day, Jeremiah Day {\textendash} If It{\textquoteright}s For The People, Joana Moll, Joshua Simon, Kapitalismus, LACHEN, Leben nach dem Virus, Les Immat{\'e}riaux, Magazin, Making FASHION Sense, Miteinander, Neoliberalismus, Pandemie, She Said, The Cindy Sherman Effect, {\"U}berwachung, Uriel Orlow, Uriel Orlow {\textendash} Conversing with Leaves, Wally Salner, Wally Salner {\textendash} Abendakt 19h, Wein, Wiener Burgtheater, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9504623-5-7},
	url = {https://www.springerin.at/2020/2/},
	author = {Sabine Weier and Sabine Maria Schmidt and Christian H{\"o}ller and Stefan R{\"o}mer and Andreas Broeckmann and Ewa Majewska and Ovidiu {\c T}ichindeleanu and Nicoleta Esinencu and Antosea Darca and Fran{\c c}oise Verg{\`e}s and J. Emil Sennewald and Christoph Chwatal and Stavros Stavrides and Anri Sala and Yvonne Volkart and Patricia Grzonka and Bettina Brunner and Christian Egger and Carmela Thiele and J{\"o}rn Ebner and Ana Hoffner and Ada Karlbauer and Christa Benzer and Jens Kastner and Peter Kunitzky and Gislind Nabakowski and Martin Reiterer},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {2985,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 03/2020},
	series = {Post-Anthropoz{\"a}n},
	volume = {26},
	year = {2020},
	note = {Z Springerin 03/2020},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Post-Anthropoz{\"a}n

Erderw{\"a}rmung, irreparabler Klimaschaden und das drohende Unbewohnbarwerden des Planeten waren bis zum Ausbruch der aktuellen Krise in aller Munde. Oder genauer gesagt: Sie waren endlich in das Bewusstsein einer gr{\"o}{\ss}eren Allgemeinheit getreten, sodass auch die Politik nicht mehr ignorant an ihnen vorbeiregieren konnte. Dass diese Themen nun vor{\"u}bergehend in den Hintergrund gedr{\"a}ngt werden, hei{\ss}t nicht, dass man einer L{\"o}sung der zugrunde liegenden Problematik in irgendeiner Weise n{\"a}hergekommen w{\"a}re. Eher im Gegenteil, lassen die weltweit getroffenen COVID-19-Ma{\ss}nahmen doch vermuten, dass Klima- und Umweltfragen gegen{\"u}ber akut lebensbedrohlichen Aspekten wohl auf lange Zeit als nachrangig erachtet werden. Allein die Vermutung, welche Mittel die Rettung {\quotedblbase}der Wirtschaft{\textquotedblleft} in n{\"a}chster Zeit aller Voraussicht nach auf sich ziehen wird, l{\"a}sst diesbez{\"u}glich nichts Gutes erahnen.
Dabei hatte es knapp zwei Jahrzehnte gedauert, bis der sogenannte Anthropoz{\"a}n-Diskurs von einer breiteren {\"O}ffentlichkeit wahrgenommen wurde. Seit der niederl{\"a}ndische Meteorologe Paul J. Crutzen im Jahr 2000 den Begriff gepr{\"a}gt hatte, verging einiges an Zeit, bis der Diskurs dar{\"u}ber in anderen Bereichen {\textendash} von der Kultur bis hin zur Politik {\textendash} aufgegriffen wurde. Vergleichsweise fr{\"u}h begann man sich in dieser Phase auf k{\"u}nstlerischer Seite mit den menschgemachten Ver{\"a}nderungen der Erdoberfl{\"a}che und Atmosph{\"a}re, wie sie der Anthropoz{\"a}n-Ansatz herausgestrichen hatte, auseinanderzusetzen. Dass dies nicht immer nach streng wissenschaftlichen Kriterien erfolgte, daf{\"u}r aber mit unterschiedlichsten {\"a}sthetischen Sensorien, wissensproduzierenden und aktivistischen Impulsen, mag angesichts der Dringlichkeit des Themas verzeihlich erscheinen. Wichtig war, dem neuen Denkansatz als Teil einer neuen, umfassenderen {\"o}kologischen Ethik zum Durchbruch zu verhelfen (wof{\"u}r einzelnen Institutionen wie das Berliner Haus der Kulturen der Welt wichtige Pionierarbeit leisteten, w{\"a}hrend der Kunstbetrieb im Allgemeinen dieser Entwicklung nur z{\"o}gerlich folgte).
Warum nun gleich {\quotedblbase}Post-Anthropoz{\"a}n{\textquotedblleft}? Daf{\"u}r sind mehrere {\"U}berlegungen ausschlaggebend. Zun{\"a}chst einmal nimmt diese Ausgabe die aktuelle Lage zum Anlass, um {\"u}ber den Status quo einer nur schwer in den Griff zu kriegenden globalen Pandemie hinauszudenken. Nach der Krise hei{\ss}t in gewisser Hinsicht auch nach {\quotedblbase}dem Menschen{\textquotedblleft} bzw. dem von ihm gepr{\"a}gten Erdzeitalter {\textendash} geht der Ausbruch der Pandemie doch zu einem Gutteil auf genau jene Grunddisposition zur{\"u}ck, aufgrund derer sich auch die Erdoberfl{\"a}chen- und Klimabeschaffenheit radikal zu ver{\"a}ndern begonnen hat. Die Frage lautet also: Welche Zukunftsszenarien sind denkbar, in denen nicht nur die virale Bedrohung der Menschheit, sondern auch der anthropogene Faktor (die von Menschen initiierten Prozesse und damit einhergehenden Devastationen) an destruktiver Wirkmacht verliert? Lassen sich Modelle finden, wie menschliche und nicht menschliche Lebensformen auf andere Weise als bisher bekannt koexistieren k{\"o}nnen? Und welche k{\"u}nstlerischen Projekte weisen diesbez{\"u}glich in eine vision{\"a}re, gewohnte Denkmuster hinter sich zur{\"u}cklassende Richtung {\textendash} Ans{\"a}tze, die nicht allein an die Notlage des Planeten gemahnen oder die gegenw{\"a}rtige Krise dokumentarisch festschreiben?
All diese Aspekte sind implizit in dem Pr{\"a}fix {\quotedblbase}Post{\textquotedblleft} angelegt, auch wenn dieses auf Anhieb (nicht zuletzt auch wegen seiner inflation{\"a}ren Verwendung) vermessen erscheinen mag. So fragt Olga Goriunova, welche Subjektkonzeption dem Anthropoz{\"a}n-Denken zugrunde liegt und wie diese, sofern man {\"u}ber dieses Denken hinausgelangen m{\"o}chte, sinnvollerweise erweitert werden kann. Dass sie die widerspenstigen biologischen Subjekte Kefir und Borretsch als ihre Kronzeugen anf{\"u}hrt, deutet bereits die Richtung an, in welche diese Art von Erweiterung zielt. Maria Puig de la Bellacasa nimmt in ihrem Beitrag die besondere Rolle des Erdbodens [soil] in Augenschein, um daran die M{\"o}glichkeit eines sich wandelnden Mensch-Umwelt-Verh{\"a}ltnisses festzumachen. Wie dringend n{\"o}tig eine diesbez{\"u}gliche Ver{\"a}nderung ist, und zwar in Richtung einer Neubelebung, zeigen Beispiele von {\"o}kologischem Aktivismus, die Puig de la Bellacasa ebenso in ihre Argumentationslinie aufnimmt wie die Kunst der fr{\"u}h verstorbenen Ana Mendieta.
Inwiefern {\quotedblbase}Leben{\textquotedblleft} {\textendash} Kern jeder umweltaffinen Wiederbelebung {\textendash} bis dato einer h{\"o}chst zweifelhaften Einschr{\"a}nkung und Priorisierung von menschlichem Leben unterliegt, wird von Kathryn Yusoff erl{\"a}utert. Yusoff spricht sich f{\"u}r ein st{\"a}rkeres In-Betracht-Ziehen von geophysischen bzw. geologischen Faktoren aus, um so zu einer dringend n{\"o}tigen politischen Kontextualisierung der anthropozentrischen Biomacht fortzuschreiten. Dass diese Macht stets auf eine ganz bestimmte Konzeption von {\quotedblbase}Anthropos{\textquotedblleft} abgezielt hat, ist kein Geheimnis. Doch wie Claire Colebrook in ihrem Essay darlegt, sind dem damit implizierten {\quotedblbase}Wir{\textquotedblleft} klare (und erschreckende) Grenzen gesetzt. Grenzen, welche die Autorin {\"u}ber die Geschichte der Sklaverei bis hin zu immer noch wirksamen kolonialistischen Dispositiven nachverfolgt. Anna Tsing schlie{\ss}lich setzt sich mit der Idee einer {\quotedblbase}neuen Wildnis{\textquotedblleft} auseinander und liefert, dargestellt anhand einer sich weltweit ausbreitenden Kletterpflanze, ein Paradebeispiel f{\"u}r eine mehr-als-menschliche {\"O}kologie, der auch die {\"u}brigen Beitr{\"a}ge dieser Ausgabe verpflichtet sind.
Wie diese mehr-als-menschliche Gemeinschaft konkret verfasst sein k{\"o}nnte, veranschaulichen auch die k{\"u}nstlerischen Beitr{\"a}ge in diesem Heft (von bislang oft {\"u}bersehenen K{\"u}nstlerInnen wie Stefan Bertalan oder Horia Bernea). Sie alle zeigen Wege und Visionen eines gerechteren {\quotedblbase}Danach{\textquotedblleft} auf. Ist es nicht an der Zeit, so die leitmotivische Frage dahinter, neue Sensorien und Erfahrungsmodi zu entwickeln, um die Limitationen des Anthropoz{\"a}n-Denkens gerade auch angesichts neuer Herausforderungen zu {\"u}berwinden? Eine Frage, auf welche die Herbst-Ausgabe so gegenwartsrelevante wie zukunftsweisende Antworten zu geben versucht.},
	keywords = {Agnes Denes, Alice Maude-Roxby, Amazoner Arawak, Beate Passow, Erderw{\"a}rmung, Hannah Black, Heinz Frank, Jens Kastner, Josef Bauer, Josef Dabernig, Klima, Laure Prouvost, Lois Weinberger, Luiza Prado de O. Martins, Magazin, Politik, Post-Anthropoz{\"a}n, Posthumanismus, Robert Skidelsky, Roberto Simanowski, Simon Fujiwara, Stefanie Seibold, Stine Deja, Tai Shani, Timothy Snyder, Will Benedict, Wirtschaft, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9504623-5-7},
	url = {https://www.springerin.at/2020/3/},
	author = {Barbara Seyerl and Christian H{\"o}ller and Sumugan Sivanesan and Ellen Wagner and Marc Ries and Olga Goriunova and Stefan Bertalan and Maria Puig de la Bellacasa and Magda Radu and Anna Tsing and Kathryn Yusoff and Claire Colebrook and Carola Platzek and Michael Hauffen and Yvonne Volkart and Milena Dimitrova and Christa Benzer and Hedwig Saxenhuber and Aleksei Borisionok and J{\"o}rn Ebner and Ada Karlbauer and S{\o}nke Gau and Kathrin Heinrich and Ana Hoffner and Gislind Nabakowski and Sabine Maria Schmidt},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {3091,
	title = {Stephan von Huene. What{\textquoteright}s wrong with Art?},
	year = {2020},
	note = {AK 2020/22},
	publisher = {Hirmer},
	organization = {Hirmer},
	address = {M{\"u}nchen},
	abstract = {Stephan von Huene
What{\textquoteright}s wrong with Art?

Stephan von Huene (1932{\textendash}2000) geh{\"o}rt zu den Begr{\"u}ndern der Klang- und Medienkunst im 20. Jahrhundert. Der als Sohn deutscher Einwanderer in Los Angeles geborene K{\"u}nstler konstruierte seit Ende der 1960er-Jahre komplexe audio-kinetische Installationen, in denen er sich mit den spezifischen Eigenschaften von Klang und Sprache auseinandersetzt.

Klangskulpturen {\textendash} zwischen Kunst, Akustik, Technologie und Wissenschaft

In drei Werkgruppen der sp{\"a}ten 1990er-Jahre befasst sich Stephan von Huene mit unterschiedlichen Modi des Sprechens {\"u}ber Kunst und entlarvt den aufgeblasenen Sprachstil der Kunstkritik. Das Buch legt die Hintergr{\"u}nde der Werke offen, mit denen er f{\"u}r einen unvoreingenommenen Umgang mit Kunst wirbt, und versammelt zahlreiches, zum Teil unver{\"o}ffentlichtes Archivmaterial wie Briefe, Zeichnungen und Texte aus seinem Nachlass. Aus vielf{\"a}ltigen Perspektiven wie in eindrucksvollen Bildern werden Inspiration und Schaffensprozess des K{\"u}nstlers nachgezeichnet.},
	keywords = {21. Jahrhundert, Klangkunst, Medienkunst, Skulptur, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-7774-3729-3},
	author = {Peter Weibel and Philipp Ziegler and Yannis Hadjinicolaou and Stephan von Huene and Heinrich Klotz and Martin Warnke},
	editor = {Peter Weibel and Philipp Ziegler}
}
@book {3072,
	title = {KUNST ⇆ HANDWERK. Zwischen Tradition, Diskurs und Technologien},
	year = {2019},
	note = {AK 2019/17
},
	publisher = {Verlag f{\"u}r moderne Kunst},
	organization = {Verlag f{\"u}r moderne Kunst},
	address = {Wien},
	abstract = {Kategorisierungen, Definitionen und Grenzen k{\"o}nnen helfen, sich in einer komplexen Welt zurechtzufinden, mitunter f{\"u}hren sie allerdings zu Ausgrenzungen, Spaltungen und Hierarchisierungen. Auch die Kunstgeschichte ist voller Hierarchisierungen, die mehr oder weniger stark ausgepr{\"a}gt, versteckt oder sichtbar bis heute nachwirken: Tradition und Moderne, Kunst und Handwerk, freie und angewandte Kunst, {\quotedblbase}High Art World{\textquotedblleft} und {\quotedblbase}Low Art World{\textquotedblleft}, europ{\"a}ische und au{\ss}ereurop{\"a}ische Kunst.

Auch diese Ausstellung setzt zun{\"a}chst bei einer klassischen Grenzziehung an. Der Titel deutet eine Beziehung von Kunst und Handwerk an, doch die beiden Begriffe sind voneinander getrennt. Diesen kann man im Sinne eines Innehaltens oder auch eines Stotterns lesen, als ein ins Stottern geratenes Verh{\"a}ltnis zweier Bereiche, die ihr Zueinander immer wieder neu ausloten m{\"u}ssen. Das Signet f{\"u}r diese Ausstellung, entwickelt von modern temperament Berlin, spricht von diesen {\"u}ber Jahrhunderte gehenden Austauschverh{\"a}ltnissen und Positionswechseln in den Hierarchien von Kunst und Handwerk, Handwerk und Kunst.

Die Ausstellung fragt danach, wie heute ein fruchtbarer Dialog zwischen Kunst und Handwerk aussehen k{\"o}nnte, und r{\"u}ckt beide in einen gr{\"o}{\ss}eren gesellschaftlichen Zusammenhang. Sie vermittelt zwischen zeitgen{\"o}ssischer Kunst, Handwerk und neuen Technologien, zeichnet Kulturtransfers {\"u}ber nationale Grenzen hinweg nach, erkundet Zwischenbereiche, {\"U}bergangszonen und l{\"a}sst opake R{\"a}ume zu. Die Bedeutung und Wertsch{\"a}tzung des Handwerks als wesentlicher Bestandteil materieller Kultur, kultureller Identit{\"a}t und Gemeinschaft wird dabei mit sozialen sowie {\"o}konomischen Verh{\"a}ltnissen und Produktionslogiken in einer globalisierten Welt zusammen gedacht.​

Mit Werken von Azra Ak{\v s}amija, Olivier Guessel{\'e}-Garai, Plamen Dejanoff, Olaf Holzapfel, Antje Majewski, Jorge Pardo, Slavs and Tatars, Haegue Yang und Johannes Schweiger.},
	keywords = {2019, 2020, Angewandte Kunst, Antje Majewski, Arts and Crafts, Ausstellungskatalog, Azra Ak{\v s}amija, Definition, Haegue Yang, Hierarchie, Hierarchisierung, Joanneum, Johannes Schweiger, Jorge Pardo, Kategorisierung, Kunst und Handwerk, Kunsthandwerk, Kunsthaus Graz, Olaf Holzapfel, Olivier Guessel{\'e}-Garai, Plamen Dejanoff, Slavs and Tatars, Spaltung, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-903320-30-7},
	author = {Barbara Steiner}
}
@book {2991,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 01/2019},
	series = {Post-Jugoslawien},
	volume = {25},
	year = {2019},
	note = {Z Springerin 01/2019},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Post-Jugoslawien

Nahezu 30 Jahre ist es inzwischen her, dass die F{\"o}derative Republik Jugoslawien zu zerfallen anfing. Kurze Zeit nach dem Fall der Berliner Mauer und des Eisernen Vorhangs gerieten die Unabh{\"a}ngigkeitsbestrebungen einzelner Teilrepubliken, befeuert von teils ultranationalistischen Tendenzen, zu einer besonderen Bew{\"a}hrungsprobe f{\"u}r eine lange Zeit unm{\"o}glich erscheinende
s{\"u}dosteurop{\"a}ische Friedensordnung. Anhaltende Kriege, immer wieder aufflammende Konflikte sowie ethnische {\quotedblbase}S{\"a}uberungen{\textquotedblleft}, wie sie in den 1990er-Jahren stattfanden, wirken bis heute auf traumatische, an der Schwelle zum 21. Jahrhundert kaum noch f{\"u}r m{\"o}glich gehaltene Weise nach.
Inzwischen wurden teils instabile Friedensabkommen etabliert, die jedoch nicht unumstritten sind und bis heute Z{\"u}ndstoff f{\"u}r weitere Auseinandersetzungen liefern. Separatistische Tendenzen sowie Grenzverl{\"a}ufe innerhalb und entlang der Region sind nach wie vor virulente Themen, die {\textendash} {\"u}berschattet von anderen, {\quotedblbase}sichtbareren{\textquotedblleft} Konfliktregionen {\textendash} aktuell oft unbemerkt weiterschwelen.
Auch die Erinnerung bzw. Erinnerungspolitik im Hinblick auf die heftig und grausam gef{\"u}hrten Kriege ist immer noch kontrovers. So gibt es in den einzelnen Nachfolgestaaten h{\"o}chst unterschiedliche
Erinnerungskulturen, weswegen bis heute keine einheitliche Interpretation der Balkankriege existiert. Und auch der demokratische Prozess ist, {\"a}hnlich wie in anderen Regionen, h{\"a}ufig jedoch zur{\"u}ckgehend auf bereits in den 1990er-Jahren zutage getretene Spannungen, sp{\"u}rbar ins Stocken geraten. Jedenfalls ging der Transformationsprozess von zun{\"a}chst oft autorit{\"a}ren Systemen hin zu einer Ordnung nicht so glatt und reibungslos vonstatten, wie man dies anf{\"a}nglich erhoffte.
Was bedeutet dies f{\"u}r die Kunst und Kultur dieser Region? Welche Auswirkungen hat das f{\"u}r eine j{\"u}ngere Generation von K{\"u}nstlerInnen, die w{\"a}hrend der Kriege oft noch Kinder waren, nichtsdestotrotz aber von den damaligen Ereignissen entscheidend gepr{\"a}gt wurden? Wie machen sich der noch nicht lange zur{\"u}ckliegende Zerfall des Staatengebildes und dessen teils horrende Begleiterscheinungen in gegenw{\"a}rtigen k{\"u}nstlerischen Herangehensweisen bemerkbar?
Die Ausgabe Post-Jugoslawien widmet sich diesen Fragestellungen und {\"u}berl{\"a}sst K{\"u}nstlerInnen und AutorInnen aus der Region das Wort. Entstanden ist das Heft in Kooperation mit dem Artist-in-Residence-Programm {\quotedblbase}Westbalkan{\textquotedblleft}, welches das {\"o}sterreichische Bundesministerium f{\"u}r Europa, Integration und {\"A}u{\ss}eres (BMEIA) seit 2016 zusammen mit dem Q21 im MuseumsQuartier Wien betreibt. Auf Initiative von Karin Cervenka, der unser ausdr{\"u}cklicher Dank f{\"u}r die Zusammenarbeit gilt, haben in den vergangenen drei Jahren viele namhafte K{\"u}nstlerInnen aus den Nachfolgestaaten Jugoslawiens sowie aus Albanien Projekte im Zuge dieses Programms realisieren k{\"o}nnen. Einige dieser Projekte sind, begleitet von bzw. eingebettet in weiterf{\"u}hrende kritische Reflexionen, in dieser Ausgabe dokumentiert bzw. f{\"u}r das Magazinformat adaptiert. Obgleich es unm{\"o}glich ist, die gut zwei Dutzend K{\"u}nstlerInnen, die bislang an dem {\quotedblbase}Westbalkan{\textquotedblleft}-Programm teilnahmen, hier vollst{\"a}ndig zu repr{\"a}sentieren, sollen die ausgew{\"a}hlten Projekte einen aufschlussreichen Querschnitt durch das betreffende Kunstschaffen gew{\"a}hren. Ein Schaffen, das sich dem langen Schatten der Kriege nicht
entzieht und umgekehrt diverse Erinnerungskulturen und -politiken kritisch in sich aufnimmt.
Lana {\v C}maj{\v c}anins zu Beginn des Thementeils abgebildetes Project Blank Maps steht emblematisch f{\"u}r dieses historischkritische Schaffen. Das Palimpsest {\"u}bereinandergeschichteter historischer Landkarten der Balkanregion bringt in verdichteter Weise auf den Punkt, welche Konflikte, Ausl{\"o}schungen und Neuziehungen von Grenzen die Region bis heute bestimmen. Jelena Petrovi{\'c} macht daran ihre {\"U}berlegungen zu den Rahmenbedingungen einer dezidiert {\quotedblbase}postjugoslawischen{\textquotedblleft} Kunst fest. Ihr Augenmerk gilt dabei vor allem der Sorge bzw. dem Unbehagen, das zahlreiche K{\"u}nstlerInnen in Bezug auf die ihnen auferlegte geopolitische Festschreibung hegen. Derlei Fixierungen bildet Alban Muja in seiner konzeptuellen Fotoserie Borders Without Borders ab: Zu sehen sind Grenzstationen, die irgendwann an der EU-Au{\ss}engrenze errichtet wurden und heute funktionslos geworden sind, w{\"a}hrend sie zugleich an die jederzeit wieder aktivierbaren (und historisch kontingenten) Grenzregime gemahnen.
Wohin ein Europa steuert, das Teile Ex-Jugoslawiens in sich aufgenommen hat, andere aber ausschlie{\ss}t, thematisiert auch die Arbeit EE-O von Lala Ra{\v s}{\v c}i{\'c}. Das Werden {\quotedblbase}neuer{\textquotedblleft} Nationalstaaten,
das bei Ra{\v s}{\v c}i{\'c} von der mythischen Spinnenfigur Arachne symbolisiert wird, erf{\"a}hrt in weiteren Beitr{\"a}gen eine kritische Beleuchtung: So geht Danilo Prnjat den Verlockungen und Gefahren nach, national konnotierte Kunst (in diesem Fall die von serbischst{\"a}mmigen K{\"u}nstlerInnen) unter einem gemeinsamen Signet vereinheitlichen zu wollen. Derlei einschr{\"a}nkende Recodierung wird vom historischen R{\"u}ckblick auf wichtige Episoden der jugoslawischen Kunst- und Kulturmoderne ad absurdum gef{\"u}hrt: In ihrem Text-Bild-Essay f{\"u}hren Jelena Vesi{\'c} und Darinka Pop-Miti{\'c} vor Augen, wie weitreichend der Gedanke einer den nationalen Rahmen sprengenden Solidarit{\"a}t in den 1970er-Jahren war, als sich die Idee des Gemeinsamen m{\"u}helos {\"u}ber Kontinente hinweg erstrecken konnte.
Die Kehrseite dieses Gemeinsamen rollt Damir Arsenijevi{\'c}s eindr{\"u}cklicher Beitrag {\"u}ber die schmerzhafte, gleichwohl notwendige Erinnerungspolitik in Bosnien und Herzegowina auf.
Nicht nur werden darin Schl{\"u}sselmomente dessen aufgezeigt, was der grausame Zerfallsprozess f{\"u}r ein Land wie BIH konkret bedeutete, sondern auch individuelle (in diesem Fall klassenspezifische)
Perspektiven geltend gemacht.
Gerade in der unerl{\"a}sslichen Vermittlung solch individueller Perspektiven mit Ideen eines gr{\"o}{\ss}eren, {\"u}ber das Nationale hinausgehenden Gemeinsamen liegt eine der gr{\"o}{\ss}ten Herausforderungen der Gegenwart. Eine, f{\"u}r die der Anlassfall {\quotedblbase}Post-Jugoslawien{\textquotedblleft} {\"u}beraus aufschlussreich sein k{\"o}nnte.},
	keywords = {1971 {\textendash} Parallel Nonsynchronism, Abstraction as an Open Experiment, Ars Electronica 2018, Blockchain, Bosnien und Herzegowina, Donna Huanca {\textendash} Piedra Quemada, EE-0, Emil (B5044), Europe Enterprise (2018), Florian Rainer, Generalprobe. Arbeiten aus den Sammlungen von V-A-C, Grauzone. Eine Reise zwischen den Fronten im Donbass, Hans-Christian Dany, Im Zweifel f{\"u}r den Zweifel, Imogen Stidworthy, Iris Andraschek/Hubert Lobnig {\textendash} Empfindliches Gleichgewicht, Jutta Sommerbauer, KwieKulik. SHE and HE, Linzer Stadtwerkstatt, MA-1. Mode und Uniform, Magazin, Marmor, MMOMA und KADIST, Montenegro, nationale Kunst, o. T. und Exterminators, Postjugoslawische Kunst, Ricarda Denzer {\textendash} Erste Fassung (Interpretation) / Stefanie Seibold {\textendash} Centerfolds, Volker Demuth: Der n{\"a}chste Mensch, Wendelien van Oldenborgh {\textendash} Future Footnotes, wildes wiederholen. material von unten, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9504623-1-9},
	url = {https://www.springerin.at/2019/1/},
	author = {Rahma Khazam and Sabine Maria Schmidt and Alessandro Ludovico and Ellen Wagner and Barbara Seyerl and Jelena Petrovi{\'c} and Alban Muja and Damir Arsenijevi{\'c} and Irma Markulin and Lala Ra{\v s}{\v c}i{\'c} and Andrea Pala{\v s}ti and Jelena Vesi{\'c} and Darinka Pop-Miti{\'c} and Sini{\v s}a Radulovi{\'c} and Danilo Prnjat and Fani Zguro and Michael Hauffen and Emese K{\"u}rti and Sabine Mostegl and Corinna K{\"u}hn and Nora Leitgeb and Herwig G. H{\"o}ller and Sabine Weier and Bettina Brunner and Milena Dimitrova and Aleksei Borisionok and Peter Kunitzky and Julia Moritz and Martin Reiterer},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {2990,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2019},
	series = {Illiberal!},
	volume = {25},
	year = {2019},
	note = {Z Springerin 02/2019},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Illiberal! 

Liberalit{\"a}t ist aktuell in aller Munde. Und nicht nur das: Sie ist zu einem der am heftigsten umk{\"a}mpften Begriffe der Gegenwart geworden. Was genau auf dem Spiel steht, wenn das liberale Denken einerseits in einer Art R{\"u}ckzugsgefecht verteidigt werden muss, w{\"a}hrend andererseits permanent seine Limitiertheit beschworen wird, beginnt man erst allm{\"a}hlich zu erahnen. Defensive hier, Offensive dort: auf der einen Seite die wachsende Sorge darum, ob sich ein universell geltender Freiheitsbegriff in irgendeiner Form retten l{\"a}sst; auf der anderen die inzwischen bekannten Attacken genau darauf unter dem Motto einer emphatisch propagierten Illiberalit{\"a}t.
Aber was genau meint man, wenn man Liberalit{\"a}t (oder Illiberalit{\"a}t) in diesem Sinne f{\"u}r sich in Anspruch nimmt? Sicher nicht nur die ihrerseits umstrittene Wirtschaftsliberalit{\"a}t, die viel von den gegenw{\"a}rtig sich versch{\"a}rfenden sozialen Gegens{\"a}tzen mitzuverantworten hat. Auch nicht blo{\ss} das Modell der liberalen Demokratie, die lange Zeit in staatspolitischer Hinsicht das einzige g{\"u}ltige Erfolgsversprechen darstellte. Und sicher auch nicht nur ein (westlich gepr{\"a}gtes) Wertegef{\"u}ge, das vom Individuum als Subjekt eines freien, authentischen Willens ausgeht. Liberalit{\"a}t scheint eine komplexe Konstellation aus all diesen Zutaten, bei gleichzeitiger wechselseitiger Beschr{\"a}nkung, zu sein. Und vielleicht noch viel mehr als das. Jedenfalls tr{\"a}gt die in ihr angelegte Mehrdeutigkeit entscheidend dazu bei, dass man sich umso weniger auf einen harten Kern {\textendash} eine Art Grundger{\"u}st moderner, individueller wie kollektiver Freiheit {\textendash} einigen kann. Weswegen ein heftiger Widerstreit um sie entbrannt ist.
Eine, die vielleicht bedenklichste, Tendenz liegt darin, diese Weitl{\"a}ufigkeit durch gezielte Autorit{\"a}t kappen zu wollen. So versucht der heute weithin beobachtbare Hang zum {\quotedblbase}Unfreiheitlichen{\textquotedblleft} das in jahrhundertelangen M{\"u}hen durchgesetzte liberale Menschen- und Weltbild durch ein negatives Zerrbild zu ersetzen: die separierte, oft rassistisch verfasste Freiheit der wenigen, national bzw. ethnisch Auserw{\"a}hlten. Anstatt Sorge zu tragen, dass Freiheits- und Menschenrechte auf alle ausgeweitet werden, die nicht das Privileg genie{\ss}en, wei{\ss}, m{\"a}nnlich oder westlicher Herkunft zu sein, wird hier der entgegengesetzte Weg eingeschlagen {\textendash} und das bewusst. Die Grenzen der Aufkl{\"a}rung, lange Zeit umk{\"a}mpfter Diskursgegenstand, werden so noch einmal {\quotedblbase}proaktiv{\textquotedblleft} bekr{\"a}ftigt, wie es in heutiger Diktion oftmals hei{\ss}t.
Die Wirkungen sind verheerend: Nicht nur ger{\"a}t die liberale Demokratie, eine Errungenschaft der politischen Moderne, zunehmend unter die ideologischen R{\"a}der neuer Autoritarismusformen. Auch ist die soziale Gemengelage {\textendash} man denke nur an die beachtliche Zustimmung zu neurechter Politik {\textendash} best{\"a}ndig am Kippen. Aber wie, durch welche konkreten Mittel, l{\"a}sst sich dieser tendenziellen Spaltung entgegentreten? Und findet {\"u}berhaupt eine Spaltung statt, wie uns konstant einzureden versucht wird, oder handelt es sich dabei um einen rhetorisch-ideologischen Kniff, von dem in erster Linie wieder das neurechte Lager profitiert? Schlie{\ss}lich ist es genau dieses Lager, das die Abspaltung bzw. Privilegierung ganz bestimmter {\quotedblbase}Freiheitssubjekte{\textquotedblleft} vorantreibt.
Freiheit der wenigen also, w{\"a}hrend die unfreien vielen immer mehr zur Spiel- und Manipulationsmasse einer technisch fortschreitenden {\quotedblbase}crowd control{\textquotedblleft} werden. Ist dies nicht das Szenario, das durch eine beschleunigte Globalisierung und Digitalisierung heraufbeschworen wird {\textendash} Entwicklungen, die mit einem liberalen Menschenbild schlichtweg nicht vereinbar sind?
Die Ausgabe Illiberal! n{\"a}hert sich diesem weitl{\"a}ufigen Themenkomplex auf verschlungenen Pfaden. {\"U}ber die Freiheit der Kunst etwa {\textendash} und die Frage, wie diese sich neu justieren muss, um nicht nolens volens einem Klima der Liberalit{\"a}tsbeschr{\"a}nkung zuzuarbeiten bzw. in einem solchen Klima bestehen zu k{\"o}nnen. So diskutierten der K{\"u}nstler Roee Rosen und die Kritikerin Ana Teixeira Pinto in ihrem Beitrag unterschiedliche Ans{\"a}tze, ja Gegens{\"a}tze, wenn es darum geht, mit Faschismusvorw{\"u}rfen im Feld der bildenden Kunst umzugehen. Rosens und Pintos Austausch ist getragen von Respekt und Wertsch{\"a}tzung f{\"u}r den/die andere/n, auch wenn man komplett kontr{\"a}rer Ansicht ist.
Eine kontr{\"a}re Haltung g{\"a}ngigen Vorstellungen von Liberalismus gegen{\"u}ber f{\"u}hrt auch Felix Klopotek ins Treffen. Er sieht Liberalit{\"a}t nicht als Allheilmittel, das automatisch aus aufkl{\"a}rerischen Ansinnen resultiert, sondern vielmehr als kritischen Pr{\"u}fstein, dessen Wertigkeit anhand zweier paradigmatischer Exempel er{\"o}rtert wird. Geht es darin um den angemessenen, auch emanzipatorischen Umgang mit Zensur bzw. der Frage, ob man {\quotedblbase}mit Rechten reden{\textquotedblleft} soll, so macht Isabell Lorey einen dar{\"u}ber hinausf{\"u}hrenden Aspekt geltend. Ihr Beitrag {\"u}ber die gegenw{\"a}rtig Fahrt aufnehmende feministische (Streik-)Welle lenkt das Augenmerk auf eine gro{\ss}e Fehlstelle jeglicher Auseinandersetzung um Liberalit{\"a}t und Illiberalit{\"a}t {\textendash} n{\"a}mlich jene Subjektpositionen, die im herk{\"o}mmlichen Diskurs gar nie wirklich vorgesehen waren (und dies zum Teil noch immer nicht sind).
Erweiterte Perspektiven bringen auch Donatella della Porta und Chua Beng Huat in die Thematik ein. Chua, Autor des Buchs Liberalism Disavowed (2017), rekapituliert, inwiefern der Geltungsbereich westlich-liberalen Denkens immer schon an entscheidende Grenzen stie{\ss}, wenn es um seine Anwendung bzw. Akzeptanz in asiatischen Gesellschaften ging. Donatella della Porta beleuchtet aus soziologischer Sicht, welche Faktoren f{\"u}r ein angemessenes Verst{\"a}ndnis des neurechten {\quotedblbase}Backlash{\textquotedblleft} umfassend in Betracht zu ziehen sind.
Boris Buden schlie{\ss}lich schl{\"a}gt eine Br{\"u}cke zur{\"u}ck zur Gegenwartskunst, genauer gesagt zu dem in Verruf geratenen {\quotedblbase}International Art English{\textquotedblleft}. Budens scharfsinnige Analyse legt offen, inwiefern sich hinter Vorbehalten gegen ein allgemeines, lose und frei gehandhabtes Verst{\"a}ndigungsmittel ein m{\"o}glicherweise viel bedrohlicheres Moment verbirgt. Eine Gefahr, auf die auch die k{\"u}nstlerischen Beitr{\"a}ge dieser Ausgabe {\textendash} von Natascha Sadr Haghighian und Mikhail Tolmachev bis hin zu Renate Bertlmann {\textendash} mit unterschiedlichem Nachdruck verweisen. Sie alle machen darauf aufmerksam bzw. zeigen auf, welche neue {\quotedblbase}Dialektik der Befreiung{\textquotedblleft}, ja welch neues Verst{\"a}ndnis von Liberalit{\"a}t es f{\"u}r die Kultur der Gegenwart zu entwerfen gilt.},
	keywords = {Another day of you and me under conditions not of our own making (2018), bauhaus imaginista, BLUE/RED/WHITE, Burka Nigab, Cady Noland, David Wojnarowicz, Der Schutz der Sicherheit (2018), Die sch{\"o}nen Kriegerinnen, Doro Wiese: F {\textendash} Faust, Downtown Denise Scott Brown, Gerard Byrne, Hate Speech: Aggression und Intimit{\"a}t, Heidrun Holzfein, Heinz Frank {\textendash} Der Winkel des Endes kommt immer von hinten, Isabella Hollauf {\textendash} Uneven, James Bridle, Jonas Staal, Klara Lid{\'e}n, Kontrollgesellschaft, Liberalismus in Asien, Liberalit{\"a}t, Ligia Lewis, Magazin, New Dark Age, Propagandakunst, Queer Stories, Rechtsextrem, Sling Shot Action/Top U29, Steve Bannon, Technofeministische Praxis, The Culture Collider. Post-Exotic Art, Tristan Garcia: Wir, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9504623-2-6},
	url = {https://www.springerin.at/2019/2/},
	author = {Christian H{\"o}ller and Astrid Peterle and Rasheedah Phillips and Florian Malzacher and Thomas Edlinger and Ana Teixeira Pinto and Roee Rosen and Natascha Sadr Haghighian and Felix Klopotek and Donatella Della Porta and Charles Kaltenbacher and Isabell Lorey and Renate Bertlmann and Chua Beng Huat and Boris Buden and Mikhail Tolmachev and Hedwig Saxenhuber and Dietmar Schw{\"a}rzler and Bettina Brunner and Hans-J{\"u}rgen Hafner and Christoph Chwatal and Piotr Policht and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer and Christian Egger and Milena Dimitrova and Peter Kunitzky and Sabine Rohlf and Sabine Weier},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {2989,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 03/2019},
	series = {Freedom Africa},
	volume = {25},
	year = {2019},
	note = {Z Springerin 03/2019},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Freedom Africa

{\quotedblbase}Freedom is a road seldom travelled by the multitude{\textquotedblleft}, bemerkte der afroamerikanische Schriftsteller und Aktivist Frederick Douglass einmal. Die Freiheit ist ein Weg, der von der Vielzahl der Menschen nur selten beschritten wird. Douglass musste im 19. Jahrhundert, als entflohener Sklave, noch f{\"u}r die Abschaffung eines der uns{\"a}glichsten Gewaltregime der Geschichte, dem der Sklaverei, k{\"a}mpfen. Heute, fast 200 Jahre sp{\"a}ter, wird zwar kein offensichtlicher, rassistisch motivierter Menschenhandel mehr betrieben. Die Faktoren, die einer effektiven Befreiung vor allem in nicht privilegierten Weltgegenden Lebender entgegenwirken, scheinen jedoch nicht geringer geworden zu sein. Nicht das eine gro{\ss}e Gewaltsyndrom (Kolonialismus) verhindert die globale Demokratisierung, sondern viele verteilte und ineinander verzahnte Systeme (Kapital, Klimaver{\"a}nderung, Grenzregime, Versuche, die wei{\ss}e Vormachtstellung auf dem Planeten wiederherzustellen, etc.).
Afrika bietet daf{\"u}r ein komplexes, spannungsreiches Anschauungsfeld. Wobei, und dies sei einschr{\"a}nkend gleich vorweggeschickt, es klarerweise absurd anmutet, Status und Verfasstheit eines gesamten {\textendash} immensen, zugleich {\"a}u{\ss}erst heterogenen {\textendash} Kontinents in Augenschein nehmen zu wollen. Dennoch sei hier der Versuch gewagt, diese Absurdit{\"a}t ansatzweise ins Positive zu wenden: anhand verschiedener Einzelaspekte mosaikhaft zu erschlie{\ss}en, wie weit sich das Denken und die Kunst des Kontinents (ausschnitthaft, versteht sich) die letzten Dekaden {\"u}ber in Richtung der von Douglass beschworenen Freiheit bewegt haben; und gleichzeitig zu fragen, was genau einer profunden Befreiung und globalen Gleichstellung immer noch entgegensteht.
Wenn etwa, um ein Beispiel aus dem Kunstfeld zu nehmen, auf der aktuellen Venedig Biennale von insgesamt 87 nationalen Pavillons gerade einmal sieben (!) auf afrikanische L{\"a}nder fallen, so dr{\"u}ckt dies auf krasse Weise jenes strukturelle Ungleichgewicht aus, das in anderen Bereichen noch viel eklatanter ist. Und wenn es inzwischen Staaten gibt (Nigeria etwa), die unter tatkr{\"a}ftiger Hilfe aus China gerade einen wirtschaftlichen Aufschwung erleben, so sagt dies wom{\"o}glich mehr {\"u}ber neue geopolitische Einflusssph{\"a}ren aus als {\"u}ber eine tats{\"a}chliche {\"o}konomische bzw. globalkulturelle Emanzipation.
{\quotedblbase}Freedom Africa{\textquotedblleft} also. Damit wollen wir jenes schlaglichtartige Setting benennen, anhand dessen ausgetestet werden soll, wie weit wir {\textendash} als global sich verstehende, zugleich von vielerlei H{\"u}rden blockierte Multitude {\textendash} aktuell in Richtung einer nennenswerten Befreiung unterwegs sind. Ein paar Anhaltspunkte sollen helfen, dieses Unterwegssein gro{\ss}fl{\"a}chig abzustecken: So r{\"u}ckt mit dem Entstehen (und der versuchten Unterbindung) neuer Migrationsrouten unweigerlich auch eine st{\"a}rkere geopolitische {\textendash} und nicht blo{\ss} {\quotedblbase}developmentale{\textquotedblleft} {\textendash}Einbindung des Kontinents in den Blick. Die gegenw{\"a}rtige Katastrophe in lybischen Auffanglagern bzw. vor der lybischen K{\"u}ste ist dabei nur ein Symptom von vielen. Wie auf diese Symptome bzw. Ausgangslagen reagieren, wenn die Klimakrise weitere Millionen Menschen in die Flucht treibt?
Achille Mbembe, Autor mehrerer exzellenter Postkolonialismusstudien, stellt eine einfache Frage: Was hindert uns eigentlich daran, uns eine Afrika miteinschlie{\ss}ende, weitgehend grenzenlose Welt vorzustellen? Eine Welt, in der Mobilit{\"a}t nicht mehr von der simplen diskriminierenden Unterteilung in privilegiert (Reiche) und nichtprivilegiert (arme {\quotedblbase}Wirtschaftsfl{\"u}chtlinge{\textquotedblleft}) geregelt ist. Mbembes Antworten sind vielsagend und f{\"u}hren frappierende Beispiele gegen eine solche Grenzfixierung ins Treffen {\textendash} entgegen der immer noch weithin vorherrschenden negativen Stereotypisierung des Kontinents als endloses Rohstoffreservoir, billiger Absatzmarkt oder vornehmlicher Produzent von {\quotedblbase}human waste{\textquotedblleft}.
Diesen langsam seinen Griff lockernden, aber beileibe noch nicht {\"u}berwundenen {\quotedblbase}Afropessimismus{\textquotedblleft} nimmt ein anderer Beitrag scharfsinnig in den Fokus. Okwui Enwezor, im M{\"a}rz 2019 verstorbener Ausstellungsmacher und Theoretiker, hat wie kaum ein anderer sein Lebenswerk in den Dienst einer Unsch{\"a}dlichmachung ebendieses Afropessimismus gestellt. Mit dem hier abgedruckten Text (aus dem Kontext einer Ausstellung afrikanischer Fotografie im Jahr 2006) wollen wir nicht nur die eminente Arbeit dieses vielleicht wichtigsten Kurators des fr{\"u}hen 21. Jahrhunderts w{\"u}rdigen, sondern auch aufzeigen, welch un{\"u}bergehbare, auf lange Zeit g{\"u}ltige Setzungen Enwezor im Feld der Gegenwartskunst vorgenommen hat.
Ganz im Sinne Enwezors (und Mbembes) versuchen Diskurse {\"u}ber Dekolonialit{\"a}t seit L{\"a}ngerem, das Bild des Kontinents (sofern sich hier, noch einmal, {\"u}berhaupt ein einheitliches Gebilde behaupten l{\"a}sst) zurechtzur{\"u}cken und mit einem zeitgem{\"a}{\ss}en {\quotedblbase}Afrorealismus{\textquotedblleft} zu konterkarieren. Elizabeth W. Giorgis, Direktorin des Gebre Kristos Desta Center in Addis Abeba, berichtet im Gespr{\"a}ch mit Anette Baldauf von den speziellen Hindernissen {\textendash} und positiven Ausblicken {\textendash} ihrer ausstellerischen Praxis. Und die Philosophin S{\'e}verine Kodjo-Grandvaux rekapituliert, nicht wie man neu {\"u}ber Afrika denken kann, sondern wie sich mittels Ans{\"a}tzen afrikanischer Philosophie ein ad{\"a}quateres global-{\"o}kologisches Verst{\"a}ndnis erlangen l{\"a}sst.
Auch Versuche, die multiplen Kunstpraktiken aus unterschiedlichsten afrikanischen Regionen einem gr{\"o}{\ss}eren Publikum n{\"a}herzubringen, spielen in diesem Zusammenhang eine gewichtige Rolle. Die hier enthaltenen Beispiele, etwa der FotografInnen Zanele Muholi (S{\"u}dafrika) und Ananias L{\'e}ki Dago (Elfenbeink{\"u}ste), weisen paradigmatisch darauf hin, wie sich die immer noch vorherrschenden Denkmuster und Bildregime in Sachen {\quotedblbase}Afrika{\textquotedblleft} aus ihren traditionellen Verh{\"a}rtungen herausl{\"o}sen lassen. Sowohl Ans{\"a}tze einer {\quotedblbase}afrotopischen{\textquotedblleft} Kunst als auch kritische Auseinandersetzungen mit der Geschichte des kolonialen Blicks (bei Belinda Kazeem-Kami{\'n}ski) bilden dabei wichtige Eckpfeiler. Gemeinsam stecken sie den Weg eines Befreiungsdiskurses ab, der vielleicht einmal von mehr als nur ein paar wenigen beschritten wird.
},
	keywords = {Afrika, afrikanische Philosophie, Afropessimismus {\textendash} Wem n{\"u}tzt er und wie {\"a}u{\ss}ert er sich?, Asunder, Bengt Sj{\"o}l{\'e}n, Dance of Urgency, Data Science Friction, Dorit Margreiter {\textendash} Really!, Felwine Sarrs, Fiktion, Julian Oliver, Kathi Hofer {\textendash} Cabin Essence, Linda Bilda 1963{\textendash}2019, Lorenza B{\"o}ttner {\textendash} Requiem f{\"u}r die Norm, Magazin, Marlies Wirth, Mensch-Maschine-Beziehung, Miao Ying, Mladen Bizumic, Obafemi Awolowo University (OAU); Ile-Ife; Nigeria, Paul Feigelfeld, Radicalism in the Wilderness: Japanese Artists in the Global 1960s, Rainy Days (2012{\textendash}2018), Realit{\"a}t, R{\"u}ckgabe geraubter Kulturg{\"u}ter, Schlussstrich und Neubeginn, Somnyama Ngonyama, spiritual * digital, Technocare, Tega Brain, Tele-Visions A Critical Media History of New Music on TV (1950s {\textendash} 1990s), The Mouth is about Language. Joyce Wieland in Close-Up, {\"U}ber das Neue {\textendash} Junge Szenen in Wien, Uncanny Values - K{\"u}nstliche Intelligenz \& Du, Unearthing. In Conversation (2017), Vienna Biennale 2019, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9504623-4-0},
	url = {https://www.springerin.at/2019/3/},
	author = {Christa Benzer and Sumugan Sivanesan and Franz Thalmair and Vera Tollmann and Julia Gwendolyn Schneider and Achille Mbembe and Anette Baldauf and Belinda Kazeem-Kami{\'n}ski and Okwui Enwezor and Emmanuel Babatunde Jaiyeoba and S{\'e}verine Kodjo-Grandvaux and Zanele Muholi and Peter Kunitzky and Ananias L{\'e}ki Dago and Ariane M{\"u}ller and Christian H{\"o}ller and Anna Barfuss and Elizabeth M. Grady and Gislind Nabakowski and Christian Egger and Monika Vykoukal and Bettina Brunner and Aleksei Borisionok and Veronika Rudorfer and Lisa Krusche},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Hedwig Saxenhuber and Christa Benzer}
}
@book {2988,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 04/2019},
	series = {Digital Unconscious},
	volume = {25},
	year = {2019},
	note = {Z Springerin 04/2019},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Digital Unconscious

{\quotedblbase}Digitalit{\"a}t{\textquotedblleft} ist zu einer Art Grundkonstante unseres medialen, kulturellen, ja sozialen Lebens geworden. Wenn schon sonst nichts mehr unser Dasein zusammenh{\"a}lt, k{\"o}nnte man {\"u}berspitzt sagen, so gibt es nunmehr {\quotedblbase}das Digitale{\textquotedblleft}, das diese Funktion zusehends {\"u}bernimmt. Klarerweise ist damit nur ein infrastrukturelles Ger{\"u}st gemeint. Doch je pr{\"a}ziser, fl{\"a}chendeckender und vorausschauender dieses systematische Ger{\"u}st arbeitet, desto umfassender sind ihm auch diverseste Lebens-, Verhaltens- wie Konsumformen ausgesetzt. Und desto unumst{\"o}{\ss}licher wird seine Macht, wie sich unverz{\"u}glich anmerken l{\"a}sst.
Digitalit{\"a}t, gemeint ist die rechnerische R{\"u}ckf{\"u}hrbarkeit egal welchen Gebildes, Prozesses oder Artefakts auf ein simples bin{\"a}res Prinzip, hat sich jedenfalls tief in unsere Wahrnehmungs-, Kommunikations- und Verhaltensformen einzuschreiben begonnen. Man lebt und arbeitet und verbringt auch den Rest der Zeit {\quotedblbase}im Digitalen{\textquotedblleft}. Umgekehrt bedeutet dies auch, dass das Digitale inzwischen {\textendash} auf vielf{\"a}ltige Weise {\textendash} integraler Bestandteil dieses Lebens und Arbeitens ist. Ja mehr noch, dass das Digitale den gesamten Apparat des Denkens, Wahrnehmens und F{\"u}hlens, der dem zugrunde liegt, von innen heraus zu affizieren begonnen hat. Dass wom{\"o}glich ein Gutteil dieses Apparats, der hinter dem Bewusstsein (oder durch es hindurch) operiert, mittlerweile vom Digitalen beeinflusst ist.
Sah Walter Benjamin einst im Abbildmechanismus von Fotografie und Film ein das bewusste Wahrnehmen {\"u}bersteigendes {\quotedblbase}Optisch-Unbewusstes{\textquotedblleft} am Werk, so l{\"a}sst sich dieser Gedanke heute vielleicht auf das Digitale (Medien und sonstige Applikationen meinend) {\"u}bertragen. Was, so die entscheidende Frage, wenn die immer engmaschigere Digitalisierung schnurstracks am (zumal kritischen) Bewusstsein vorbeiarbeitet? Was, wenn die immer vehementer in s{\"a}mtliche Lebensbereiche vordringende Digitalit{\"a}t eine Sph{\"a}re generiert, die f{\"u}r Bewusstsein und Kognition schlichtweg nicht greifbar ist? Was, wenn das Digitale eine zwar immer st{\"a}rker realit{\"a}tspr{\"a}gende, zugleich aber nach herk{\"o}mmlichen Realit{\"a}tsma{\ss}st{\"a}ben immer weniger fassbare Gr{\"o}{\ss}e darstellt? Und wie diesem gro{\ss}fl{\"a}chigen digitalen Unbewussten, vom dem man bestenfalls eine Ahnung hat, {\"u}berhaupt auf die Schliche kommen?
Die Ausgabe Digital Unconscious, in Kooperation mit dem World-Information Institute (https://world-information.net) entstanden, geht diesen Fragestellungen anhand pr{\"a}gender Szenarien der Gegenwart nach. Seit vielen Jahren widmet sich das World-Information Institute in einer Reihe von Projekten und Veranstaltungen diesen Fragen und thematisiert, wie Konrad Becker in seinem einleitenden Beitrag ausf{\"u}hrt, die vermeintliche Allmacht algorithmischer Regime oder {\quotedblbase}hypernormaler Hybride{\textquotedblleft}, wie man diese neuen, das Bewusstsein {\"u}bersteigenden Machtsysteme auch nennen k{\"o}nnte. Becker legt zugleich eine Schiene zu den beiden Beitr{\"a}gen des Anthropologen Michael Taussig in diesem Heft, die bezeichnenderweise hinter das Digitale zur{\"u}ckzugehen versuchen, gleichwohl aber dessen besondere Machtbasis ansprechen. Im ersten Beitrag reflektiert Taussig {\"u}ber die {\quotedblbase}mimetische F{\"a}higkeit{\textquotedblleft}, einen Grundbegriff seines Ansatzes, der das m{\"o}gliche Hin- und Herwechseln zwischen Subjekt- und Objektpositionen meint {\textendash} auf die digitale Welt {\"u}bertragen also eine Art Changieren in Systemzusammenh{\"a}ngen, denen man nie ganz machtlos ausgesetzt ist, ebenso wenig wie man sie jemals vollst{\"a}ndig beherrschen kann. Diese {\quotedblbase}mastery of non-mastery{\textquotedblleft}, die Beherrschung des Nicht-Beherrschens, ist ein weiteres seiner Grundkonzepte, das der Anthropologe im zweiten hier enthaltenen Beitrag anhand eines literarischen Amalgams aus Reisebericht, poetischer Ann{\"a}herung und Nachdenken {\"u}ber die Klimakatastrophe ausf{\"u}hrt.
Inwiefern die Welt der Zukunft von (ins Maschinelle ausgelagerten) gesellschaftlichen Sensorien gepr{\"a}gt sein wird, welche die Vorstellungskraft jeder bzw. jedes Einzelnen meilenweit hinter sich zur{\"u}cklassen, erl{\"a}utert die Wissenschaftssoziologin Katja Mayer. Mayers Kritik der {\quotedblbase}sozialen Fernerkundung{\textquotedblleft}, die auf der fixen Idee einer allgemeing{\"u}ltigen, objektiven Zukunftsvorhersage gr{\"u}ndet, leitet indirekt {\"u}ber zum Essay von Erik Davis, der den obskureren Seiten des Netzwerkdenkens gewidmet ist. Dieses Denken, das sich im Lauf des 20. Jahrhunderts herausgebildet hat und massiv von milit{\"a}rischen Imperativen gepr{\"a}gt ist, hat teils sonderbare Bl{\"u}ten getrieben {\textendash} etwa die Idee der hellseherischen Fernwahrnehmung, welche in Davis{\textquoteright} Abriss {\"u}ber die {\quotedblbase}Netweird{\textquotedblleft}-Gesellschaft einen prominenten Platz einnimmt.
Welche okkulten Figuren dar{\"u}ber hinaus durch die Geschichte der modernen Informationstechnologien, ja die gesamte Infosph{\"a}re geistern, nimmt eine Reihe weiterer Beitr{\"a}ge in den Fokus. So denkt etwa Ewen Chardronnet die Entwicklung von Supercomputern mit der omin{\"o}sen Theorie der {\quotedblbase}Noosph{\"a}re{\textquotedblleft} zusammen, w{\"a}hrend Critical Art Ensemble (CAE) der Frage nachgehen, welche Art von Gespenstern und sonstigen irrationalen Wesenheiten bestimmte Medien historisch betrachtet generieren. Schlie{\ss}lich rekapituliert Lydia H. Liu die Geschichte des {\quotedblbase}Freud{\textquoteright}schen Roboters{\textquotedblleft}, einer Art Emblemfigur des digitalen Unbewussten, die Liu aus Auseinandersetzungen mit dem Unheimlichen, dem Uncanny Valley der Robotik bzw. der Konstruktion von {\quotedblbase}Gef{\"u}hlsmaschinen{\textquotedblleft} herleitet.
In s{\"a}mtlichen Beitr{\"a}gen werden F{\"a}hrten aufgenommen {\textendash} teils divergierend und paradox anmutend {\textendash}, um ein der bewussten Wahrnehmung entzogenes maschinisches bzw. digitales Unbewusstes zu umrei{\ss}en. Tangiert wird dabei auch das schier unersch{\"o}pfliche Begehren im und nach dem vernetzten Raum, das unsere Kultur gro{\ss}fl{\"a}chig kennzeichnet. Dass darin Momente einer alles Subjektive und Individuelle {\"u}bersteigenden Produktivkraft wirksam sind {\textendash} abseits der uns zug{\"a}nglichen Bewusstseinssph{\"a}ren {\textendash}, ist l{\"a}ngst kein Geheimnis mehr. Gleichzeitig bleibt zu fragen, und auch dazu liefert diese Ausgabe treffende Beispiele, welche k{\"u}nstlerischen Facetten diese Produktivkraft und das sie bef{\"o}rdernde digitale Unbewusste in sich bergen.},
	keywords = {Angola Janga {\textendash} Eine Geschichte von Freiheit, Anna Dau{\v c}{\'\i}kov{\'a}, Art and (Bare) Life, Collective Exhibition for a Single Body. The Private Score {\textendash} Vienna 2019, Die Gest{\"a}ndnisse des Fleisches Sexualit{\"a}t und Wahrheit 4, Digital, Digitalisierung, Digitalit{\"a}t, Hysterical Mining, Josephine Berry, Magazin, Marcelo D{\textquoteright}Salete, Margaret Harrison {\textendash} Danser sur les missiles, Maschinen, Medien, Michel Foucault, Mimetik, Nikita Kadan {\textendash} Project of Ruins, Nil Yalter {\textendash} Exile Is a Hard Job, Nona Inescu {\textendash} Corporealle, Omer Fast {\textendash} Der Oylem iz a Goylem, Open Scores, Roboter, Sigalit Landau {\textendash} Salt Years, Supercomputer, Walter Benjamin, World-Information Institute, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9504623-5-7},
	url = {https://www.springerin.at/2019/4/},
	author = {Cornelia Sollfrank and Shusha Niederberger and Kevin Rittberger and Felix Stalder and Konrad Becker and Michael Taussig and Hito Steyerl and Katja Mayer and Erik Davis and Critical Art Ensemble and Lydia H. Liu and Ewen Chardronnet and Christian H{\"o}ller and Michael Hauffen and Bert Rebhandl and Moritz Scheper and Katalin Erd{\H o}di and Gislind Nabakowski and Milena Dimitrova and Kathrin Heinrich and Bettina Brunner and Aleksei Borisionok and Lisa Moravec and Martin Reiterer and Peter Kunitzky},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Hedwig Saxenhuber and Hedwig Saxenhuber}
}
@book {2835,
	title = {{\"U}ber das Neue. Junge Szenen in Wien / On the New. Young Scenes in Vienna},
	year = {2019},
	note = {AK 2019/08},
	publisher = {Belvedere},
	organization = {Belvedere},
	address = {Wien},
	abstract = {Diese Publikation erschien anl{\"a}sslich der gleichnahmigen Ausstellung im Belvedere 21 (01.03.-02.06.2019). 
},
	keywords = {21. Jahrhundert, Ausstellungskatalog, junge Kunst, junge Szene, Wien, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-903114-74-6},
	author = {Rollig, Stella and D{\"u}nser, Severin and Ziaja, Luisa}
}
@book {2784,
	title = {Der π Infekt. PRINZpod 2018},
	year = {2018},
	note = {KM Prinzgau/Podgorschek 2018
},
	publisher = {fadenbrand},
	organization = {fadenbrand},
	address = {Wien},
	abstract = {Wellen n{\"a}hen Materie sollte das Buch urspr{\"u}nglich hei{\ss}en. Es sollte Werkbereiche beschreiben, die wir seit {\"u}ber drei{\ss}ig Jahren zusammen praktizieren. Wenn zwei unabh{\"a}ngige Pole, Str{\"o}mungen oder Menschen aufeinander treffen, geschieht in der Regel etwas Unberechenbares. Die Entwicklungen folgen einer eigenen Logik - Str{\"o}mungen von au{\ss}en sind dabei h{\"o}chst willkommene Drehpunkte. Eines ist gleich geblieben, wir drehen immer noch gerne an der Struktur und w{\"u}rfeln das Experiment neu. Denn es k{\"o}nnte sein, dass sich dabei neue Ans{\"a}tze einfinden, die das Bestehende aus der Gegenwart ins Unbekannte katapulieren. },
	keywords = {21. Jahrhundert, K{\"u}nstlermonographie, Materie, {\"O}sterreich, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-9503091-6-4},
	author = {Prinzgau, Brigitte and Podgorschek, Wolfgang}
}
@book {2838,
	title = {Judith Huemer. Selected Works 2008-2018},
	year = {2018},
	note = {KM Huemer 2018},
	publisher = {Verlag f{\"u}r moderne Kunst},
	organization = {Verlag f{\"u}r moderne Kunst},
	address = {Wien },
	abstract = {Subversiv setzt sich die {\"o}sterreichische K{\"u}nstlerin Judith Huemer mit Themen wie Kultur, Herkunft oder Heimat auseinander {\textendash} mit dem, wie sie selbst sagt, {\quotedblbase}immer so Gesagten{\textquotedblleft} und {\quotedblbase}immer so Gemachten{\textquotedblleft}. Allt{\"a}gliche Erfahrungen und Gegenst{\"a}nde erfahren im konzeptuellen Prozess eine k{\"u}nstlerische Umdeutung, die existenzielle sowie gesellschaftliche Reibungen und Normbr{\"u}che reflektiert und provoziert. (VfmK)

Essays von Isabella Diessl, Ruth Horak, Ursula Maria Probst, Nina Schedlmayer, Gerald Trimmel
Diskussion zwischen Ursula Maria Probst und Judith Huemer},
	keywords = {Alltag, K{\"u}nstler {\"O}sterreich, K{\"u}nstlermonographie, Wien, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-903269-39-2},
	author = {Hack-Molitor, Gisela}
}
@book {2795,
	title = {Landmarks. Kunst im {\"o}ffentlichen Raum Nieder{\"o}sterreich 1988-2018},
	year = {2018},
	note = {AK 2018/32},
	publisher = {VfmK Verlag f{\"u}r moderne Kunst},
	organization = {VfmK Verlag f{\"u}r moderne Kunst},
	address = {Wien},
	abstract = {Landmarks. Kunst im {\"o}ffentlichen Raum Nieder{\"o}sterreich 1988{\textendash}2018 gibt einen Querschnitt durch 30 Jahre Kunst im {\"o}ffentlichen Raum Nieder{\"o}sterreich. Die Publikation stellt in einem Text-Bild-Kompendium eine repr{\"a}sentative Auswahl jener Werke vor, die Nieder{\"o}sterreich als ein Land ausweisen, in dem Werke der zeitgen{\"o}ssischen Kunst das Terrain in gro{\ss}er Dichte {\"u}berziehen. Gespannt wird ein weiter Bogen von den ersten Projekten bis zu aktuellen Arbeiten, die teils nach Veranstaltungsorten teils nach Themen geordnet sind. Das Besondere am nieder{\"o}sterreichischen Modell ist die Vielfalt der Aufgabenstellungen und der k{\"u}nstlerischen L{\"o}sungen, die im kulturpolitisch sehr offenen Klima im Nieder{\"o}sterreich der 1990er-Jahre nebeneinander entwickelt werden konnten. Daf{\"u}r setzte das 1996 verabschiedete nieder{\"o}sterreichische Kulturf{\"o}rderungsgesetz einen Meilenstein, das neben permanenten auch tempor{\"a}re Projekte zulie{\ss}, die nun im Buch in einem historisch motivierten {\"U}berblick zusammengefasst sind.
},
	keywords = {Ausstellungskatalog, Kunst im {\"o}ffentlichen Raum, Kunst im {\"o}ffentlichen Raum Nieder{\"o}sterreich, Nieder{\"o}sterreich, {\"O}sterreich, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-903269-38-5},
	author = {Blaas-Pratscher, Katharina and Huck, Brigitte and Neuburger, Susanne}
}
@book {2792,
	title = {Markus Hiesleitner},
	year = {2018},
	note = {KM Hiesleitner 2018},
	publisher = {Verlag f{\"u}r Moderne Kunst},
	organization = {Verlag f{\"u}r Moderne Kunst},
	address = {Wien},
	keywords = {21. Jahrhundert, K{\"u}nstlermonographie, {\"O}sterreich, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-903269-36-1},
	author = {Hiesleitner, Markus}
}
@book {2759,
	title = {Performance in Contemporary Art},
	year = {2018},
	note = {THE 555},
	publisher = {Tate Publishing},
	organization = {Tate Publishing},
	address = {London},
	abstract = {Atemberaubend sch{\"o}n, zutiefst r{\"a}tselhaft, zutiefst bewegend oder zutiefst beunruhigend - Performance-Kunst kann eine Vielzahl von Reaktionen hervorrufen. In diesem wichtigen und reich bebilderten neuen {\"U}berblick bietet Catherine Wood, eine der weltweit f{\"u}hrenden Kuratorinnen und Autorinnen auf diesem Gebiet, den bisher umfassendsten und aktuellsten Einblick in dieses Thema. Wood betrachtet die Performance nicht als ein von der Objektkunst getrenntes Genre, sondern als ein Medium, das den gesamten Bereich der zeitgen{\"o}ssischen Kunst beeinflusst hat. 

___________________________________

Stunningly beautiful, deeply puzzling, profundly moving or intensely unsettling - performance art can evoke a wide variety of responses. In this important and richly illustrated new survey, Catherine Wood, one of the world{\textasciiacute}s leading curators and writers in this field, provides the broadest and most up-to-date insight into the subject yet published. Wood proposes performance not as a genre separate from object-making but as a medium that has influenced the entire field of contemporary art. },
	keywords = {21. Jahrhundert, Performance, Performance art, Theorie, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-1-84976-311-0},
	author = {Wood, Catherine}
}
@book {2794,
	title = {Robert Waldl. Identit{\"a}ten lesen. Reading Identities},
	year = {2018},
	note = {AK 2018/31/II
},
	publisher = {Sonderzahl Verlag},
	organization = {Sonderzahl Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Diese Buch erscheint anl{\"a}sslich der Ausstellung "Identit{\"a}ten lesen" im Kunstraum Nestroyhof Wien (08.-24.03.2018).
























},
	keywords = {21. Jahrhundert, Fotografie, K{\"u}nstlermonographie, {\"O}sterreich, Portraitfotografie, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-85449-436-2},
	author = {Kussing, Thomas}
}
@book {2995,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 01/2018},
	series = {Asoziale Medien?},
	volume = {24},
	year = {2018},
	note = {Z Springerin 01/2018},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Asoziale Medien?

{\quotedblbase}The Know-It-Alls{\textquotedblleft}, die Alleswisser, nennt der amerikanische Autor Noam Cohen seine Studie {\"u}ber die Macher der sch{\"o}nen neuen digitalen Welt. Dass diese Welt erhebliche Schattenseiten, wenn nicht gar Abgr{\"u}nde in sich birgt, ist bekannt. Dass es die Alleswisser jedoch gezielt darauf angelegt haben, diese Abgr{\"u}nde profitm{\"a}{\ss}ig bestm{\"o}glich f{\"u}r sich zu nutzen, und das seit L{\"a}ngerem, dies f{\"u}hrt Cohens Buch deutlich vor Augen. (Eine Besprechung findet sich in dieser Ausgabe.) Weitgehend ohne R{\"u}cksicht auf soziale und politische Kollateralsch{\"a}den arbeiten die gro{\ss}en Innovatoren aus Silicon Valley seit gut 20 Jahren daran, ihre Vision einer {\quotedblbase}verbesserten{\textquotedblleft} Menschheit Wirklichkeit werden zu lassen. Auch wenn das bedeutet, dass gesamtgesellschaftlich immer gr{\"o}{\ss}ere Spaltungstendenzen auftreten und eine winzige Elite sich immer st{\"a}rker von der beklagenswerten Masse absetzt.
Aber die Entwicklung, die von Google, Amazon, Facebook und anderen Tech-Giganten losgetreten wurde, ist in vollem Gange, und noch ist nicht abzusehen, wohin sie konkret f{\"u}hren wird. Ebenso wenig gilt es als ausgemacht, welche l{\"a}ngerfristigen Auswirkungen dies in unterschiedlichen sozialen und kulturellen Feldern zeitigen wird, ja welche unvereinbaren Parallelszenarien dies m{\"o}glicherweise generieren wird. Gerade der Bereich der sozialen Medien nimmt hier eine besondere Rolle ein, funktioniert er doch als Kommunikator, Inkubator und Verst{\"a}rker all dessen, was in anderen Dom{\"a}nen der Digitalisierung entscheidenderweise zum Tragen kommt. Doch auch hier ist gegenw{\"a}rtig kaum mehr m{\"o}glich, als den bisherigen Verlauf des neuen Mediengebrauchs n{\"u}chtern zu registrieren und einer kritischen Betrachtung zuzuf{\"u}hren {\textendash} mit dem Ziel, seine krassesten Ausw{\"u}chse in Hinkunft demokratiepolitisch vielleicht besser in den Griff zu kriegen. Selbst wenn die Vorzeichen daf{\"u}r, egal wohin man blickt, nicht allzu verhei{\ss}end sind.
Die Ausgabe Asoziale Medien? setzt inhaltlich bei einem zentralen Anlassfall der j{\"u}ngeren Vergangenheit an. Wie konnte es kommen, dass sich inmitten einer grunds{\"a}tzlich liberal-demokratisch verfassten {\"O}ffentlichkeit die Stimme des Illiberalen und Autorit{\"a}ren immer platzgreifender durchsetzt? Welche Rollen spielen die sozialen Medien dabei, die, wie man inzwischen wei{\ss}, nicht nur Plattformen des freien, kultivierten Meinungsaustauschs sind, sondern zunehmend auch zu einer Tummel- und Schutzzone f{\"u}r extremes und extremstes Gedankengut geworden sind? Bef{\"o}rdern diese sozialen Medien, wenn es ans politisch Eingemachte geht, in Wahrheit gerade das Abspalterische und Asoziale? Asozial, weil sie gegen{\"u}ber der herk{\"o}mmlichen, f{\"u}r alle auf gleiche Weise einsehbaren Medien{\"o}ffentlichkeit verst{\"a}rkt die M{\"o}glichkeit bieten, dass man nunmehr mit seinesgleichen leichter unter sich bleiben und sich in egal welch abstruser Gesinnung einzementieren kann. Und asozial auch deshalb, weil sie dem Gedanken Vorschub leisten, dass Gesellschaft nur bis dahin reicht, wo die Spiegelungen meines individuellen Ichs bzw. von meinesgleichen enden. Drau{\ss}en ist feindlich, unverst{\"a}ndlich, anders.
Eine Reihe von Beitr{\"a}gen geht diesen Wendungen und Verdrehungen des Sozialen in und mittels sozialer Medien nach. Olivier Jutel legt in seinem Essay das Augenmerk auf das Trauma, das der Sieg des Autokraten Trump im liberalen Lager hinterlassen hat. Doch anstatt sich auf gerechtere Werte zu besinnen, so Jutels ern{\"u}chterndes Res{\"u}mee, wird in erster Linie nach technologischen L{\"o}sungen gesucht, um einer Eskalation des {\quotedblbase}Postfaktischen{\textquotedblleft} beizukommen. Dass sich derlei technologische Schadensbehebung vor allem in rechten bis rechtsextremen Kreisen gr{\"o}{\ss}ter Beliebtheit erfreut, rekapitulieren Marc Ries und Maria L. Felixm{\"u}ller anhand der sogenannten {\quotedblbase}Mem-Kriege{\textquotedblleft} im Zuge der US-amerikanischen Pr{\"a}sidentschaftswahlen. Hier diente ein scheint{\textquoteright}s infantiles Spiel {\textendash} Fantasy-Figuren, die den kommenden {\quotedblbase}F{\"u}hrer{\textquotedblleft} pr{\"a}figurieren {\textendash} unbegreiflicherweise dazu, eine veritabel reaktion{\"a}re, rassistische Bewegung entstehen zu lassen. Auf die weiter zur{\"u}ckreichenden Grundlagen heutiger Techno-Gl{\"a}ubigkeit geht S. M. Amadae in ihrem Essay ein. Amadae verfolgt das weitverbreitete Credo des neoliberalen, selbstverantwortlichen und in letzter Konsequenz auch vor der eigenen Illiberalit{\"a}t nicht zur{\"u}ckschreckenden Selbst auf seine spiel- und informationstheoretischen Wurzeln in den 1940er- und 1950er-Jahren zur{\"u}ck. Damals, so Amadaes Befund, wurde der Grundstein gelegt f{\"u}r den heute nahezu universell gewordenen Imperativ der Berechenbarkeit (computability) von allem und jedem. Was, wie man immer deutlicher sieht, den {\quotedblbase}Fall-out{\textquotedblleft} zunehmender sozialer Separierung und Entsolidarisierung nach sich zieht.
Nicht zuletzt haben die Ausl{\"a}ufer von Facebook, Instagram, WhatsApp oder Twitter l{\"a}ngst auch den Kunstbereich erfasst. Abgesehen von ge{\"a}nderten Rezeptionsweisen beginnen sie auf das Machen und In-Umlauf-Bringen von Kunst verst{\"a}rkt Einfluss auszu{\"u}ben. Alessandro Ludovico befasst sich in seinem Essay mit der spezifischen Vernetzungsrealit{\"a}t, die von diesen Medien bewerkstelligt und in der k{\"u}nstlerischen Praxis auf teils recht eigenwillige Weise weiterverarbeitet wird. Thomas Raab und Hans-Christian Dany schlie{\ss}lich werfen literarische Schlaglichter auf die algorithmischen Regime, die sich hinter Jugendkulturen, Hipness-Diskursen und Dating-Plattformen gleicherma{\ss}en verbergen.
Allen Beitr{\"a}gen dieser Ausgabe ist das Ansinnen einer wiederzubegr{\"u}ndenden, heute gef{\"a}hrdeten Sozialit{\"a}t gemein: L{\"o}st sich das Demokratisierungsversprechen, das den Kan{\"a}len der sozialen Medien innewohnt, in gr{\"o}{\ss}erem gesellschaftlichen Ausma{\ss} ein? Helfen diese Medien mit, eine multiperspektivische, plurale {\"O}ffentlichkeit zu generieren? Oder tragen sie, was gerade im gegenw{\"a}rtigen Moment fatal w{\"a}re, zu einer immer gr{\"o}{\ss}eren Segregierung zunehmend unvereinbarer Kultur- und Politsph{\"a}ren bei?},
	keywords = {An Evening with Chto Delat, Art Without Death: Russischer Kosmismus, Ask for the Impossible, Augmented-Reality, Be Realistic, Birobidschan, Communal Luxury. The Political Imaginary of the Paris Commune, Didier Eribon, Eyal Weizman, Forensic Architecture. Violence at the Threshold of Detectability, Gesellschaft als Urtei.: Klassen; Identit{\"a}ten; Wege, Hope 2008-2017, in awe, Kristin Ross, K{\"u}nstliche Intelligenz, Magazin, mediale Wirklichkeit, Meme, Naturgeschichten: Spuren des Politischen, neoliberalrn Kapitalismus, NO! NO! NO!, Noam Cohen, Russische Hacker, Sergei Eisenstein: The Anthropology of Rhythm, Stefan Burger, The Future of Demonstration, The Know-It-Alls, The Kyiv International {\textendash} Kiew Biennale 2017, Tierische Intelligenz, trigon 67/17 {\textendash} ambiente nuovo/post environment, VALIE EXPORT. Das Archiv als Ort k{\"u}nstlerischer Forschung, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9504191-7-7},
	url = {https://www.springerin.at/2018/1/},
	author = {Konrad Becker and Felix Stalder and Susana Mons{\'o} and Stefan Woltran and Christa Benzer and Herwig G. H{\"o}ller and Olivier Jutel and Marc Ries and Maria L. Felixm{\"u}ller and Lara Baladi and S. M. Amadae and Mykola Ridnyi and Thomas Raab and Alessandro Ludovico and Hans-Christian Dany and D. H. Saur and Michael Hauffen and Julia Moritz and Manuela Pacella and Hedwig Saxenhuber and Bettina Brunner and Herwig G. H{\"o}ller and Edit Andr{\'a}s and Valentina Tanni and Laura Amann and Andrey Shental and Jens Kastner and Noah Chasin and Jochen Becker and Christian H{\"o}ller},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {2994,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2018},
	series = {originalcopy},
	volume = {24},
	year = {2018},
	note = {Z Springerin 02/2018},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {originalcopy

Original versus Kopie heute? Wen mag das noch gro{\ss} reizen angesichts einer Kultur, in der das Kopieren und (teils unbedachte) Reproduzieren von Quellen gleichsam Standard geworden sind? Einer Kultur, in der das automatische Vervielfachen und Weiterverbreiten egal welchen Ausgangsmaterials gewisserma{\ss}en zu einer Grundbedingung geworden ist. Die technologische Basis daf{\"u}r, die nicht mehr einfach r{\"u}ckg{\"a}ngig gemacht werden kann, bereitet allenfalls den Konzernen der Kulturindustrie Schwierigkeiten. Daneben zeichnet sich eine nicht so leicht abzustreifende Problematik in den vielen Anlassf{\"a}llen rund um Plagiarismus und, ja, unrechtm{\"a}{\ss}iges Kopieren ab. Aber ist die Kunst der Gegenwart von all dem wirklich tiefer betroffen? L{\"a}sst sich Jahrzehnte nach dem Aufkommen von Postmoderne-Diskurs und Appropriationskunst noch sinnvoll und erkenntnisreich {\"u}ber Originalit{\"a}t und Reproduktion, {\"u}ber Urspr{\"u}nglichkeit und Zitat reden? Ist die {\quotedblbase}culture of the copy{\textquotedblleft} nicht l{\"a}ngst zum unabdinglichen Fundament allen Produzierens und Rezipierens geworden? Einer Basis, an der man allenfalls im Kleinen herumschrauben kann, aber ganz sicher nicht im gro{\ss}en, stilbegr{\"u}ndenden Ausma{\ss}.
Die heutige M{\"o}glichkeit, Datenmaterial per Knopfdruck verlustfrei zu duplizieren, l{\"a}sst ehemalige avantgardistische Methoden, mit denen die Grenzen zwischen Original und Kopie aufgeweicht werden sollten, obsolet erscheinen. Die Allgegenwart unterschiedlichster Kopiertechniken {\textendash} Stichwort {\quotedblbase}copy \& paste{\textquotedblleft} {\textendash} best{\"a}tigt, dass sich das Ph{\"a}nomen als k{\"u}nstlerische wie auch als alltagskulturelle Praxis vollends etabliert hat. Und dennoch bleibt ein latentes Unbehagen bestehen: Wenn alles kopierbar und beliebig vervielf{\"a}ltigbar geworden ist, woran bemisst sich dann der Wert eines spezifischen, zumal gelungenen Werks? Was sind die Kriterien, nach denen sich diese Welt des {\"U}bernommenen und Zitathaften, des Appropriierten und Weiterverarbeiteten, genauer differenzieren l{\"a}sst? Und mehr noch: Da die Funktionsweisen und Logiken der allgegenw{\"a}rtigen Kopierverfahren h{\"a}ufig im Verborgenen bleiben, ja sich zusehends immaterialisieren, stellt dies auch eine nicht zu untersch{\"a}tzende Herausforderung f{\"u}r jede Art von k{\"u}nstlerischer Methodologie dar. Wie, so die hier ansetzende Frage, kann man den genaueren Prozess bestimmen, der gegenw{\"a}rtiges Kopieren und Aneignen von fr{\"u}heren Ans{\"a}tzen der Appropriations-, Found-Footage- und Remix-Kunst unterscheidet?
All diesen Fragen geht die Ausgabe originalcopy unter thematischer Einbeziehung neuerer, digitaltechnologischer Verfahren und M{\"o}glichkeiten nach. Entstanden ist das Heft in Kooperation mit dem gleichnamigen, vom {\"o}sterreichischen Wissenschaftsfonds (FWF) unterst{\"u}tzten und an der Universit{\"a}t f{\"u}r angewandte Kunst Wien verankerten Forschungsprojekt, dessen Initiatoren Michael Kargl und Franz Thalmair an dieser Stelle f{\"u}r die produktive Zusammenarbeit gedankt sei. Abgebildet ist in der Ausgabe zwangsl{\"a}ufig nur ein Ausschnitt aus dem gr{\"o}{\ss}eren Projektzusammenhang, der unter anderem auch drei Ausstellungen in Innsbruck, Wien und Br{\"u}ssel miteinschloss, in die hier nur kursorische Einblicke {\textendash} {\"u}ber die Auswahl der im Heft vertretenen k{\"u}nstlerischen Arbeiten {\textendash} gegeben werden k{\"o}nnen.
Franz Thalmair legt in seinem programmatischen Beitrag dar, wie sich die vormals wertbesetzte Unterscheidung von Original und Kopie im Kontext recherchebasierten Arbeitens immer mehr aufzul{\"o}sen beginnt. Ein besonderes Augenmerk gilt dabei der Frage, wie sich diese Ver{\"a}nderungen {\textendash} auch abseits digitaler Zusammenh{\"a}nge {\textendash} in k{\"u}nstlerische Produktionsvorg{\"a}nge einschreiben, was anhand einer j{\"u}ngeren Werkreihe von Mark Leckey veranschaulicht wird. Der Fokus dieses Ansatzes, und dies belegen auch die eigens f{\"u}r diese Ausgabe gestalteten K{\"u}nstlerbeitr{\"a}ge von Lisa Rastl und Michael Kargl, liegt auf der Spannung zwischen der vermeintlichen Immaterialit{\"a}t digitaler Technologien und ihren materiellen Manifestationsformen. Manifestationen, die erst in ihrer konkreten Formwerdung erkennen lassen, dass die betreffenden Werke mehr ein Oszillieren, ein Hin- und Herpendeln zwischen vermeintlichem Original und Kopie inszenieren als einen simplen {\"U}bertragungsvorgang vom einen Pol zum anderen.
Bettina Funcke weitet den Diskurs {\"u}ber Aneignungsverfahren auf die aktuell etwa in den USA heftigst gef{\"u}hrte Debatte um kulturelle Enteignung und unrechtm{\"a}{\ss}ige Anleihen aus. Funcke erl{\"a}utert, inwiefern der ehemals emanzipatorische Impuls hinter diversen Appropriationsverfahren gegenw{\"a}rtig einen regelrechten {\quotedblbase}Backlash{\textquotedblleft} erf{\"a}hrt und angesichts zunehmender identit{\"a}tspolitischer Verh{\"a}rtungen in sein Gegenteil zu kippen droht. Derlei Verh{\"a}rtungen sind, wenn auch auf anderer Ebene, seit L{\"a}ngerem schon in der Auseinandersetzung um literarische {\"U}bernahmen und Zitierweisen gang und g{\"a}be. Annette Gilbert rekapituliert in ihrem Beitrag einige j{\"u}ngere Anlassf{\"a}lle, etwa rund um Michel Houellebecq und Helene Hegemann, die eine Unterscheidung von k{\"u}nstlerischer und ethischer Legitimit{\"a}t nahelegen. W{\"o}rtliche (h{\"a}ufig unausgewiesene) Zitationen sind, so Gilberts Fazit, l{\"a}ngst einer allgemeineren, eben Standard gewordenen Kopierkultur geschuldet {\textendash} was aber nicht hei{\ss}t, dass man sich {\"u}ber Bezugsquellen und Intertexte stillschweigend hinwegsetzen sollte.
Die genauere Methodologie k{\"u}nstlerischer {\quotedblbase}Remediation{\textquotedblleft} {\textendash} des Aufgreifens eines medialen Versatzst{\"u}ckes in einem anderen Medium {\textendash} untersucht Gabriele Jutz. Mit Blick auf die Frage, wie Kino mit anderen als filmischen Mitteln m{\"o}glich ist, befasst sie sich eingehend mit Prozessen der {\quotedblbase}retrograden{\textquotedblleft}, also r{\"u}ckwirkenden Vermittlung. Wie, so Jutz anhand ausgew{\"a}hlter Beispiele, kann ein j{\"u}ngeres Medium in einem {\"a}lteren bereits mit angelegt sein oder {\"u}ber jede Materialspezifik hinaus, den Zeitpfeil quasi umkehrend, {\quotedblbase}aufgehoben{\textquotedblleft} werden?
S{\"a}mtliche Beitr{\"a}ge dieser Ausgabe versuchen, die scheinbar starre Dichotomie von Original und Kopie aus einer postdigitalen Perspektive neu zur Disposition zu stellen. Das Augenmerk {\textendash} und methodische Ziel {\textendash} gilt der wohl noch l{\"a}nger w{\"a}hrenden Problematik, inwiefern {\quotedblbase}Originalkopien{\textquotedblleft} denkbar sind, worin beide Pole des Begriffspaars auf befreiende Weise ins Schwingen geraten.

Der Hauptteil des Heftes 2/2018 wurde finanziell unterst{\"u}tzt vom FWF Der Wissenschaftsfonds: AR348{\textendash}G24 (originalcopy).},
	keywords = {Anthropozentrismus, Christian Kravagna, Die Unsichtbaren und die Zornigen, different views, EXP{\'E}RIENCE ST{\'E}R{\'E}O_1; STATION MEUDON; STATION NAN{\c C}AY, Failing the Original, If our soup can could speak: Mikhail Lifshitz and the Soviet Sixties, Interspezies-Kunst, Jean-Luc Nancy, Kopie, Kopierverfahren, Kryptow{\"a}hrung, Kulturelle Aneignung, Lampedusa. Bildgeschichten vom Rande Europ, L{\"o}cher in der Wand: Anachronistische Ann{\"a}herungen an die Gegenwart, Magazin, Maya Schweizer {\textendash} Die Luke; eine Fliege und dort die Puschkinallee, Michael E. Smith, Migrant Image Research Group, Original, Plagiat, Poesie und Performance. Osteurop{\"a}ische Perspektive, Refrakt, Sasha Pirker {\textendash} MOI?, Sch{\"o}ne neue Welten. Virtuelle Realit{\"a}ten in der zeitgen{\"o}ssischen Kunst, Sevda Chkoutova {\textendash} Hide II, Stephen Willats {\textendash} Endless, TechnoFeminism, There Will Come Soft Rains, Transmoderne. Eine Kunstgeschichte des Kontakts, Vervielfachung, Victoria Lomasko, Weiterverbreitung, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift, Zitationskultur},
	issn = {978-3-9504191-7-7},
	url = {https://www.springerin.at/2018/2/},
	author = {Raphael Dillhof and Sabine Weier and Sumugan Sivanesan and Julia Gwendolyn Schneider and Noam Cohen and Franz Thalmair and Lisa Rastl and Christian H{\"o}ller and Bettina Funcke and Agnes Fuchs and Gabriele Jutz and Michael Kargl and Annette Gilbert and Karen Eliot and Julia Moritz and J{\"o}rn Ebner and Sabine Mostegl and Eugen El and Yvonne Volkart and Moritz Scheper and Andrej Schental and Yuki Higashino and Fiona Liewehr and Lucia Gavulov{\'a} and Herwig G. H{\"o}ller and Peter Kunitzky and Gislind Nabakowski and Martin Reiterer},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {2993,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 03/2018},
	series = {Institut "Kunst"},
	volume = {24},
	year = {2018},
	note = {Z Springerin 03/2018},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Institut "Kunst"

Der Kunstbetrieb hat sich l{\"a}ngst in viele parallele Betriebe gespalten, die alle ihre eigenen Institutionen, M{\"a}rkte und Illusionen haben. Von Am{\"u}sement f{\"u}r die Superreichen bis hin zu {\"U}berlebenstechniken f{\"u}r die Superprekarisierten hat sich eine enorme Bandbreite an Praxismustern in diese Betrieblichkeit eingeschlichen. Immer noch wird so getan, als g{\"a}be es die eine verbindende {\textendash} zumal institutionelle {\textendash} Grundlage f{\"u}r all diese Sph{\"a}ren. Doch nicht einmal die ehemals hegemonialen Gro{\ss}veranstaltungen wie die documenta oder die Biennalen von Venedig, S{\~a}o Paulo, Istanbul oder New York sind heute noch imstande, koh{\"a}rente, nachwirkende Narrative zu schaffen. Was also h{\"a}lt das {\quotedblbase}Institut{\textquotedblleft} Gegenwartskunst zusammen? Wo sind Verbindungslinien auszumachen, die sich quer durch soziale, szenespezifische ebenso wie regionale oder weltgeografische Breiten ziehen?
Besteht dieses Verbindende heute einzig in der Projektion, auf den globalen M{\"a}rkten re{\"u}ssieren zu k{\"o}nnen? Oder liegt es in der Hoffnung, sich in Gro{\ss}ausstellungen, die immer mehr wie Fluchtpunkte aus dem Alltag der lokalen Repr{\"a}sentations- und Konkurrenzk{\"a}mpfe erscheinen, zumindest kurz als vermeintlich universaler Wert gespiegelt zu sehen? Oder unterliegt diese Hoffnung selbst einer Reise- und Verbreitungslogik, die in erster Linie dem je eigenen Zirkel geschuldet ist {\textendash} jenem partikularen Milieu, dessen Au{\ss}en immer weniger wahrgenommen wird.
Die Kunst strebt kontinuierlich nach {\quotedblbase}au{\ss}en{\textquotedblleft}, nach andersweltlicher Entgrenzung {\textendash} und landet schlussendlich doch immer bei sich selber. So k{\"o}nnte man verk{\"u}rzt das Fazit aus Keti Chukhrovs Essaybeitrag in dieser Ausgabe wiedergeben. Chukhrovs Auseinandersetzung mit {\quotedblbase}Instituten der Performativit{\"a}t{\textquotedblleft} nimmt das seit geraumer Zeit immer mehr ins Zentrum des Kunstgeschehens dr{\"a}ngende Feld der Performance als Ausgangspunkt, um daran einen recht ern{\"u}chternden Befund festzumachen: n{\"a}mlich dass, so sehr diese Praktiken ein {\"U}berschreiten von kunstweltimmanenten Regeln anzeigen m{\"o}gen, sie letztlich doch stets ihren vermeintlich dehnbaren Rahmen bekr{\"a}ftigen. Kunst als eine auf Umwegen doch wieder verbindende {\quotedblbase}Hyperinstitution{\textquotedblleft} {\textendash} ein Befund, der sich auch darin best{\"a}tigt findet, dass Bereiche wie Tanz, Theater und andere B{\"u}hnenformate zunehmend mit Agenden der Gegenwartskunst kurzgeschlossen werden.
Doch welche konkreten Ausgangslagen, welche {\"a}sthetischen Haltungen und welche institutionellen Hintergr{\"u}nde bestimmen diese Agenden? Was sind heutzutage die vorrangigen Reflexions-, Widerstands- und Erfolgsmodelle k{\"u}nstlerischer Arbeit? Fragen wie diese leiten unweigerlich zum Aspekt der Produktion {\"u}ber, die gegenw{\"a}rtig einem immer dichteren institutionellen Geflecht unterworfen zu sein scheint bzw. von diesem gesteuert wird. Wie k{\"o}nnen K{\"u}nstlerInnen dem selbstbestimmt etwas entgegensetzen, ohne sich gleichsam selbst aus dem Betrieb zu eliminieren? Pierre Bal-Blanc geht auf eine immer akutere institutionelle Schieflage ein, n{\"a}mlich die Tendenz hin zu privater Kulturf{\"o}rderung und die gleichzeitige R{\"u}ckbildung des {\"o}ffentlichen Sektors. Mit Bezug auf einige j{\"u}ngere Entwicklungen in der franz{\"o}sischen (wie auch {\"o}sterreichischen) Institutionenlandschaft diskutiert Bal-Blanc das immer st{\"a}rker heraufd{\"a}mmernde Szenario, wonach k{\"u}nstlerische Produktion, egal wie renitent oder eigensinnig sie sich gerieren mag, zunehmend einer alles nivellierenden Logik des Kapitals unterliegt.
Bis dem aber vollends so ist, gilt es noch andere Fronten zu bedenken {\textendash} aktuell etwa die drohende Unterordnung von k{\"u}nstlerischer Produktion unter dezidiert nationale Interessen. Edit Andr{\'a}s zeichnet im Detail nach, was sich in der ungarischen Kulturszene seit dem Machtantritt von Viktor Orb{\'a}n alles ver{\"a}ndert hat {\textendash} in eine Richtung, die fatal an die {\"u}berwunden geglaubte Zeit des sozialistischen Regimes erinnert. Solcherlei Paradoxie {\textendash} dass die Befreiung vom alten, starr Systemischen in einen umso l{\"u}ckenloseren Autoritarismus m{\"u}ndet {\textendash} ist auch Ausgangspunkt von S{\"u}reyyya Evrens Einsch{\"a}tzung des gegenw{\"a}rtigen Kunstgeschehens in der T{\"u}rkei. Auch hier ist das Institut Kunst einer exzeptionellen staatlichen G{\"a}ngelung ausgesetzt, und dennoch zeichnet sich in den Ans{\"a}tzen vieler K{\"u}nstlerInnen eine eigenwillige Beharrlichkeit aus. Es w{\"a}re verfehlt, die Motivik des Zauderns und Verweilens, die Evren herausstreicht, per se als widerst{\"a}ndig anzusehen. Trotzdem bilden sich darin Momente auch k{\"u}nftiger Lebens- und Arbeitsmodi ab, die wom{\"o}glich Aufschl{\"u}sse geben {\"u}ber den kommenden Zuschnitt des Hyperinstituts Kunst (so institutionell zerfahren es in seinen lokalen Ausformungen auch sein mag). Anna Khachiyan schlie{\ss}lich befasst sich, gleichsam komplement{\"a}r zu diesem Befund, mit der Frage, was es br{\"a}uchte, um k{\"u}nstlerisches Schaffen in- und au{\ss}erhalb von Institutionen tats{\"a}chlich gegen einen Autoritarismus Trump{\textquoteright}scher Pr{\"a}gung in Stellung zu bringen.
Aber sind es {\"u}berhaupt noch prim{\"a}r die K{\"u}nstlerInnen und ihr Werk, die diesbez{\"u}glich eine wirksame Rolle beanspruchen k{\"o}nnen? Oder haben sich in den Austauschregimen der Gegenwart nicht l{\"a}ngst schon andere Konzeptionen daf{\"u}r etabliert, was das Institut Kunst als Lebens- und Denkraum eigentlich ausmacht bzw. wirkm{\"a}chtig werden l{\"a}sst? Zwei K{\"u}nstlerInnen dieser Ausgabe rollen diesen Denkraum anhand spezifischer Praxisformen auf, die aus unerwarteter Richtung in den k{\"u}nstlerischen Prozess eingespeist werden. Khaled Jarrar legt den historischen Link, der einst die Durchsetzung des Abstrakten Expressionismus mit dem Siegeszug des westlichen Kapitalismus einhergehen lie{\ss}, auf die gewaltgepr{\"a}gte Gegenwart um. Good at Shooting, Bad at Painting, so der Titel von Jarrars Aktion, h{\"a}lt dieser Gegenwart einen Zerrspiegel vor, in dem die Konturen dessen, was das Institut Kunst einst zusammenhielt, kunstvoll zerrinnen. Und Adrian Piper macht anhand einer simplen Geste, dem {\"O}ffnen einer Hand, deutlich, wie sich ein {\"U}bergang denken l{\"a}sst von Selbstfixiertheit, Abkapselung und Separation hin zu {\"O}ffnung, Freisetzung und Union. Vielleicht liegt darin auch, so eine hier ankn{\"u}pfende Hoffnung, der Kern einer neuen Universalit{\"a}t, die mehr als blo{\ss} ein leeres Versprechen w{\"a}re.},
	keywords = {3D-Scan, 49 Streifen/90 Streifen, Afrofuturismus, Bouchra Khalili, Burak Delier {\textendash} Barmag: A Magazine That Takes Itself for a Bar, C{\'e}cile B. Evans, Craig Owens. Portrait of a Young Critic, Europium, Feuer am Dach. Essays, Fugitive Belonging, Georg Kargl, GROENTOPIA, Gut im Schie{\ss}en, Hor{\'a}kov{\'a} + Maurer {\textendash} TPX-Index, Institution, Kate Horsfield, Kino Arbeit Liebe. Hommage an Elisabeth B{\"u}ttner, Krystian Woznicki, Kunstbetrieb, Kunstfinanzierung, Lisa Rave, Lyn Blumenthal, Magazin, Martha Rosler/Hito Steyerl {\textendash} War Games, Mika Rottenberg, Mladen Savic, Mokshamudra Progression, Performative Screenings $\#$53: Julia Grosse und Yvette Mutumba Contemporary And Center of Unfinished Business, Performativit{\"a}t, Polemiken, Portable Landscapes, postsozialistisch, Reflexionen, schlecht im Malen, Workshops of Revolution, Yasha Levine, Ydessa Hendeles {\textendash} Death To Pigs, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9504191-7-7},
	url = {https://www.springerin.at/2018/3/},
	author = {Christa Benzer and Justin Hoffmann and Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Klaus Walter and Olivier Jutel and Keti Chukhrov and Adrian Piper and Pierre Bal-Blanc and Edit Andr{\'a}s and Ovidiu Anton and S{\"u}reyyya Evren and Khaled Jarrar and Anna Khachiyan and Georg Sch{\"o}llhammer and Christoph Chwatal and Sabine Mostegl and Veronika Rudorfer and S{\"u}reyyya Evren and Sylvia Szely and Ewelina Jarosz and Rahma Khazam and Ada Karlbauer and Christian Egger and Christian H{\"o}ller and Naoko Kaltschmidt and Peter Kunitzky and Alexandra Seibel and Thomas Raab},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {2992,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 04/2018},
	series = {$\#$Fortschritt},
	volume = {24},
	year = {2018},
	note = {Z Springerin 04/2018},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {$\#$Fortschritt

{\quotedblbase}Die Geschichte des menschlichen Fortschritts ist wahrhaft heroisch{\textquotedblleft}, schreibt der amerikanische Philosoph Steven Pinker in seinem k{\"u}rzlich erschienenen Buch Aufkl{\"a}rung jetzt. Pinkers faktenreiches Pl{\"a}doyer f{\"u}r einen vernunftzentrierten Humanismus scheint zur rechten Zeit geschrieben {\textendash} in einem Moment bzw. soziokulturellen Klima, in dem genau diese Grundkategorien zunehmend in Zweifel gezogen werden. Aufkl{\"a}rung, menschliche Ratio, tatsachenbasiertes Wissen, ja auch {\"a}sthetische Erfahrung {\textendash} all diese Eckpfeiler des modernen Menschen- und Weltbilds, die heute zusehends in Verruf geraten, haben eines gemeinsam: n{\"a}mlich dass sie alle dem bis dato Bestehenden oder Erreichten etwas Besseres entgegenhalten. Ja, dass sie einen {\"U}bergang anstreben von einem als mangelhaft diagnostizierten {\quotedblbase}Alten{\textquotedblleft} hin zu einem als weniger defizient erachteten {\quotedblbase}Neuen{\textquotedblleft}. Einem Neuen, das m{\"o}glichst vielen zugutekommen soll und das Versprechen von Wohlstand und Wachstum miteinschlie{\ss}t.
Der Name dieses {\"U}bergangs lautete lange Zeit: Fortschritt {\textendash} ein Begriff, den sich heute nicht einmal die k{\"u}hnsten OptimistInnen (mit Ausnahme von Philosophen wie Pinker, die in l{\"a}ngeren Zeitperioden denken) vorbehaltlos in den Mund zu nehmen getrauen. Und der in den gegenw{\"a}rtigen politischen Heilslehren durch Ausdr{\"u}cke wie {\quotedblbase}Reform{\textquotedblleft} oder das neue Zauberwort {\quotedblbase}Ver{\"a}nderung{\textquotedblleft} ersetzt wird, mit dem man Offenheit nach allen Seiten hin signalisieren will, wiewohl darunter im Kern meist ein R{\"u}ckbau von erreichten Errungenschaften gemeint ist.
Wie ist es also aktuell um die Kategorie Fortschritt bestellt? Entwickeln sich unsere (westlichen) Gesellschaften noch weiter? Weiter in dem {\quotedblbase}fortschrittlichen{\textquotedblleft} Sinn, dass als ungerecht erkannte Zust{\"a}nde zu beseitigen versucht und Prozesse, die ein ausgeglicheneres Zusammenleben f{\"o}rdern sollen, aktiv in Gang gesetzt werden? Ist Fortschritt, der so lange die Narrative von Modernisierung und sozialem Ausgleich, aber auch die von k{\"u}nstlerischer Entwicklung und {\"a}sthetischer Bildung bestimmt hat, heute noch eine ma{\ss}gebliche Gr{\"o}{\ss}e? Sind im kulturellen Feld, in dem man sich lange Zeit ausgiebigst mit (postmoderner) Aufkl{\"a}rungs- und Vernunftkritik befasst hat, heute vielleicht eher wieder Momente des Progressiven zu finden? Gemeint sind tragf{\"a}hige, projektive Ans{\"a}tze zur {\"U}berwindung ungerechter, nicht egalit{\"a}rer Verh{\"a}ltnisse, wie man sie in der Politik l{\"a}ngst hinzunehmen bereit ist? Und soll man Fortschrittsideologien Glauben schenken, die diesen prim{\"a}r im technologischen (oder wie Pinker im wissenschaftlichen) Bereich ansiedeln {\textendash} mit dem Hintergedanken, dass die gesellschaftliche Dynamik dem technisch erreichten Stand der Dinge schon irgendwie folgen wird?
All diese Fragen bilden in Summe den Ausgangspunkt der Ausgabe $\#$Fortschritt. Wobei diesem Fragenkonglomerat der Hashtag $\#$ vorangestellt ist, um auf die komplexe Verwicklung zwischen heutigen technologischen Grundbedingungen und den nolens volens in sie eingelassenen kritischen Denkbewegungen zu verweisen. Eine dieser Denkbewegungen breitet Yvonne Volkart in Bezug auf den {\"O}kologiediskurs und die daran ankn{\"u}pfende Kunst aus. Inwiefern ist Fortschritt, wenn es um den klimatischen bzw. {\"o}kologischen Zustand der Welt geht, eine in irgendeiner Form brauchbare Kategorie? W{\"u}rde Fortschritt hier nicht notwendig R{\"u}ckschritt, sprich die Umkehr aus der verheerenden Situation bedeuten? Ein Zur{\"u}ck, das jedoch, wie alle wissen, nicht mehr ohne Weiteres m{\"o}glich ist. Volkart begegnet diesem Dilemma, indem sie den Begriff des {\quotedblbase}Events{\textquotedblleft}, des ereignishaften Werdens (eines Besseren, aus kleinen Schritten sich Summierenden), starkzumachen versucht.
Dem linearen, in gewisser Weise unumkehrbaren Voranschreiten h{\"a}lt auch Diedrich Diederichsen ein erweitertes, gleichwohl unverzichtbares Konzept des Progressiven entgegen. Diese Progressivit{\"a}t, von vielen schon als irreal oder zu kompliziert verabschiedet, m{\"u}sste tats{\"a}chlich vielerlei Fronten (Stichwort {\quotedblbase}Intersektionalit{\"a}t{\textquotedblleft}) in sich aufzunehmen bereit sein; und k{\"o}nnte, wie Diederichsen geltend macht, bei einer recht naheliegenden Subjektpositionen ansetzen: jener der Hauptleidtragenden der gegenw{\"a}rtigen globalen Lage, die vielerorts zur Flucht getrieben werden.
Wohin die vermeintlich weltoffene Gesellschaft des Westens tendiert, ist bekannt, und Lawrence Grossberg legt in seinem Beitrag noch einmal die Wurzeln des diesbez{\"u}glich um sich greifenden Pessimismus dar. Grossberg, der seit Jahrzehnten den Aufstieg der neuen Rechten analysiert, wird nicht m{\"u}de, an einen Optimismus des Intellekts zu appellieren {\textendash} ein nach wie vor auf Fortschritt und Vorankommen zielendes Denken, das gerade in Zeiten der Krise von Wissen(schaftlichkeit) und Wahrheit bei gleichzeitig zunehmender sozialer Polarisierung mehr denn je vonn{\"o}ten ist.
Die Kunst ist dem allen vielleicht immer schon einen Schritt voraus. Schlie{\ss}lich operiert sie aus der Spezifik der {\"a}sthetischen Erfahrung heraus und versucht, von einem Anderem her, von der Zukunft bzw. einem utopischen Bild aus, auf ein unerquickliches Hier und Jetzt einzuwirken. K{\"u}nstlerInnen wie die hier vertretenen Danh V{\~o}, Catherine Sarah Young oder Chto Delat setzen genau an diesem Punkt an {\textendash} Letztere etwa, wie sie im Interview ausf{\"u}hren, indem sie das historische Diktum von Kasimir Malewitsch {\quotedblbase}Go and Stop Progress!{\textquotedblleft} auf die Gegenwart umzulegen versuchen.
Insgesamt breitet diese Ausgabe vielerlei, auch aus der {\"o}sterreichischen Kunst der 1960er- und 1970er-Jahre stammende Szenarien eines solchen Einwirkens auf die Gegenwart aus. In der Hoffnung, einen erweiterten Resonanzraum und Offenheit zu schaffen f{\"u}r eine (nicht blo{\ss} technologische) Idee von Fortschritt {\textendash} eine, die diesen Namen tats{\"a}chlich auch verdient.},
	keywords = {20 Propositions, Catherine E. Walsh, Dewey for Artists, Dmitry Vilensky, Eco-Visionaries. Kunst; neue Medien und {\"O}kologie nach dem Anthropoz{\"a}n, Ein rebellischer Vision{\"a}r. Retrospektive Vjenceslav Richter, Electronic-Produktionen, Film und mehr. Aus den Archiven von Kurt Kren und Ernst Schmidt jr., Hier und Jetzt: G{\"u}nter Peter Straschek: Emigration {\textendash} Film {\textendash} Politik, Hunter Longe, Indirect Interviews with Women, Jeffrey Lewis, Julie Becker {\textendash} I must create a Master Piece to pay the Rent, Karina Nimmerfal, Lauren Huret, Lynn Hershman Leeson {\textendash} First Person Plural, Machine Learning, Magazin, M{\"a}hrische Galerie in Brno, Manifesta 12 {\textendash} Der planetarische Garten. Koexistenz kultivieren, Mary Jane Jacob, Neolithische Kindheit, On Decoloniality, Oxana Timofeeva, Politik, Postdigitales Performen, Public Art Munich 2018 {\textendash} Game Changers, Radical Women: Latin American Art 1960{\textendash}1985, Strassenbilder Wien, Trevor Paglen, USA, Walter D. Mignolo, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9504623-1-9},
	url = {https://www.springerin.at/2018/4/},
	author = {Julia Gwendolyn Schneider and Christian H{\"o}ller and Thomas Raab and Andrea Uv{\'a}{\v c}ikov{\'a} and Krystian Woznicki and Yvonne Volkart and Pascal Jurt and Chto Delat and Diedrich Diederichsen and Lawrence Grossberg and Caitlin Dover and Johann Jascha and Edit Andr{\'a}s and Catherine Sarah Young and Kiki Kogelnik and Sabine Maria Schmidt and J{\"o}rn Ebner and Madeleine Bernstorff and Kathi Hofer and Agnieszka Roguski and Ana Hoffner and Manuela Pacella and Christoph Chwatal and Bettina Brunner and Naoko Kaltschmidt and Jens Kastner and Martin Krenn and Antonia Rahofer},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {2796,
	title = {Transmediale Kunst. Transmedia Art. Lightness and Matter},
	year = {2018},
	note = {AK 2018/33},
	publisher = {Walter de Gruyter},
	organization = {Walter de Gruyter},
	address = {Berlin/Boston},
	abstract = {Die Klasse f{\"u}r Transmediale Kunst an der Universit{\"a}t f{\"u}r Angewandte Kunst Wien besch{\"a}ftigt sich mit transdisziplin{\"a}ren Ans{\"a}tzen bei der Entwicklung und Realisierung von Kunst. Ihr Fokus liegt dabei auf raum- und zeitbasierten k{\"u}nstlerischen Konzeptionen, die in kritischer Auseinandersetzung mit theoretischen und praktischen Methoden entstehen und kommunikative, performative und prozessuale Aspekte aufgreifen.

Die Publikation gibt einen {\"U}berblick {\"u}ber die vielf{\"a}ltigen medialen Produktionen, die in den vergangenen zwei Jahrzehnten unter der Leitung der international renommierten K{\"u}nstlerin Brigitte Kowanz entstanden sind. Umfassender Bildteil mit Diplomarbeiten, Projekten, Ausstellungen und Performances. Mit Textbeitr{\"a}gen von Gerald Bast, Verena D{\"u}rr, Patrick Lichty, Claudia Slanar u.a.},
	keywords = {Ausstellungskatalog, Materie, {\"O}sterreich, Transmediale Kunst, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-11-060081-0},
	author = {Kowanz, Brigitte and Kozek, Peter}
}
@book {2865,
	title = {Art in the Age of the Cloud},
	year = {2017},
	note = {THE 592},
	publisher = {Diorama Editions},
	organization = {Diorama Editions},
	address = {Milano},
	abstract = {In Art in the Age of the Cloud (Kunst im Zeitalter der Cloud) nimmt der renommierte K{\"u}nstler Carlo Zanni die Leser mit auf eine augen{\"o}ffnende Reise durch eine Meditation {\"u}ber neue Probleme in der Kunstwelt und wie diese Probleme sie ver{\"a}ndern k{\"o}nnten, jetzt, da Dateien Kunstwerke sein k{\"o}nnen. Der Kauf und Verkauf von digitaler Kunst bringt Komplikationen mit sich, die Ver{\"a}nderungen im System selbst erfordern. Im Mittelpunkt dieser {\"U}berlegungen steht der Vorschlag, dass der Verkauf von Videokunst und Internetprojekten einem {\"a}hnlichen Modell folgen sollte, wie es die Buch- und Musikindustrie praktiziert. Der Text beginnt mit einer pers{\"o}nlichen Erfahrung: Im Jahr 2001 speicherte Zanni eine Reihe von animierten GIFs als Videodateien, um an einer Ausstellung im MoMA/P.S.1 teilzunehmen, die nur f{\"u}r Videos bestimmt war. Es folgt ein kurzer historischer Streifzug durch die Landschaft, eingerahmt von den Erfahrungen mit Napster und WikiLeaks, einer Interpretation von Walter Benjamin und bis hin zur Blockchain, um {\"u}ber m{\"o}gliche Anpassungen des Kunstsystems zu spekulieren. Provokativ und fesselnd, schie{\ss}t Art in the Age of the Cloud den Leser in die Cloud und in eine nahe Zukunft, in der alle individuellen Rollen und Ethiken neu verhandelt werden - eine Welt, in der wir die Art und Weise, wie wir {\"u}ber den Kauf und Verkauf von Kunst denken, ver{\"a}ndert haben.

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In Art in the Age of the Cloud, renowned artist Carlo Zanni takes readers on an eye-opening journey through a meditation on emerging issues in the art world and how these issues might transform it now that files can be works of art. Buying and selling digital art involves complications that demand changes in the system itself. At the core of this reasoning lies the proposal that selling video art and internet projects should follow a model similar to that adopted by the book and music industries. The text begins with a personal experience: In 2001 Zanni saved a number of animated GIFs as video files in order to join a show that was only for videos at MoMA/P.S.1. It then develops into a short historical trip through the landscape framed by the experience of Napster and WikiLeaks, an interpretation of Walter Benjamin, and up to the blockchain to speculate on possible adjustments to the art system. Provocative and engaging, Art in the Age of the Cloud shoots the reader into the cloud and into a near future where all the individual roles and ethics are renegotiated{\textemdash}a world in which we have changed the way we think about buying and selling art. },
	keywords = {21. Jahrhundert, Autorschaft, Stormy Weather, Technologie, Theorie, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {9791220021982},
	author = {Zanni, Carlo}
}
@book {2428,
	title = {Kunstforum International 246/2017},
	series = {Public Image. Unbedingte Aufmerksamkeit},
	volume = {246},
	year = {2017},
	note = {Z Kunstforum 246/2016
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {Public Image. Unbedingte Aufmerksamkeit
Anfang der 1990er Jahre schockt Jeff Koons die {\"O}ffentlichkeit, indem er den italienischen Pornostar Cicciolina heiratet, sich in eindeutigen pornografischen Posen abbilden l{\"a}sst und massenmedial inszeniert. Mit diesem Ereignis hob Koons die Frage nach Kunst und Leben auf ein neues Niveau. Die digitalen Techniken, deren Entwicklung damals begonnen hat, erweitern heute zum Beispiel {\"u}ber Facebook und Instagram die Verbreitungsm{\"o}glichkeiten der Selbstinszenierung. Damit stellt sich die Frage, welche Funktionen Bilder in der {\"O}ffentlichkeit haben und wie Sie unseren Alltag neu bestimmen. Welche Erwartungen werden in diesem Kontext heute an den K{\"u}nstler heran getragen? Welche Kongruenzen oder Differenzen entstehen zwischen der Person und dem {\"o}ffentlichen Bild? Der Band Public Image besch{\"a}ftigt sich mit den Erwartungen, Entt{\"a}uschungen und Potentialen zwischen privatem und {\"o}ffentlichem Bild und zeigt neue Perspektiven der Verbindung von Kunst und Leben in der heutigen mediendominierten Zeit auf. Gleichzeitig wird in verschiedenen gesellschaftlichen Kontexten der Umgang mit Bildern in der {\"O}ffentlichkeit thematisiert und dargestellt, welche Funktion die Medien dabei einnehmen.},
	keywords = {21. Jahrhundert, Athen, Bela B, Cosplay, dokumenta 14, Jonathan Meese, Kathmandu Triennale, Kunst im {\"o}ffentlichen Raum, Kunstbetrieb, Kunstproduktion, Moderne Kunst, Petter Piller, Realit{\"a}t, Sharjah Biennale, Valentin Carron, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg. and Oliver, Zybok and Mark Terkessidis and Jutta Zaremba and Rosa Windt and Almut Linde and Sabine B. Vogel and Ingo Arend and Max Glauner and Heinz-Norbert Jocks and Michael H{\"u}bl and Hermann Pf{\"u}tze and Manuela Lintl and Peter Funken and Michael Nungesser and Ronald Berg and Hajo Schiff and Jens Asthoff and Matthias Reichelt and Michael Stoeber}
}
@book {2580,
	title = {Kunstforum International 248/249/2017},
	series = {documenta 14. Von Athen lernen},
	volume = {248/249},
	year = {2017},
	note = {Z Kunstforum 248/249/2017},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {documenta 14
Von Athen lernen

Die 14. Ausgabe der documenta ist eine Ausstellung im Doppelpack: Es gibt zwei Ausstellungssorte {\textendash} Athen und Kassel. Rund 160 K{\"u}nstler stellen sich dieser Herausforderung, indem sie zum Gro{\ss}teil Arbeiten an beiden Orten pr{\"a}sentieren. Traditionell dokumentiert KUNSTFORUM die documenta in einem Sonderband so umfangreich wie kein anderes Medium, hinterfragt und erforscht dabei Hintergr{\"u}nde in begleitenden Kommentaren und Gespr{\"a}chen mit Beteiligten. Nachdem in Band 246 eine Zwischenbilanz zur Athener Ausstellung gezogen wurde, wird die documenta 14 nun in diesem Band, mit Fokus auf der Pr{\"a}sentation in Kassel, in einem kommentierten Fotorundgang, einem Portrait von Adam Szymczyk, kritischen Essays und Analysen zu der Ausstellung, sowie Gespr{\"a}chen mit Kuratoren, K{\"u}nstlern und anderen Beteiligten in ihrer Gesamtheit dokumentiert und analysiert. In exemplarischen Gegen{\"u}berstellungen der Arbeiten aus Athen zu denen in Kassel wird dabei immer wieder der Blick nach Athen gerichtet. Wie sind die K{\"u}nstler mit der Herausforderung einer Doppelausstellung umgegangen und wie hat sich das diesj{\"a}hrige Motto der documenta {\quotedblbase}Von Athen lernen{\textquotedblleft} schlie{\ss}lich ausgewirkt?   Au{\ss}erdem in diesem Band: Skulptur Projekte M{\"u}nster 2017 in einem kommentierten Fotorundgang, Essays und einem Gespr{\"a}chen mit dem k{\"u}nstlerischen Leiter Kasper K{\"o}nig und den verantwortlichen Kuratorinnen.},
	keywords = {Aboubakar Fofana, Alexandra Bachzetsis, André Du Colombier, Angela Melitopoulos, Antonio Vega Macotelas, Apostolos Georgiou, Athen, Beatriz Gonzalez, Benjamin Patterson, Bili Bidjocka Bouchra Khalili Angelo Plessas, Christopher D{\textquoteright}arcangelo, Ciudad Abierta, Cornelius Cardew, Daniel Garcia Andujar, David Harding, Die Gesellschaft Der Freund_Innen Von Halit, Documenta, Edi Hila, Fabio Balducci, Gordon Hookey, Guillermo Galindo, Igo Diarra, Iqiya, Irena Haiduk, Israel Galvan Nino De Elche, Jani Christou, Joa, Kassel, Kunstbetrieb, Kunstproduktion, Lois Weinberger, Lucien Castaing-Taylor, Lydia Koniordou, Maria Hassabi, Mar{\'\i}a Magdalena Campos-Pons, Marie Cool, Marina Fokidis, Michel Auder, Miriam Cahn, Moderne Kunst, Moyra Davey, Neil Leonard, Nikhil Chopra, Olaf Holzapfel, Pedro G. Romero, Rasheed Araeen, Roger Bernat, Romuald Karmakar, Ross Birrell, Theo Eshetu, Ulises Carri{\'o}n, Ulises Carrión, V{\'e}r{\'e}na Paravel, Zafos XagorarisAndreas Ragnar Kassapis, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg. and Susanne Boecker and Heinz-Norbert Jocks and Adam Szymczyk and Amine Haase and Hajo Schiff and Michael H{\"u}bl and Ingo Arend and Max Glauner and J{\"u}rgen Raap and Wolfgang Tr{\"a}ger and Sabine B. Vogel and Martin Seidel and Renate Puvogel}
}
@book {2869,
	title = {Moving is in every direction. Environments, Installation, Narrative R{\"a}ume},
	year = {2017},
	note = {AK 2017/26
},
	pages = {111},
	publisher = {Staatliche Museen zu Berlin - Preu{\ss}ischer Kulturbesitz},
	organization = {Staatliche Museen zu Berlin - Preu{\ss}ischer Kulturbesitz},
	address = {Berlin},
	keywords = {Ausstellungskatalog, Installationen, inszenierte R{\"a}ume, K{\"u}nstler, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-88609-794-4},
	author = {Catharina, Anna and Knapstein, Gabriele}
}
@book {2998,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 01/2017},
	series = {The Post-Curatorial Turn},
	volume = {23},
	year = {2017},
	note = {Z Springerin 01/2017},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {The Post-Curatorial Turn

Kaum eine Figur hat die Kunstwelt der letzten Dekaden so beherrscht wie die des Kurators bzw. der Kuratorin. Sie war es und ist es h{\"a}ufig immer noch, die im Mittelpunkt des Ausstellungsgeschehens steht; ihre Autorit{\"a}t und Autorschaft scheinen in den institutionellen Gef{\"u}gen des etablierten, aber auch des Off-Betriebs nach wie vor unverzichtbar. Vielfach wurde {\"u}ber die Jahre Kritik an dieser Zentral- und Vormachtstellung ge{\"u}bt, ja ihr Primat gegen{\"u}ber K{\"u}nstlerInnen oder den verzweigten Zusammenh{\"a}ngen, die das System Kunst {\"u}berhaupt erst ausmachen, beklagt. Selten jedoch wurde {\"u}ber das tief verwurzelte Kuratormodell hinausgedacht, wurden alternative Formen des Kunst-Zeigens oder dessen Einbettung in gr{\"o}{\ss}ere Zusammenh{\"a}nge ernsthaft in Erw{\"a}gung gezogen.
Dennoch zeichnen sich in letzter Zeit, zumeist auf praktischer Ebene, zunehmend andere Formen der Kooperation im Ausstellungsfeld ab: Praktiken, die {\"u}ber das singul{\"a}re Autorschaftsprinzip des Kurators bzw. der Kuratorin hinausgehen und andere Formen der Kunst- und Wissensvermittlung erproben. Diesbez{\"u}glich stellt sich die berechtigte Frage, ob wir, angesichts dieser vielerorts zu beobachtenden Ans{\"a}tze, an der Schwelle eines {\quotedblbase}Post-Curatorial Turn{\textquotedblleft} stehen. Oder ob ein solcher {\quotedblbase}Turn{\textquotedblleft}, der oft etwas vorschnell in allen m{\"o}glichen Feldern konstatiert wird, im Bereich des Ausstellungsmachens bzw. des Pr{\"a}sentierens von Kunst abseits ihrer gewohnten Formate bereits zu greifen begonnen hat.
Simon Sheikh steckt in seinem Essay den theoretischen Rahmen ab, in dem sich die Rede von der {\quotedblbase}postkuratorischen Wende{\textquotedblleft} sinnvollerweise zu bewegen hat. Sheikh nimmt zun{\"a}chst eine Reihe von Differenzierungen vor: zwischen dem weiter gespannten Bereich des {\quotedblbase}Kuratorischen{\textquotedblleft} (im Unterschied zu eindimensional festgeschriebenen Modellen des {\quotedblbase}Kuratierens{\textquotedblleft}) und dem {\quotedblbase}Parakuratorischen{\textquotedblleft} als einer {\"u}ber das Ausstellungssetting hinausgehende Wissens- und Diskurskonstellation. Erst in dieser erweiterten Perspektive wird ersichtlich, inwiefern und auf welcher Basis eine m{\"o}gliche {\quotedblbase}postkuratorische{\textquotedblleft} Formation in Erscheinung treten kann {\textendash} eine Basis, die im {\"U}brigen viel mit gegenw{\"a}rtigen Wirtschafts- und Besch{\"a}ftigungsverh{\"a}ltnissen zu tun hat.
Einer, der den Begriff des Postkuratorischen schon l{\"a}nger f{\"u}r die von ihm mitgetragene Praxis verwendet, ist Vasif Kortun, bis 2017 Leiter des Istanbuler SALT. Kortun zeichnet in seinem Beitrag die Konturen des Begriffs und seiner Brauchbarkeit f{\"u}r (post-)kuratorische Unternehmungen nach {\textendash} mit Bedacht darauf, aus der B{\"u}ndelung bestimmter, schon l{\"a}nger kursierender Ideen nicht eine neue Form von Orthodoxie entstehen zu lassen. Dass der {\"u}ber herk{\"o}mmliche Ausstellungsformate hinausgehende Ansatz von Vasif Kortun kein Einzelfall ist, rekapituliert Kaelen Wilson-Goldie. Die Autorin fasst in ihrer kurzen Rundschau Praktiken wie jene des SALT, aber auch die von Ashkal Alwan in Beirut oder von Townhouse in Kairo als vielversprechende, teils aus der Not geborene Taktiken zusammen: Formate, die den gewohnten Ausstellungsbetrieb konterkarieren, zum Teil, weil dies infrastrukturell nicht anders m{\"o}glich ist, zum Teil aber auch, weil man sich dem kunstinstitutionellen {\quotedblbase}Machtpol{\textquotedblleft} des Autor-Kurators bzw. der Autor-Kuratorin verwehrt. Dies untermauert auch das Gespr{\"a}ch mit der von Jakarta aus agierenden ruangrupa, die diesem Dispositiv ein komplexes Gebilde partizipatorischer, netzwerkbasierter Verhandlungsprozesse entgegenh{\"a}lt. Bemerkenswert ist, dass ruangrupa, Paradebeispiel eines postkuratorischen Kollektivs, der scheint{\textquoteright}s naheliegenden Idee von hierarchieloser {\quotedblbase}Horizontalit{\"a}t{\textquotedblleft} skeptisch gegen{\"u}bersteht.
Welch hochgradiger struktureller {\"U}berforderung der Autor-Kurator heute in westlichen Institutionen ausgesetzt ist, bringt Vit Havr{\'a}nek in seinem Essay zur Sprache. Havr{\'a}nek skizziert ein scheinbar dem fordistischen Prinzip verpflichtetes Flie{\ss}bandmodell von Kunstpr{\"a}sentation, in dem schlussendlich alle Beteiligten bildlich gesprochen unter die R{\"a}der kommen. Eine postfordistische Neuausrichtung {\textendash} Stichwort Flexibilisierung und Prekarisierung {\textendash} scheint die Sache noch zu verschlimmern, k{\"o}nnen doch die darin involvierten Subjekte ihren Anforderungen immer weniger gerecht werden. Abhilfe, so Havr{\'a}neks Diagnose, k{\"o}nne nur eine neue, auf heutige Verh{\"a}ltnisse zugeschnittene Form von {\quotedblbase}institutioneller Therapie{\textquotedblleft} schaffen, eine Art Selbstheilung, deren analytische Mittel jedoch erst geschaffen werden m{\"u}ssen.
Analytische Erg{\"a}nzungen der Thematik finden sich in den Beitr{\"a}gen von Magda Tyzlik-Carver und Moritz Scheper. Tyzlik-Carver fragt nach den Bedingungen, denen das {\quotedblbase}Kuratorische{\textquotedblleft} in zunehmend digitalisierten und netzwerkbasierten Verh{\"a}ltnissen ausgesetzt ist. Ihr provokantes Fazit lautet, dass sich gegenw{\"a}rtig eine {\"u}ber alle menschliche Autorschaft hinausgehende kuratorische Instanz, ein {\quotedblbase}posthumanes Kuratieren{\textquotedblleft} abzuzeichnen beginnt. Am anderen Ende dieser Ungleichung setzt Moritz Scheper an. Er analysiert und belegt anschaulich, inwiefern heute K{\"u}nstlerInnen ein bestimmtes Ma{\ss} an Deutungshoheit {\"u}ber ihr Werk zur{\"u}ckzugewinnen versuchen: und zwar anhand der Artist Novel, die gegenw{\"a}rtig gro{\ss}en Zuspruch, sowohl produktions- als auch rezeptionsm{\"a}{\ss}ig, erf{\"a}hrt.
{\"U}bergreifend wird an den Beitr{\"a}gen dieser Ausgabe deutlich, wie sehr das neu erwachte Interesse f{\"u}r die genre{\"u}bergreifende Entwicklung von Ausstellungsformaten und Pr{\"a}sentationsformen mit neuen selbstorganisierten, parainstitutionellen Konstellationen zusammenh{\"a}ngt. Alternative Lehr- und Lernpraxen spielen darin eine ebenso zentrale Rolle wie eine neu definierte {\quotedblbase}postkuratorische{\textquotedblleft} Handlungsmacht, in deren Aufbau der Einzelkurator bzw. die Einzelkuratorin nur noch ein Bestandteil von vielen ist.},
	keywords = {Alexander Simmeth: Krautrock transnational, Alexandria, Beirut, Benny Nemerofsky Ramsay {\textendash} Une Autre Voix, Bergen Assembly 2016, Christoph Wachter, Digging Deep; Crossing Far, Douglas Crimp: Before Pictures, Felicity D. Scott: Outlaw Territories, Ferenc Gr{\'o}f {\textendash} Without index/Mr. A. B. in X, Gottfried Bechtold, Ines Doujak {\textendash} Not Dressed for Conquering, Institutionskritik, Istanbul, Jaros{\l}aw Kozakiewicz, Josh Kline, Kairo, Krzysztof Wodiczko, Kuratieren, Kurator, Kuratorinnen, Magazin, Mathias Jud, PARCOMMUNE. Place. Community. Phenomenon, Roberto Simanowski, ruangrupa, Social Media, Tim Lawrence: Life and Death on the New York Dance Floor; 1980{\textendash}1983, Touch the Reality. Rethinking Keywords of Political Performance, Triple Canopy - Network-Curating, Willem de Rooij {\textendash} Entitled, Wolfgang Seidel: Wir m{\"u}ssen hier raus!, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9503646-9-9},
	url = {https://www.springerin.at/2017/1/},
	author = {Yvonne Volkart and Christian H{\"o}ller and Julia Gwendolyn Schneider and Gislind Nabakowski and Marc Ries and Simon Sheikh and Vasif Kortun and Kaelen Wilson-Goldie and Vit Havr{\'a}nek and Sadie Benning and Christa Benzer and Magda Ty{\.z}lik-Carver and Moritz Scheper and Gabu Heindl and Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Edit Andr{\'a}s and Eugen El and Lisa Moravec and Herwig G. H{\"o}ller and Christian Egger and Gabriele Hoffmann and Marek Wasilewski and Aline Rainer and Naoko Kaltschmidt and Yuki Higashino and Christian H{\"o}ller and Klaus Walter},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {2997,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 03/2017},
	series = {Das Imperium schl{\"a}gt zur{\"u}ck?},
	volume = {23},
	year = {2017},
	note = {Z Springerin 03/2017},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Das Imperium schl{\"a}gt zur{\"u}ck?

Es ist nun bereits {\"u}ber ein Vierteljahrhundert her, seit die Sowjetunion formal aufgeh{\"o}rt hat zu existieren. Dennoch zeigt der Niedergang dieses ehemaligen Imperiums auch heute noch vielerlei Nachwirkungen. So lassen sich viele gegenw{\"a}rtige Probleme, von politischen bis hin zu sozialen und {\"o}konomischen Spannungen in den ehemaligen Sowjetrepubliken, einzig vor dem Hintergrund dieses immer noch nachwirkenden historischen Prozesses verstehen. Neue Eliten sind an die Stelle der alten ger{\"u}ckt. Lang schwelende Konflikte sind ernsthaft und mit unabsehbarem Ende ausgebrochen. Neue geopolitische Bruchlinien und Einflusssph{\"a}ren ziehen sich heute kreuz und quer durch die Region des ehemaligen Sowjetblocks. Je weiter entfernt die Aussicht auf eine gesamteurop{\"a}ische Einigung scheint, desto m{\"a}chtiger zeichnet sich ein neu erstarktes Russland am Horizont ab. Schl{\"a}gt das Imperium auf diese Weise zur{\"u}ck?
Tats{\"a}chlich ist ein neuer Nationalismus, egal wohin man blickt, an die Stelle der ehemals verbindenden Idee eines nationen{\"u}bergreifenden Sozialismus getreten. Eines Sozialismus, der r{\"u}ckblickend je nach Land unterschiedlich eingesch{\"a}tzt wird und nach wie vor Z{\"u}ndstoff f{\"u}r eine konfliktreiche Auseinandersetzung mit der Vergangenheit bietet. Doch ohne eine Besch{\"a}ftigung mit dem gemeinsamen sowjetischen Erbe, seinen kolonialen r{\"a}umlichen Strukturen und seinen emanzipatorischen Aufbr{\"u}chen kann eine Vers{\"o}hnung in der Region kaum gelingen. Im Zentrum der Ausgabe "Das Imperium schl{\"a}gt zur{\"u}ck?" steht das Motiv des Umgangs mit dem baulichen Erbe der Sowjetunion, das die St{\"a}dte und Erinnerungen in der Region aktuell immer noch miteinander verbindet, vielfach aber auch trennt. Ebenso zentral sind dabei, wiewohl oft weniger sichtbar, die aufgekl{\"a}rt-demokratischen st{\"a}dtischen (Sub-)Kulturen und zivilgesellschaftlichen Akteurinnen, die w{\"a}hrend der letzten drei Jahrzehnte ihre oft schwierige k{\"u}nstlerisch-politische Arbeit entfaltet haben.
Ausgangspunkt der Ausgabe ist das von tranzit.at initiierte Projekt "The Empire Strikes Back?", im Zuge dessen im Herbst 2016 eine Gruppe von Intellektuellen, UrbanistInnen, ArchitektInnen, AktivistInnen und anderen AutorInnen durch St{\"a}dte wie Jerewan, Tiflis, Chisinau, Moskau, Minsk und Kiew gereist ist. Im Mittelpunkt stand dabei, neben lokalen Bestandsaufnahmen, eine Untersuchung der strukturellen Gemeinsamkeiten, die sich hinter Beschreibungskategorien wie "postsowjetische Gesellschaft" verbergen. Diese wurde anhand verschiedener urbaner Situationen auf ihre lokale Eigenart und die immer noch laufenden Transformationsprozesse hin untersucht. Aus der gemeinsamen Vergangenheit im "Imperium" und der getrennten, obgleich geteilten Erfahrung der postsowjetischen Stadt sollten nicht zuletzt Modelle einer gemeinsamen Zukunft erkennbar werden.
Die Ausgabe "Das Imperium schl{\"a}gt zur{\"u}ck?" greift zentrale Ergebnisse dieses Projekts auf und erg{\"a}nzt sie um weiterf{\"u}hrende, {\"u}ber den unmittelbaren Projektverbund hinausgehende Perspektiven. So legen Wolfgang Kil und Georg Sch{\"o}llhammer in ihrem Eingangstext, der auf eine gemeinsame Projektpr{\"a}sentation zur{\"u}ckgeht, anhand markanter Beispiele ihrer Sicht auf das architektonische Sowjeterbe dar. Wolfgang Kil befasst sich mit den Ausstellungen der Errungenschaften der Volkswirtschaft (WDNCh), die ab den 1930er-Jahren in mehreren St{\"a}dten, zum Teil mit Unterbrechungen und sp{\"a}ter neu fokussiert, unterschiedliche "Modernen" in sich komprimiert zur Darstellung brachten. {\"A}hnliche Prozesse bilden sich in der Architekturgeschichte der armenischen Hauptstadt Jerewan ab, die gleichfalls die Existenz mehrerer, paralleler, teils in Konflikt miteinander stehender, teils aber auch ineinander verschr{\"a}nkter Modernen bekundet.
Welchen Bedrohungen diese verschiedenen Modernen heute ausgesetzt sind, wird anhand der von Ruben Arevshatyan ausgew{\"a}hlten Beispiele aus der Stadtgeschichte von Jerewan deutlich. Meisterwerke des Modernismus werden zum Teil abgerissen, um f{\"u}r Neues Platz zu machen, oder sind schlichtweg dem Verfall preisgegeben. Einer {\"a}hnlichen Problematik widmen sich Dimitrij Zadorin und Jewhenija Hubkina. Dimitrij Zadorin beleuchtet in seinem Beitrag eine angesichts architektonischen "Exzellenzdenkens" h{\"a}ufig {\"u}bersehene Geschichte, n{\"a}mliche jene der standardisierten Wohnbaumoderne im gesamten Sowjetbereich, um die heute ein nicht zuletzt auch ideologischer Kampf ausgefochten wird. Jewhenija Hubkina legt ihr Augenmerk auf einen aktuell hochbrisanten Brennpunkt der Auseinandersetzung, die ost-ukrainische Stadt Charkiw, wo auf konfliktreiche Weise die Interessen russischer und ukrainischer Einflusssph{\"a}ren aufeinanderprallen.
Neben Schlaglichtern auf lokale historische Sowjetmodernen, ausgef{\"u}hrt etwa im Beitrag des Architekten Gaga Kiknadze im Hinblick auf die georgische Hauptstadt Tiflis, steht die Besch{\"a}ftigung mit unterschiedlichen gegenw{\"a}rtigen Problemlagen im Mittelpunkt. Boris Chukhovich etwa geht dem Bauboom, entfacht von machthungrigen Neoautokraten, in zentralasiatischen Staaten wie Usbekistan nach. Stefan Rusu fragt, welche Auswirkungen die versuchte Aktualisierung ehemaliger modernistischer St{\"a}dtebaukonzepte auf Kapitalen wie Bukarest oder Chisinau hat. Olga Shparaga schlie{\ss}lich geht {\"u}ber den engeren Fokus auf das bauliche Sowjeterbe hinaus. In ihrem Essay diskutiert sie anhand der politischen und sozialen Situation in Belarus die immer gravierender werdende Kluft zwischen einem "guten" und einem "schlechten" Universalismus. Shaparaga sieht inmitten dieser Polarisierung vor allem einen zivilgesellschaftlich orientierten Kunstaktivismus gefordert. Auch das ein treffendes Bild f{\"u}r die postsowjetische Gegenwart, die die einzementierten Zeugnisse des Imperiums nicht so einfach loswird.},
	keywords = {Abounaddara, Alexa Karolinskis, Andreas Fogarasi. Plan/Pl{\'a}n, Armenien, Army of Love, Belarus, Chinafrika. under construction, Chisin{\u a}u, Cristina Lucas. Global Edges, Dejima. Konzepte von Ein- und Ausschluss, Denkm{\"a}ler der Sowjetmoderne, experimentelle Elektronik, Georgien, H{\'e}l{\`e}ne Cixous: Aus Montaignes Koffer und Osnabr{\"u}ck, Helmut Draxler: Abdrift des Wollens. Eine Theorie der Vermittlung, Ingo Niermanns, James Voorhies: Beyond Objecthood. The Exhibition as a Critical Form since 1968, Jerewan, Johannes Porsch. Tropology {\textendash} Ein Ausstellungsrundgang mit Wendungen, John Gerrard, Juan Acha. Despertar revolucionario, Katharina Sieverding. Kunst und Kapital. Werke 1967{\textendash}2017, Magazin, Marcel Odenbach. Beweis zu nichts, Musik, Nie jestem juz psem (Ich bin kein Hund mehr), Peter Dressler {\textendash} Wiener Gold und Sonderfahrt, Putting Rehearsals to the Test Practices of Rehearsal in Fine Arts; Film; Theater; Theory; and Politics, sowjetischer Modernismus, Usbekistan, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9504191-5-3},
	url = {https://www.springerin.at/2017/3/},
	author = {Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Yvonne Volkart and Christa Benzer and Christian H{\"o}ller and Krystian Woznicki and Wolfgang Kil and Georg Sch{\"o}llhammer and Ruben Arevshatyan and Boris Chukhovich and Dimitrij Zadorin and Jewhenija Hubkina and Stefan Rusu and Gaga Kiknadze and Olga Shparaga and Gislind Nabakowski and Yuki Higashino and Lisa Britzger and Christian Egger and Herwig G. H{\"o}ller and Agnieszka Roguski and Lisa Moravec and Jens Kastner and Bettina Brunner and Sabine Weier and Yuki Higashino and Pascal Jurt and Naoko Kaltschmidt},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {2996,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 04/2017},
	series = {Global Limits},
	volume = {23},
	year = {2017},
	note = {Z Springerin 04/2017},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Global Limits

Wachstum und Wohlstand. So l{\"a}sst sich die heute global vorherrschende Ideologie, ungeachtet jeder politischen Links-Rechts-Zuordnung, k{\"u}rzestm{\"o}glich zusammenfassen. Alles muss st{\"a}ndig wachsen, allem voran die Wirtschaft, dann geht es allen gut, auch der Kunst. Alle haben sich einen gewissen Wohlstand verdient bzw. sind individuell in immer gr{\"o}{\ss}erem Ausma{\ss} f{\"u}r diesen selber verantwortlich. Und ger{\"a}t dieser Wunschzustand einmal ins Wanken, hat man schnell die vermeintlich Schuldigen ausgemacht (Fl{\"u}chtlinge, SozialschmarotzerInnen und andere, die uns auf der Tasche liegen).
Dabei sto{\ss}en Wachstum und Wohlstand, als weithin g{\"u}ltige Ideologeme, denen jede und jeder ungefragt zustimmen kann, lange schon an massive Grenzen. Und zwar auf einer viel grundlegenderen Ebene, als der Reichtum (oder die Armut) einzelner Gesellschaften oder Staaten dies widerspiegelt. 45 Jahre, also fast ein halbes Jahrhundert, ist es beispielsweise her, dass die ber{\"u}hmte Club-of-Rome-Studie Die Grenzen des Wachstums (1972) erschienen ist. Mit eindr{\"u}cklichen Warnungen vor dem drohenden Versiegen nat{\"u}rlicher Rohstoffe und den katastrophalen Auswirkungen weltweiter Umweltzerst{\"o}rung bei gleichzeitigem Bev{\"o}lkerungswachstum und fortw{\"a}hrender Industrieankurbelung stellte die Studie ein markantes Ausrufezeichen inmitten der westlichen Fortschrittserz{\"a}hlung dar. Wissenschaftlich fundiert wurden damit einer breiten {\"O}ffentlichkeit Limitationen vor Augen gef{\"u}hrt, die in der bis dahin vorherrschenden technokratischen Denkungsart kaum einen Platz hatten {\textendash} ein Umstand, der schlie{\ss}lich auch zur sukzessiven Auspr{\"a}gung eines {\"o}kologischen Bewusstseins und der Gr{\"u}ndung entsprechender politischer Bewegungen beitrug.
Fast ein halbes Jahrhundert sp{\"a}ter l{\"a}sst sich res{\"u}mieren, dass wenig bis nichts aus den damaligen Berechnungen und Prognosen gelernt wurde. Die Ausbeutung nat{\"u}rlicher Rohstoffe ist inzwischen bei den f{\"u}r die IT-Industrie so wichtigen Seltenen Erden angelangt, fossile Brennstoffe stehen nach wie vor hoch im Kurs. Plastik ist in Form von Abfall bis in den letzten Winkel der Welt vorgedrungen. Die vom Menschen verursachte Erw{\"a}rmung, besch{\"o}nigend meist Klimawandel genannt, wird von f{\"u}hrenden PolitikerInnen vielfach ignoriert oder {\"u}berhaupt abgestritten. Und die Energiegewinnung erfolgt in weiten Teilen der Welt nach wie vor nach Standards, die den Globus {\"u}berspitzt gesagt dem sicheren W{\"a}rmetod zutreiben.
Grenzen des Wachstums (und Wohlstands) also, wohin man blickt, auch wenn viele FortschrittsapologetInnen dies nicht wahrhaben wollen. Katastrophische Bedingungen f{\"u}r das k{\"u}nftige {\"o}kologische Wohlergehen aller (mit entsprechenden Konsequenzen), was zwar immer st{\"a}rker in den Fokus der {\"o}ffentlichen Wahrnehmung tritt, ohne dass dabei jedoch die reale Tragweite des Ganzen abgesch{\"a}tzt werden k{\"o}nnte. Grund genug, sich in der Ausgabe Global Limits aktuellen Symptomatiken und Ausformungen der immer dringlicheren {\"o}kologischen Schieflage zu widmen: Auspr{\"a}gungen, wie sie die Welt als Ganze erfasst haben und seit L{\"a}ngerem auch in Kunst und Kultur reflektiert werden. Wobei dieses Reflektieren oft genug bei einem hilflos anmutenden {\quotedblbase}Rettenwollen der Natur{\textquotedblleft} oder romantisch verbr{\"a}mter Erdverbundenheit stehen bleibt.
Timothy Morton, Vordenker einer {\quotedblbase}{\"O}kologie ohne Natur{\textquotedblleft}, legt im Interview die Gr{\"u}nde dar, warum ein wahrlich {\"o}kologisches Denken, das diesen Namen auch verdient, sich von {\quotedblbase}Natur{\textquotedblleft} im klassischen Sinn besser verabschieden sollte. Mortons aus verschiedensten Disziplinen gespeister Ansatz geht von der profunden symbiotischen Verbundenheit des Menschen mit dem Nichthumanen aus {\textendash} was als politische Konsequenz eine {\"u}ber das Menschliche hinausreichende Solidarit{\"a}t mit ebendiesem, selbst wieder vielfach verzweigten Nichthumanen erfordert. Diese Art von {\quotedblbase}finsterer {\"O}kologie{\textquotedblleft} hallt auch in anderen Beitr{\"a}gen dieser Ausgabe wider, etwa in Matthew Fullers und Olga Goriunovas Ausf{\"u}hrungen zum Begriff der Devastierung. Diesen versuchen die beiden entgegen aller Orthodoxie von seiner Kehrseite, sprich einem alle Intention und Zielgerichtetheit {\"u}berschreitenden {\quotedblbase}Werden{\textquotedblleft} her zu denken {\textendash} was handfesten Katastrophen wie Atomunf{\"a}llen oder {\"O}llecks eine noch drastischere Dimension verleiht.
Wie sich unser Bild der Erde im Zuge von Raumfahrt- und Informationstechnologie unabl{\"a}ssig gewandelt hat und so auch auf ein zu sch{\"a}rfendes {\"o}kologisches Bewusstsein abf{\"a}rbt, untersucht Vera Tollmann in ihrem Beitrag. Auch Brian Holmes setzt in seinem Essay bei dieser erweiterten, technisch vermittelten Perspektive an. Holmes diskutiert anhand von {\quotedblbase}lebenden Flussl{\"a}ufen{\textquotedblleft} im Mittleren Westen der USA, inwiefern sich heute gleichsam weltumspannende {\quotedblbase}Empathiemaschinen{\textquotedblleft} von Kunstseite aus schaffen lassen. Diese Art Maschine, so Holmes{\textquoteright} Fazit, m{\"u}sse sich selbst neuester Technologie bedienen, um einen {\"u}ber den einzelnen Menschen hinausreichenden, globalen {\"O}kok{\"o}rper herstellen zu helfen.
Wie es um diesen K{\"o}rper im Zeitalter des Anthropoz{\"a}ns in sozialer Hinsicht bestellt ist, erl{\"a}utert der Kulturwissenschaftlicher McKenzie Wark im Interview und tritt dabei f{\"u}r eine alternative Form von Realismus ein. Suely Rolnik schlie{\ss}lich verbindet {\"U}berlegungen zum {\"O}kok{\"o}rper mit der Sph{\"a}re mikropolitischer Aufst{\"a}nde und legt dar, warum eine makropolitische Sichtweise, welche die ma{\ss}geblichen AkteurInnen als festgelegte subjektive Identit{\"a}ten betrachtet, hier nicht mehr ausreichend ist.
Zusammen werfen die Beitr{\"a}ge dieser Ausgabe einander erg{\"a}nzende Schlaglichter auf die Grenzen des Globalen {\textendash} verstanden als {\"o}kologisch unterf{\"u}ttertes Gef{\"u}ge. Nur von diesem {\quotedblbase}dunklen{\textquotedblleft} Unterbau her, so das gemeinsame Credo der hier versammelten AutorInnen, l{\"a}sst sich das t{\"a}glich zunehmende globale Ungleichgewicht kritisch in den Blick nehmen.},
	keywords = {Adrian Piper {\textendash} The Probable Trust Registry: The Rules of the Game $\#$1{\textendash}3, ALBREcHt/d., Alexander Kluge {\textendash} Pluriversum, Angela Melitopoulos, Ed Atkins, Elke Marh{\"o}fer/Mikhail Lylov {\textendash} Quantum Aufmerksamkeit, Fr{\'e}d{\'e}ric Pajak: Ungewisses Manifest 1{\textendash}2, God{\textquoteright}s Poems, HOPE, Jimmie Durham {\textendash} God{\textquoteright}s Children, K{\"u}nstliche Intelligenz, Magazin, Martin Beck {\textendash} rumors and murmurs, McKenzie Wark, New Scenario, Nicole Eisenman {\textendash} Dark Light, Oh... Jakob Lena Knebl und die mumok Sammlung, {\"O}kologie, Rudolf Weidenauer {\textendash} CIRCUMSTANZA, Shannon Ebner {\textendash} Stray, Skins, Stefan Panhans, S{\o}nke Gau: Institutionskritik als Methode, Technofuturismus, Timothy Morton, William Kentridge {\textendash} Thick Time, Yvonne P. Doderer: Gl{\"a}nzende St{\"a}dte, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9504191-7-7},
	url = {https://www.springerin.at/2017/4/},
	author = {Julia Gwendolyn Schneider and Ellen Wagner and Gislind Nabakowski and Christian H{\"o}ller and Ana Teixeira Pinto and Ines Doujak and Brian Holmes and Vera Tollmann and Matthew Fuller and Olga Goriunova and Pascal Jurt and Suely Rolnik and Suely Rolnik and Yvonne Volkart and J{\"o}rn Ebner and Gislind Nabakowski and Moritz Scheper and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christian Egger and Bettina Brunner and Johannes Porsch and Max L. Feldman and Yuki Higashino and Justin Hoffmann and Gabriele Hoffmann and Peter Kunitzky and Martin Reiterer},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {2198,
	title = {Kunstforum International 238/2016},
	series = {California Dreaming 1},
	volume = {238},
	year = {2016},
	note = {Z Kunstforum 238/2016
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {California Dreaming 1
Visionen aus einem pluralistischen Kosmos

Der amerikanische Traum verdichtet sich in Kalifornien zur Apotheose seiner selbst: Hollywood als Traumfabrik, die kalifornische Laisser-Faire-Haltung, die unertr{\"a}gliche Leichtigkeit des Seins, die Reichen, Sch{\"o}nen und Ber{\"u}hmten, die sich in der Metropole Los Angeles versammeln. Als US-amerikanischer Bundesstaat mit den besten klimatischen Voraussetzungen ist Kalifornien ein Klisch{\'e}e von einem Land, zu sch{\"o}n um wahr zu sein und zu oberfl{\"a}chlich {\textendash} denkt der Europ{\"a}er {\textendash}, als dass Menschen, K{\"u}nstler und K{\"u}nstlerinnen von den existenziellen H{\"a}rten des Lebens geschliffen sein k{\"o}nnten. New York wurde von jeher mit Europa assoziiert und Kalifornien wird von hier fast wie eine Enklave behandelt. Die beiden Themenb{\"a}nde California Dreaming zeigen auf: Kalifornien hat mehr zu bieten als die utopischen Tr{\"a}umereien, die wir aus dem Film kennen. Es stellt vielmehr ein Land dar, dessen Geschichte und Kunst immer noch nicht ausreichend erschlossen sind. Au{\ss}erdem machen viele Beitr{\"a}ge deutlich, dass sich die Kunst, Made in California, trotz zahlreicher ortsspezifischer Eigenheiten in einem Gef{\"u}ge globaler Entwicklungen bewegt.
},
	keywords = {21. Jahrhundert, Anri Sala, Anselm Kiefer, Connie Butler, experimentelles Kino, Kalifornien, Kunsthandwerk, Manuel Graf, Mischa Kuball, Nezaket Ekici, Pae White, Paul Schimmel, Philipp Kaiser, Robert Irwin, Stefan Bohnenberger, Walton Ford, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg. and Angela Stief and Oliver Zybok and Stefan Grissemann and Thomas Mie{\ss}gang and Florian Waldvogel and Angela Stief and Andreas Reiter Raabe and Michael H{\"u}bl and Heinz-Norbert Jocks and Emmanuel Mir and Fabian Stech and Heinz Sch{\"u}tz and Annelie Pohlen and Ronald Berg}
}
@book {2253,
	title = {Kunstforum International 239/2016},
	series = {California Dreaming 2 },
	volume = {239},
	year = {2016},
	note = {Z Kunstforum 239/2016},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {California Dreaming 2 
Die Beat Generation und ihr Einfluss auf die Kunst

Wie formiert sich Kreativit{\"a}t? Wo liegen die Quellen kultureller Str{\"o}mungen? Wann immer derartige Fragen auftauchen, entstehen Legenden, meist von und {\"u}ber Menschen, die als geniale Einzelk{\"a}mpfer in neue, herausfordernde Territorien vorsto{\ss}en. Nicht selten treffen Gleichgesinnte aufeinander und das Ph{\"a}nomen einer Gegenkultur nimmt Gestalt an. Die Beat Generation mit ihren Hauptprotagonisten William S. Burroughs, Allen Ginsberg und Jack Kerouac erscheint in diesem Kontext als eine Art kollektives Gesamtkunstwerk, angetrieben von einer uners{\"a}ttlichen Gier nach Grenzerfahrungen. Sie haben in den 1940er- und 1950er-Jahren in einer Atmosph{\"a}re der Angst in der McCarthy-{\"A}ra zum freiheitlichen Gegenschlag ausgeholt und dabei nicht nur ihre, sondern auch darauffolgende Generationen ma{\ss}geblich beeinflusst. {\"U}ber die Hippie-Bewegung, mit der f{\"u}r sie charakteristischen psychedelischen Kultur, bis zur heutigen, sehr inhomogenen kalifornischen Kunstszene, die ihr ungeheures kreatives Potential mit eigenst{\"a}ndigen K{\"u}nstlerpers{\"o}nlichkeiten weltweiten Rufs belegt. {\quotedblbase}California Dreaming II - Die Beat Generation und ihr Einfluss auf die Kunst{\textquotedblleft} schl{\"a}gt den Bogen von den 1940er-Jahren bis heute, sp{\"u}rt den Urspr{\"u}ngen nach, l{\"a}sst aber auch die Qualit{\"a}t der Kreativit{\"a}t sp{\"u}ren, die im Kalifornien der 2020er-Jahren verwurzelt ist.},
	keywords = {21. Jahrhundert, Alan Johnston, Avantgarde, J{\"o}rg Mandernach, Li Jin, Los Angeles, Mark Dion, Matt Mullican, Monika Bartholome, Monika Brandmeier, Monika Grzymala, Raymond Pettibon, Rebecca Salter, Rik de Boe, Simon Schubert, Sterling Ruby, Tom Kummer, Vija Celmins, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	author = {Dieter Bechtloff Hg. and Angela Stief and Oliver Zybok and Thomas Mie{\ss}gang and Florian Waldvogel and Matthias B{\"o}ttger and Robert Storr and Stefan Bidner and Reinhard Ermen}
}
@book {2410,
	title = {Kunstforum International 240/2016},
	series = {Get invoved!},
	volume = {240},
	year = {2016},
	note = {Z Kunstforum 240/2016
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {Get invoved!

{\quotedblbase}Get involved! Partizipation als k{\"u}nstlerische Strategie{\textquotedblleft} stellt sich einem hochaktuellen und umstrittenen Thema. L{\"a}ngst setzen das Web 2.0 und neoliberale wie alternative Wirtschaftsformen erfolgreich auf Partizipation, sind Forderungen nach direkter politischer Teilhabe im rechten wie linken Mainstream angekommen. Und was macht die Kunst? Auch sie setzt auf aktive Mitwirkung des Publikums. Wie der vorliegende Band zeigt, hat sie Partizipation als k{\"u}nstlerische Strategie schon seit den Anf{\"a}ngen der Moderne und mit Nachdruck in den Neoavantgarden der 1960er-Jahre auf ihre Fahnen geschrieben. Bis heute wurde im Anschluss und dagegen eine un{\"u}bersehbare Zahl an unterschiedlichen partizipatorischen Ans{\"a}tzen und Formaten hervorgebracht. Vierzehn Autoren, K{\"u}nstler und Kuratoren machen sich daher an eine vorl{\"a}ufige Bestandsaufnahme, die versucht, unter dem Horizont eines neuen systematischen Ansatzes, der die Partizipation in ihre Modi der Kollaboration, Kooperation und Interaktion auff{\"a}chert, die F{\"u}lle partizipatorischer Kunst an ausgew{\"a}hlten Beispielen zur Diskussion zu stellen: {\quotedblbase}Get involved!{\textquotedblleft}},
	keywords = {21. Jahrhundert, Algorithmus, Amelie Deuflhard, Beziehungen, Christian Falsnaes, David Claerbout, Eva K{\"o}nnemann, Georg Klein, Giovanni Carmine, Heidi Specker, Heike Ruschmeyer, Jan Holthoff, Julian R{\"o}der, Marketing, Mathilde ter Heijne, Partizipation, Reenactment, Ulf Aminde, USA, Wahlkampf, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg. and Max Glauner and Christian Kupke and Christoph Asendorf and Inke Arns and Sabine Sanio and Raimar Stange and Holger Kube Ventura and Mira Sack and Michael H{\"u}bl and Emmanuel Mir and Sven Dr{\"u}hl and Heinz Sch{\"u}tz and Thomas W. Kuhn}
}
@book {3052,
	title = {Kunstforum International 241/2016},
	series = {K{\"u}nstler als Kuratoren},
	volume = {241},
	year = {2016},
	note = {Z Kunstforum 241/2016
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {K{\"u}nstler als Kuratoren
Manifesta 11 und 9. Berlin Biennale

Der vor Jahren bereits eingel{\"a}utete Trend zum K{\"u}nstlerkurator scheint in eine hei{\ss}e Phase eingetreten zu sein. Sowohl die Manifesta in Z{\"u}rich als auch die Berlin Biennale k{\"u}rten K{\"u}nstler zu Meisterregisseuren ihrer j{\"u}ngsten Ausgabe. In Z{\"u}rich hat der international renommierte K{\"u}nstler Christian Jankowski die Manifesta mit seiner Perspektive beseelt, w{\"a}hrend man in Berlin das so interdisziplin{\"a}r arbeitende wie international vernetzte Kollektiv DIS aus New York kommen lie{\ss}. Von ihren Pr{\"a}missen k{\"o}nnten die beiden Gro{\ss}veranstaltungen in Z{\"u}rich und Berlin kaum unterschiedlicher sein: W{\"a}hrend die Manifesta als durch Europa vagabundierende Biennale sowieso eine Ausnahmeerscheinung ist, die sich alle zwei Jahre auf ein anderes Land einl{\"a}sst und die {\"U}berwindung von Trennlinien zum Ziel hat, ist die Berlin Biennale stets mit dem besonderen Charakter ihrer Stadt verbunden, in der sie sich jedes Mal neu erfindet. KUNSTFORUM International wirft mit diesem Themenband einen analytischen Blick darauf, was die die j{\"u}ngste Manifesta und die Berlin Biennale ausmachen. Wie immer bei Gro{\ss}ausstellungen, die internationale Bedeutung haben, schafft KUNSTFORUM in kommentierten, systematischen Fotorundg{\"a}ngen, in exklusiven Interviews mit den Kuratoren (Jankowski und DIS) und Organisatoren (Hedwig Fijen und Gabriele Horn) und zahlreichen K{\"u}nstlern (z.B. C{\'e}cile B. Evans, Simon Fujiwara, Anne de Vries, Wu Tsang, F.E. Walther), begleitenden Texten, Kommentaren und Wahrnehmungshilfen die Ausstellungen nahezu komplett zu dokumentieren und kontrovers zu diskutieren.},
	keywords = {15. Architektur Biennale Venedig, 21. Jahrhundert, 9. Berlin-Biennale, Akademie der K{\"u}nste, Andrea Eva Gy{\"o}rz, Anne de Vries, Asl{\i} {\c C}avu{\c s}o{\u g}lu, Boris Gusic, Carles Congost, Ceal Floyer, C{\'e}cile B. Evans, Christian Jankowski, Christopher Kulendran Thomas, Evgeny Antufiev, Fermin Jimenez Landa, Franz Erhard Walther, Gabriele Horn, Georgia Sagri, Guillaume Bijl, Hedwig Fijen, Institute for Contemporary Art, Jennifer Tee, Jiri Thyn, John Arnold, Jon Kessler, Jon Rafman, Jorinde Voigt, Leigh Leidare, Marco Schmitt, Marguerite Humeau, Mario Garcia Torres, Maty{\~a}s Chochola, Maurizio Cattelan, Michel Houellebecq, Mike Bouchet, Pablo Helguera, Santiago Sierra, Shelly Nadashi, Simon Fujiwara, Teresa Margolles, Torbjorn Rodland, Una Szeemann, Wu Tsang, Yin Xunzhi, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg. and Heinz-Norbert Jocks and Max Glauner and Michael H{\"u}bl and Sabine B. Vogel and Renate Puvogel and Ingo Arend and Susanne Boecker and Martin Seidel}
}
@book {2411,
	title = {Kunstforum International 242/2016},
	series = {Postdigital 1},
	volume = {242},
	year = {2016},
	note = {Z Kunstforum 242/2016
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {Postdigital 1
Allgegenwart und Unsichtbarkeit eines Ph{\"a}nomens

Unser Alltag ist derart von digitalen Technologien durchdrungen, dass diese musterg{\"u}ltig, ja geradezu banal geworden sind. Das Digitale schreibt sich in nahezu alle Lebensbereiche ein und wir k{\"o}nnen keinen Zustand vor dem Digitalen mehr denken. Dementsprechend lautet einer der Ansatzpunkte dieses KUNSTFORUM Themenbandes Postdigital 1, das digitale Technologien auf inhaltlicher, formaler und materieller Ebene Auswirkungen auf das zeitgen{\"o}ssische Kunstschaffen haben und jegliche k{\"u}nstlerische Produktions-, Rezeptions- und Distributionsvorg{\"a}nge mitgestalten. Das Digitale ist gleichzeitig allgegenw{\"a}rtig wie unsichtbar, ein Widerspruch, der als postdigitaler Zustand beschrieben wird und der eine detaillierte Betrachtung dieses Ph{\"a}nomens geradezu herausfordert.},
	keywords = {21. Jahrhundert, Christo, Cristina Barroso, Heinrich Dunst, Hito Steyerl, Ignacio Uriarte, Mike Meir{\'e}, Rita McBride, Roland Schappert, R{\'o}zsa Farkas, Stefan Thiel, Via Lewandowsky, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg. and Franz Thalmair and Florian Cramer and Katja Kwastek and Kolja Reichert and Clemens Apprich and J{\"u}rgen Raap and Heinz-Norbert Jocks and Annelie Pohlen and Jens R{\"o}nnau and Michael Nungesser and Emmanuel Mir and Thomas W. Kuhn}
}
@book {2412,
	title = {Kunstforum International 243/2016},
	series = {Postdigital 2 },
	volume = {243},
	year = {2016},
	note = {Z Kunstforum 243/2016
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {Postdigital 2 
Erscheinungsformen und Ausbreitung eines Ph{\"a}nomens

Jahrhunderte lang arbeiteten K{\"u}nstler im Auftrag von P{\"a}psten, K{\"o}nigen und Aristokraten. Mit der Moderne erschlossen sie sich einen b{\"u}rgerlichen Kunstmarkt und beendeten diese Abh{\"a}ngigkeiten. Sp{\"a}testens seit der Jahrtausendwende aber ist eine neue Auftragskunst zu beobachten: Immer mehr Unternehmen beauftragen K{\"u}nstler, ortsspezifisch oder mit ihren Produkten, ihrem Logo oder unter ihrem Namen Werke zu schaffen. Die Kunst dient dabei als Klebstoff, als Verbindungsmittel zur Gesellschaft, zu Kunden, zu Mitarbeitern, zum Publikum. In {\quotedblbase}Die neue Auftragskunst{\textquotedblleft} werden Unternehmer, Kuratoren, Sammler, Galeristen und K{\"u}nstler interviewt, um die Notwendigkeit von Kompromissen zu er{\"o}rtern und die Scheu vor dem Begriff zu thematisieren. Neben einem konzentriert, historischen R{\"u}ckblick, wird anhand einer gro{\ss}en Auswahl an Beispielen von Unternehmen aus der Modebranche, dem Bank- und Immobiliensektor, der Autobranche, der Kirche, dem {\"o}ffentlichen Raum und Institutionen, Einblick in die massiv zunehmende Produktion von Auftragskunst gegeben und die Kritik an der neuen Situation zur Debatte gestellt. },
	keywords = {21. Jahrhundert, Agnes Fuchs, Emma Talbot, Ersch{\"o}pfung, Familie, G{\"u}ls{\"u}n Karamustafa, Jesse McLean, Jonas Lund, Tradition, Vater, William Kentridge, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg. and Franz Thalmair and Josephine Bosma and Alessandro Ludovico and Christian H{\"o}ller and Kenneth Goldsmith and Hans Ulrich Reck and Michael H{\"u}bl and Magdalena Kr{\"o}ner and Michael Hauffen and Heinz-Norbert Jocks}
}
@book {2492,
	title = {Kunstforum International 244/2016},
	series = {Die neue Auftragskunst. Ende der Autonomie?},
	volume = {244},
	year = {2016},
	note = {Z Kunstforum 244/2016},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {Die neue Auftragskunst
Ende der Autonomie?

Jahrhunderte lang arbeiteten K{\"u}nstler im Auftrag von P{\"a}psten, K{\"o}nigen und Aristokraten. Mit der Moderne erschlossen sie sich einen b{\"u}rgerlichen Kunstmarkt und beendeten diese Abh{\"a}ngigkeiten. Ihr Glaube an eine Autonomie der Kunst lie{\ss} Auftr{\"a}ge weit in den Hintergrund r{\"u}cken. Mit dem Ende des 20. Jahrhunderts {\"a}ndert sich diese Situation, sp{\"a}testens seit der Jahrtausendwende ist eine neue Auftragskunst zu beobachten: Immer mehr Unternehmen beauftragen K{\"u}nstler, ortsspezifisch oder mit ihren Produkten, ihrem Logo oder unter ihrem Namen Werke zu schaffen. Die Kunst dient dabei als Klebstoff, als Verbindungsmittel zur Gesellschaft, zu Kunden, zu Mitarbeitern, zum Publikum. In diesem Band {\quotedblbase}Die neue Auftragskunst{\textquotedblleft} werden Unternehmer, Kuratoren, Sammler, Galeristen und K{\"u}nstler interviewt, um die Notwendigkeit von Kompromissen zu er{\"o}rtern und die Scheu vor dem Begriff zu thematisieren. Neben einem konzentriert, historischen R{\"u}ckblick, wird anhand einer gro{\ss}en Auswahl an Beispielen von Unternehmen aus der Modebranche, dem Bank- und Immobiliensektor, der Autobranche, der Kirche, dem {\"o}ffentlichen Raum und Institutionen, Einblick in die massiv zunehmende Produktion von Auftragskunst gegeben und die Kritik an der neuen Situation zur Debatte gestellt. },
	keywords = {21. Jahrhundert, Agnes Husslein-Arco, Anne Imhof, Brigitte Kowanz, Carlo Bach, Constantin Luser, Daniela Zyman, Diego Vel{\'a}zquez, Francesca Habsburg, Friedhelm H{\"u}tte, Goya, Heimo Zobernig, Jimmie Durham, Julian Heynen, Kader Attia, Kasper K{\"o}nig, Katharina Blaas, Katja A{\ss}mann, Lawrence Weiner, Martin Janda, Michael Braunsteiner, Miriam Cahn, Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, Richard Deacon, Sabine Haag, Sophie Goltz, Stefan Weppelmann, Stephan Berg, Stephan Huber, Tobias Rehberger, Wolfgang H{\"a}usler, Wolfgang Ullrich, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg. and Sabine B. Vogel and Brigitte Borchhardt-Birbaumer and Michael H{\"u}bl and Michael Stoeber and Dirk Schwarze and Heinz-Norbert Jocks and Jolanda Drexler and Jens R{\"o}nnau}
}
@book {3002,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 01/2016},
	series = {New Materialism},
	volume = {22},
	year = {2016},
	note = {Z Springerin 01/2016},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {New Materialism

Neue Materien, neuer Materialismus? Inwiefern lassen sich in der Kunst, die sich seit jeher mit Aspekten der Stofflichkeit und Objekthaftigkeit befasst, dezidiert {\quotedblbase}neomaterialistische{\textquotedblleft} Ans{\"a}tze ausmachen? Geht mit der fortw{\"a}hrenden Befragung des Objekthaften, des Status der spezifischen Gegenst{\"a}ndlichkeit von Kunst, auch eine theoretische Verschiebung einher?
Und wie lie{\ss}e sich diese Verschiebung beschreiben, selbst f{\"u}r den Fall, dass daraus kein neuer {\quotedblbase}Ismus{\textquotedblleft} ableitbar ist? Zumindest in der Theoriewelt war in den letzten Jahren eine verst{\"a}rkte Hinwendung zu solch neomaterialistischen, realistischen bzw. objektorientierten Ans{\"a}tzen zu beobachten.
Die Gr{\"u}nde daf{\"u}r m{\"o}gen vielf{\"a}ltig sein, ein gemeinsamer Ausgangspunkt liegt aber zweifellos darin, dass dem {\quotedblbase}Immateriellen{\textquotedblleft} (oder der {\quotedblbase}Entmaterialisierung{\textquotedblleft}), lange Zeit mit ein Hauptcharakteristikum (post-)konzeptueller Kunst, nicht mehr uneingeschr{\"a}nkt getraut wird. Vielfach wird dagegen argumentiert, dass kein auch noch so {\quotedblbase}immaterielles{\textquotedblleft} Ph{\"a}nomen ohne eine {\textendash} zumindest minimale {\textendash} materielle Basis auskommt.
Mehr noch: Gerade das Forcieren von konzeptuellen (oder semiotischen) Zusammenh{\"a}ngen w{\"u}rde im Gegenzug auch die Auspr{\"a}gung neuer materieller Verh{\"a}ltnisse bef{\"o}rdern, wie dies etwa die immer fl{\"a}chendeckendere Verbreitung des Semio- oder Infokapitalismus unter Beweis stellt.
All diesen neomaterialistischen, teils auch divergierenden Theorien ist zudem gemein, dass sie sich vom Paradigma des Linguistic Turn radikal zu verabschieden versuchen. Stellte diese historische Wende die h{\"o}chst legitime und notwendige Abkehr vom Materialismus alter Pr{\"a}gung dar, so scheint heute {\textendash} auch im Zuge des Inflation{\"a}rwerdens solcher {\quotedblbase}turns{\textquotedblleft} {\textendash} das Pendel wieder in die andere Richtung auszuschlagen.
Selbst im Bereich der Digitalkultur, Inbegriff eines auf Information und Zeichenhaftigkeit basierenden Felds, befasst man sich seit geraumer Zeit verst{\"a}rkt mit der Beschaffenheit {\quotedblbase}digitaler Materien{\textquotedblleft} bzw. der daraus resultierenden {\quotedblbase}neuen Materialit{\"a}t{\textquotedblleft}: einer umfassender gedachten, medialen Stofflichkeit, die diese Kultur als Ganzes charakterisieren soll; mehr zumindest als die bekannten Pr{\"a}dikate wie Fl{\"u}chtigkeit, Verfl{\"u}ssigung oder eben Immaterialit{\"a}t dies tun.
In dieser Ausgabe wird den Grundz{\"u}gen, dem Geltungsbereich und der Haltbarkeit solcher neomaterialistischer Neupositionierungsversuche nachgegangen. Ein weitl{\"a}ufigeres Bezugsfeld spannt beispielsweise Rosi Braidotti auf, die den Neomaterialismus immer schon als Teil des Posthumanimus ansieht. Letzterer bezeichnet ein {\"u}ber den {\quotedblbase}Anthropos{\textquotedblleft} {\textendash} sprich das menschliche Subjekt als alleinige Bezugsgr{\"o}{\ss}e {\textendash} hinausgehendes Denken, das auf die Gleichwertigkeit allen Lebens (Zoe) abzielt. Welche konkreteren politischen Implikationen sich daraus ableiten, kommt bei Braidotti ebenso zur Sprache wie die Schwierigkeiten, die sich der Umsetzung dieses Denkens angesichts der verbreiteten globalkapitalistischen Netzwerkideologie stellen.
Eine handfeste Auswirkung dieser Ideologie {\textendash} und welche {\quotedblbase}schmutzigen{\textquotedblleft} Materialit{\"a}ten diese hervorbringt {\textendash} untersucht Yvonne Volkart. Es geht dabei um den Abfall unserer Hightechkultur, der nicht einfach verschwindet, sondern meist auf monstr{\"o}sen Deponien in L{\"a}ndern, die man fr{\"u}her {\quotedblbase}Dritte Welt{\textquotedblleft} genannt hat, landet. Volkart f{\"u}hrt aus, inwiefern dieser Technom{\"u}ll nicht nur als Inbild neuer Materialit{\"a}t betrachtet werden kann, sondern durchaus auch als stoffliche Basis f{\"u}r kritische Kunstprojekte taugt. Dass der solcherart verstandenen Objektwelt stets auch eine spezifische Widerst{\"a}ndigkeit und Hartn{\"a}ckigkeit eignet, ist der
Ausgangspunkt von Marina Vishmidts theoretischen {\"U}berlegungen.
Vishmidt sieht den neuen Materialismus vor allem darin Kontur annehmen, dass die {\"A}sthetik der Nicht-Identit{\"a}t (wie man sie von Adorno her kennt) auf spekulativere, auch {\quotedblbase}relationale{\textquotedblleft} Materien miteinbeziehende Zusammenh{\"a}nge ausgeweitet wird. Etwas, das sie in der performativ filmischen Kunst von Grace Schwindt idealtypisch am Werk sieht.
Derlei Neufokussierung auf Materialfragen und Stofflichkeitsaspekte kommt in vielerlei Beitr{\"a}gen dieser Ausgabe zur Sprache (so etwa auch im Hinblick auf die Kunstpraktiken von Simon Denny oder Kerstin Br{\"a}tsch \& Debo Eilers). Eine Reihe von theoretischen Interventionen bzw. Einspr{\"u}chen{\textquotedblleft} gegen{\"u}ber vorherrschenden Theorieans{\"a}tzen rundet dieses Spektrum ab. Gegen die Vereinnahmung des Spekulativen Realismus durch einen scheint{\textquoteright}s hegemonialen Neomaterialismus macht sich Suhail Malik prophylaktisch stark. Joshua Simon und Gerald Raunig dagegen versuchen, ein Denken des {\quotedblbase}Dividuums{\textquotedblleft} (im Gegensatz zum modern-neuzeitlichen Individuum) angesichts gegenw{\"a}rtiger {\"o}konomischer bzw. marktkapitalistischer Verh{\"a}ltnisse voranzutreiben. Lev Manovich schlie{\ss}lich lokalisiert die heutige Kulturindustrie vorrangig in Datenstr{\"o}men und deren Zirkulation {\textendash} eine neue Form von Materialit{\"a}t, der, so Manovichs provokante These, nur durch eine m{\"o}glichst ideologieneutrale Medienanalytik beizukommen ist.
Eine Br{\"u}cke zu aktuellen Entwicklungen in Sachen Migrations- und Fl{\"u}chtlingsbewegungen schl{\"a}gt Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel. Seine Bestandsaufnahme vielf{\"a}ltigster Kunstprojekte, die sich dieser Thematik widmen, l{\"a}uft unter anderem auf die Einsicht hinaus, dass hier auch neue, teils noch ungedachte K{\"o}rpermaterialit{\"a}ten mit auf dem Spiel stehen.
Von verschiedenen Seiten her widmen sich die Beitr{\"a}ge dieser Ausgabe einem gemeinsamen, uns wohl noch l{\"a}nger besch{\"a}ftigenden Fragenkomplex: inwiefern idealistische, diskursive oder prim{\"a}r zeichenhafte Denkanteile in materialistisch ausgerichteten Ans{\"a}tzen jemals zur G{\"a}nze {\"u}berwindbar sind. Sie fragen aber auch, vielleicht noch spannender, inwiefern hier Kunst und Theorie neue, bislang unbekannte Koppelungen einzugehen in der Lage sind.},
	keywords = {Ade Darmawan {\textendash} Magic Center, Andrea Bo{\v z}i{\'c} und Julia Willms | TILT, Anna K.E. {\textendash} Teen Factory, Context is Half the Work, Debo Eilers, Der wunde Punkt, {\'E}loi, Fl{\"u}chtlingsdebatte, Frankfurter Biennale, Franz Wanner {\textendash} Dual-Use, Hans-Christian Dany, Jenseits des Spiegels, J{\'o}zef Robakowski {\textendash} Energetic Reel, KAYA V, Kerstin Br{\"a}tsch, Magazin, Materialismus, Neomaterialismus, Posthumanismus, Resistance Performed, Schneller als die Sonne, Social Glitch, Susanne von Falkenhausen, Thomas Edlinger, to expose; to show; to demonstrate; to inform; to offer, Toni Schmale {\textendash} Superego, Younn Locard/Florent Grouazel, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9503646-9-9},
	url = {https://www.springerin.at/2016/1/},
	author = {Julia Gwendolyn Schneider and Christian H{\"o}ller and Eugen El and Franz Thalmair and Gerald Raunig and Rosi Braidotti and Yvonne Volkart and Marina Vishmidt and Joshua Simon and Lev Manovich and Suhail Malik and Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Manfred Hermes and J{\"o}rn Ebner and Gabriele Hoffmann and Michael Hauffen and Devi Dumbadze and {\L}ukasz Mojsak and Christa Benzer and Holger Kube Ventura and Carola Platzek and Yvonne Volkart and Pascal Jurt and Peter Kunitzky and Gislind Nabakowski and Martin Reiterer},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {3001,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2016},
	series = {Parallax Views},
	volume = {22},
	year = {2016},
	note = {Z Springerin 02/2016},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Parallax Views

Gut 25 Jahre ist es her, dass die Kategorien {\quotedblbase}West{\textquotedblleft} und {\quotedblbase}Ost{\textquotedblleft} eine entscheidende Verschiebung erfahren haben. Fast ebenso lange w{\"a}hrt der Prozess, das enge und bevormundende Begriffskorsett sogenannter {\quotedblbase}Ostkunst{\textquotedblleft} oder schlimmer noch: {\quotedblbase}Kunst aus dem ehemaligen Ostblock{\textquotedblleft} zu {\"u}berwinden. Die Schwierigkeit, {\"u}ber ein Vierteljahrhundert nach dem Fall des Eisernen Vorhangs immer noch nach ad{\"a}quaten Begrifflichkeiten f{\"u}r die k{\"u}nstlerische Produktion aus dieser Region suchen zu m{\"u}ssen, ist vielsagend. Ist doch auch die geografische Umschreibung {\quotedblbase}Kunst aus Osteuropa{\textquotedblleft} nicht mehr als ein Hilfskonstrukt, das die tiefere Problematik {\textendash} n{\"a}mlich einen definitiven Ort daf{\"u}r im Kanon der Gegenwartskunst sicherzustellen {\textendash} mehr {\"u}berdeckt, als dass es zu einer tats{\"a}chlichen Erhellung beitragen w{\"u}rde.
In Kooperation mit Kontakt {\textendash} Die Kunstsammlung der Erste Group und ERSTE Stiftung, deren Schwerpunkt auf ebendiesem Bereich liegt, wirft die Fr{\"u}hjahrsausgabe einen neuen Blick auf die eben skizzierte Problematik. Nachgegangen wird dabei den sich wandelnden Parametern diverser Sichtweisen auf die Kunst aus diesem Bereich {\textendash} egal ob diese prim{\"a}r historisch ({\quotedblbase}dem ehemaligen Ostblock zugeh{\"o}rig{\textquotedblleft}), ideologisch ({\quotedblbase}postkommunistisch{\textquotedblleft}) oder geografisch ({\quotedblbase}aus Osteuropa stammend{\textquotedblleft}) bestimmt ist. Wie immer die treffende Terminologie letztlich aussehen mag, geht es hier zentral um Fragestellungen, die ihrerseits einer zufriedenstellenden Beantwortung harren: Welche neuen Narrative sind seit 1989 an die Stelle des alten West-Ost-Paradigmas getreten? Inwiefern hat der Ansatz einer globalen Kunstgeschichtsschreibung regionale Markierungen obsolet gemacht? Kann der vielfach beschworene Begriffsrahmen der (nicht prim{\"a}r regional markierten) {\quotedblbase}zeitgen{\"o}ssischen Kunst{\textquotedblleft} das Spezifische heutiger politgeografischer Verankerungen sinnvoll benennen? Und inwiefern beruhen derlei Verankerungen nicht selbst wieder auf vereinfachenden Zuordnungen?
Dieser Fragenkatalog wurde in zwei gemeinsam organisierten Veranstaltungen letzten Juli bzw. Januar von namhaften TheoretikerInnen und KunsthistorikerInnen er{\"o}rtert. Die Idee dabei war, eine Art {\quotedblbase}parallaktische{\textquotedblleft} Betrachtung anzuregen: nicht aus fixierten Einzelperspektiven den {\quotedblbase}Osten{\textquotedblleft} bzw. seine Kunst gleichsam statisch zu verorten, sondern mittels {\quotedblbase}doppelperspektivischer{\textquotedblleft} Sichtweisen Bewegung in festgefahrene Begriffskonstruktionen zu bringen. Die zu {\"o}ffentlichen Zwiegespr{\"a}chen geladenen BetrachterInnen sollten ihre Ausgangspunkte frei w{\"a}hlen bzw. im Lauf der Konversation auch ver{\"a}ndern k{\"o}nnen, wobei der Gegenstand ihrer Betrachtung {\textendash} die historische, ideologische und kunstgeografische Verortung des {\quotedblbase}Ostens{\textquotedblleft} {\textendash} selbst nicht unangetastet bleiben sollte. Indes war klar, dass derlei Verschiebung nicht einfach auf eine ersatzweise Eingliederung in das Paradigma der {\quotedblbase}globalen Kunst{\textquotedblleft} hinauslaufen sollte. Ebenso wenig sollte eine Reduktion auf den einen {\quotedblbase}Osten{\textquotedblleft}, die real existierende Pluralit{\"a}t au{\ss}er Acht lassend, stattfinden.
Die f{\"u}nf hier wiedergegebenen Gespr{\"a}che sind unterschiedlich fokussiert. So befassen sich Peter Osborne und Nata{\v s}a Ili{\'c} mit der gr{\"o}{\ss}eren geopolitischen Einbindung, innerhalb derer der {\quotedblbase}Osten{\textquotedblleft} bis heute kunst- und ausstellungspolitisch situiert ist. Ekaterina Degot und Cosmin Costina{\c s}, beide dem praktischen Ausstellungsmachen verpflichtet, fragen danach, welche operative Funktion eine positive Inanspruchnahme des {\quotedblbase}Ostens{\textquotedblleft} haben kann. Einen erhellenden Clash von Perspektiven bieten auch die Gespr{\"a}che zwischen Branislav Dimitrijevi{\'c} und Rasha Salti sowie zwischen Keti Chukhrov und Anthony Yung: Ersteres, indem an jene historische weltumfassende Solidarit{\"a}t erinnert wird, die sich einst zwischen osteurop{\"a}ischen L{\"a}ndern und Teilen der arabischen bzw. {\quotedblbase}dritten{\textquotedblleft} Welt entspann; Zweiteres, indem die bis heute nachwirkenden ideologischen Verm{\"a}chtnisse ihres (russischen bzw. chinesischen) Herkunftslands in all ihrer Inkoh{\"a}renz er{\"o}rtert werden.
Boris Buden und Marta Dziewa{\'n}ska schlie{\ss}lich setzen in ihrer parallaktischen Auseinandersetzung bei der sich wandelnden historischen Konstellation des {\quotedblbase}Ostens{\textquotedblleft} an und erw{\"a}gen, auf welche Weise sich Geschichte und Gegenwart produktiv aufeinander hin {\"o}ffnen lassen. Erg{\"a}nzt wird das Heft durch ein Interview mit den Doyens der tschechischen Gegenwartskunst, Jir{\'\i} {\v S}ev{\v c}{\'\i}k und Jana {\v S}ev{\v c}{\'\i}kov{\'a}, die ausgehend von ihrer eigenen Arbeit die praktische Dimension der {\quotedblbase}Ost{\"o}ffnung{\textquotedblleft} exemplarisch darlegen. Ein weiteres historisches Schlaglicht wird (visuell) auf die Performancearbeiten des rum{\"a}nischen K{\"u}nstlers Paul Neagu geworfen, dessen Werke so wie viele andere der in diesem Heft vertretenen K{\"u}nstlerInnen zum Grundstock der Kontakt Kunstsammlung z{\"a}hlen.
An dieser Stelle sei Kathrin Rhomberg, Walter Seidl, Julia Jachs, Hephzibah Druml und Karolina Radenkovi{\'c} von Kontakt herzlich gedankt, ohne deren Unterst{\"u}tzung und Mitarbeit das Heft in dieser Form nicht zustande gekommen w{\"a}re. Ein gemeinsames Ansinnen, das die Sammlung mit der Ausrichtung dieses Magazins verbindet, ist das st{\"a}ndige Befragen und Reflektieren, wie eine ad{\"a}quate, nicht ein f{\"u}r alle Mal festzuschreibende Konzeption des {\quotedblbase}Ostens{\textquotedblleft} beschaffen sein k{\"o}nnte. Eine Konzeption, die sich ihrer eigenen Vereinfachungen ebenso bewusst ist wie der immer wieder n{\"o}tigen, ja neu zu sch{\"a}rfenden Rekontextualisierungen.},
	keywords = {1966. The Year The Decade Exploded, Anna Witt {\textendash} Durch W{\"a}nde gehen, Claus Richter {\textendash} The Frankfurt Songbuch, Concerning Concrete Poetry, Constanze Ruhm {\textendash} Re. Rehearsals (No Such Thing As Repetition), Conzepte {\textendash} Neue Fassungen politischen Denkens, Die n{\"a}chste Revolution. Libert{\"a}rer Kommunalismus und die Zukunft der Linken, digitales Subjekt, Everything Must Go. Art and the Market, Forum Expanded {\textendash} Traversing the Phantasm, Henri Lefebvre, Jacques Tati, Jan-Peter E.R. Sonntag, Jon Savage, Julia Haller {\textendash} Smile from the Streets You Hold, Klangkunst, Klaus Ronneberger, K{\"u}nstliche Intelligenz, Magazin, Melanie Gilligan {\textendash} The Common Sense Substitution, Murray Bookchin, Osten als geopolitische Kategorie, Paul Neagu {\textendash} Performances, Peripherie und Ungleichzeitigkeit, Pier Paolo Pasolini, Rose English {\textendash} A Premonition of the Act, Schleifen. Zur Geschichte und {\"A}sthetik des Loops, Secret Surface {\textendash} Wo Sinn entsteht, Tilman Baumg{\"a}rtel, Vil{\'e}m Flusser, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9503646-9-9},
	url = {https://www.springerin.at/2016/2/},
	author = {Yvonne Volkart and Rahma Khazam and Alessandro Ludovico and Julia Gwendolyn Schneider and Matthew Fuller and Olga Goriunova and Nata{\v s}a Ili{\'c} and Peter Osborne and Alina Serban and Cosmin Costina{\c s} and Ekaterina Degot and Keti Chukhrov and Anthony Yung and Marta Dziewa{\'n}ska and Boris Buden and Terezie Nekvindov{\'a} and Vjera Borozan and Christian H{\"o}ller and Michael Hauffen and Christina T{\"o}pfer and Gislind Nabakowski and Sabine Weier and Gabriele Hoffmann and Angelika Bartl and Renate W{\"o}hrer and J{\"o}rn Ebner and Dietmar Schw{\"a}rzler and Yuki Higashino and Klaus Walter and Jens Kastner and Ruth Sonderegger and Jochen Becker and Thomas Edlinger},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {3000,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 03/2016},
	series = {Endlose Gegenwart?},
	volume = {22},
	year = {2016},
	note = {Z Springerin 03/2016},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Endlose Gegenwart?

Endlose Gegenwart? Was im ersten Moment unsinnig erscheinen mag {\textendash} wie soll sich das Hier und Jetzt endlos ausdehnen? {\textendash}, ist in den letzten Jahren immer h{\"a}ufiger als Zeitdiagnose zu vernehmen. Gemeinhin wird damit suggeriert, wir (im reichen Westen) seien in eine Art geschichtslosen Zustand eingetreten, in dem es in erster Linie darum geht, das Erreichte zu verteidigen. Alles dar{\"u}ber hinaus, etwa ein auf eine bessere Zukunft gerichtetes Emanzipationsbewusstsein, seien Hirn- gespinste der Vergangenheit, von denen man sich, so rasch es geht, verabschieden sollte.
Dabei wird die Idee eines unbegrenzten Jetzt an mehreren Fronten gen{\"a}hrt. In geschichtsphilosophischer Hinsicht etwa hei{\ss}t es, unser Bezugssystem aus Vergangenheit und Zukunft {\textendash} einst treibende Kraft jeglichen Geschichtsbewusstseins {\textendash} w{\"u}rde sich immer mehr im Anschein einer sich ausweitenden Gegenwart aufl{\"o}sen. {\quotedblbase}Dauernd jetzt{\textquotedblleft} oder ein final gewordenes {\quotedblbase}Be here now!{\textquotedblleft}, vor Jahrzehnten Antrieb einer nicht l{\"a}nger realit{\"a}tsverweigernden Ver{\"a}nderungsideologie {\textendash} all das habe sich heute ins Gegenteil eines alternativlosen Festsitzens verkehrt.
Eine tragende Rolle spielt dabei die immer l{\"u}ckenlosere Eingebundenheit in verschiedene Mediendispositive. Alle, die auf mehr oder weniger intensive Weise {\quotedblbase}connected{\textquotedblleft} sind (und wer ist das heute nicht?), machen diese Erfahrung: das Angeschlossensein an eine {\"u}berbordende, auf der Basis globaler Datenspeicherung sich st{\"a}ndig erweiternde Infosph{\"a}re {\textendash} ein Reich digitaler Omnipr{\"a}senz, in dem alles gleicherma{\ss}en gegenw{\"a}rtig wie zugleich auch fl{\"u}chtig ist. Ist alles ungehindert verf{\"u}gbar, sinken Wert und Bedeutung des solcherart Verf{\"u}gbaren drastisch. Sollte man zumindest den alten Wertgesetzen nach meinen. Dass die Dinge nicht so einfach liegen, l{\"a}sst der Blick auf diverse Netzkonjunkturen erkennen: Wertigkeiten steigern sich hier dadurch, dass etwas {\quotedblbase}virale{\textquotedblleft} Verbreitung findet oder automatisch angeklickt wird, ins schier Endlose. Zugleich scheinen Konstanz und Best{\"a}ndigkeit solch millionenfach {\quotedblbase}gepikter{\textquotedblleft} Inhalte oft br{\"u}chig und ausgeh{\"o}hlt, lauert doch der n{\"a}chste, noch mehr Aufmerksamkeit verlangende {\quotedblbase}Buzz{\textquotedblleft} meist nur einen Klick weiter. Grund genug, solche Paradoxien und Gegenl{\"a}ufigkeiten n{\"a}her in Augenschein zu nehmen und nach der genaueren Verhasstheit dieser scheint{\textquoteright}s endlosen, zugleich aber h{\"o}chst unbest{\"a}ndigen und fragmentierten Gegenwart zu fragen. So widmet sich etwa Karin Harrasser in ihrem Essay den Hintergr{\"u}nden und Faktoren, die zur Entstehung des {\quotedblbase}langen Jetzt{\textquotedblleft} bzw. dessen blendender Anmutung beigetragen haben.
Um inmitten einer vollger{\"a}umten Gegenwart Resten eines realit{\"a}ts- sensiblen Selbst nachzusp{\"u}ren, erinnert sie an Siegfried Krakauers Idee der {\quotedblbase}radikalen Langeweile{\textquotedblleft}. Vielleicht ist sie es, die uns erfahren oder ahnen l{\"a}sst, was in Zukunft einen Unterschied gemacht haben wird.
Jeff Derksen legt in seinem Beitrag gleichfalls das Augenmerk auf unkonventionelle zeitliche Konzepte. Der Idee einer linearen oder an einem bestimmten Punkt dieser Linie zum Stillstand gekommenen Geschichte h{\"a}lt er Formen alternativer, ja durchwegs verquerer und ungleicher Zeitlichkeiten entgegen {\textendash} Mittel, um der {\quotedblbase}Chrononormativit{\"a}t{\textquotedblleft} der Gegenwart, zu der auch die Propagierung eines geschichtslosen Endzustands geh{\"o}rt, entgegentreten zu k{\"o}nnen. St{\"a}rker auf die Gegenwartskunst und deren vermeintliches Auf-der-Stelle-Treten ausgerichtet sind die Beitr{\"a}ge von Hans-Christian Dany, Joshua Simon und S{\"u}reyyya Evren. Hans-Christian Dany sieht sich auf seiner literarischen Reise in der W{\"u}ste von Nevada mit der verschw{\"o}rerischen Idee konfrontiert, die zeitgen{\"o}ssische Kunst sei vor Jahrzehnten von der {\quotedblbase}School of Cologne{\textquotedblleft} gekapert worden. Lauter Stillstand oder stiller Sieg {\textendash} bei Dany werden beide Optionen inmitten einer sich verfl{\"u}chtigenden Gegenw{\"a}rtigkeit erwogen. Joshua Simon pl{\"a}diert indessen f{\"u}r eine Kunst der {\quotedblbase}Gegenspekulation{\textquotedblleft} als einzig probates Mittel, um der Kultur der Spekulation, welche die Gegenwart fest im Griff hat, Paroli bieten zu k{\"o}nnen. S{\"u}reyyya Evren schlie{\ss}lich geht vom Syndrom des {\quotedblbase}Eventhaften{\textquotedblleft}, das auch die Kunst voll erfasst hat, aus und fragt, auf welche Weise eine {\quotedblbase}De-Eventisierung{\textquotedblleft} der Kultur, die sich nicht im Stillen oder Ephemeren verliert, heute {\"u}berhaupt noch m{\"o}glich ist.
Erg{\"a}nzt wird diese Palette durch einen Roundtable {\"u}ber politisch orientierte, {\"u}ber das Kunstfeld im engeren Sinn hinausgehende Praktiken. Im Vergleich von vor 20 Jahren und heute kommen die politischen und sozialen Implikationen zur Sprache, die dem Befund vom Ende der Geschichte damals wie heute anhaften.
Wie l{\"a}sst sich, so eine der Kernfragen dieses Gespr{\"a}chs (aber auch des gesamten Hefts), ein Sinn f{\"u}r Endlichkeit und Differenz zur{\"u}ckgewinnen, der auch historisch produktiv sein k{\"o}nnte? Wie dem Anschein einer endlos nivellierenden Pr{\"a}senz von allem und jedem entgegenwirken, ohne der {\"u}bervollen Gegenwart blo{\ss} eine weitere Facette hinzuzuf{\"u}gen?},
	keywords = {Adidal Abou-Chamat {\textendash} Intersections, Ana Hoffner {\textendash} Exhausted Time, Architektur-Biennale 2016, Bewegungskontrolle, Bitters{\"u}{\ss}e Transformation, B{\"u}rokratie. Die Utopien der Regeln, Clemens Apprich, Die Kunst der Revolte. Snowdon; Assange; Manning, Dominique Gonzalez-Foerster, Europ{\"a}ische Geister {\textendash} die Pr{\"a}sentation von Kunst aus Afrika im zwanzigsten Jahrhundert, Geoffroy de Lagasnerie, Hippie Modernism. The Struggle for Utopia, John Akomfrah, Lawrence Abu Hamdan, Lebensmuster, Louis Henderson {\textendash} Kinesis, Magazin, Nerv{\"o}se Systeme, russischer Pavillon, Schriften zur Kunst, Self-Help Hotlines, {\"U}ber die Unm{\"o}glichkeit des Seins, Vernetzt. Zur Entstehung der Netzwerkgesellschaft, Zeichnungen, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9503646-9-9},
	url = {https://www.springerin.at/2016/3/},
	author = {Adam Harper and Julia Gwendolyn Schneider and Franz Thalmair and Anita Hafner and Krystian Woznicki and Karin Harrasser and Camille Henrot and Jeff Derksen and Jochen Becker and Stephan Dillemuth and Christian H{\"o}ller and Radostina Patulova and Jo Schmeiser and Hans-Christian Dany and Joshua Simon and S{\"u}reyyya Evren and Julie Mehretu and Sabine Maria Schmidt and Sabine Weier and Marlene Rigler and Monika Vykoukal and J{\"o}rn Ebner and Gabriele Hoffmann and Dierk Schmidt and Herwig G. H{\"o}ller and Christa Benzer and Dagmar Danko and Yuki Higashino and Peter Kunitzky and Gislind Nabakowski and Franz Thalmair},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {2999,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 04/2016},
	series = {Europe{\textquoteright}s Other},
	volume = {22},
	year = {2016},
	note = {Z Springerin 04/2016},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Europe{\textquoteright}s Other

Wohin steuert Europa? Welche inneren, welche {\"a}u{\ss}eren Barrieren stehen dem Prozess seiner Einigung entgegen? Wovon grenzt es sich, entgegen seinem eigenen Leitbild, zunehmend ab? Und was k{\"o}nnte seine grundlegende Einheit, abseits institutionell-b{\"u}rokratischer Regelwerke, ausmachen?
Fragen wie diese sind in den letzten Monaten h{\"a}ufig gestellt worden. Zugleich ist man einer zufriedenstellenden Beantwortung kaum einen Millimeter n{\"a}hergekommen. Auf der einen Seite die nach wie vor hochgehaltene Idee von der {\"u}bernationalen Union, dem alle ethnischen und regionalen Unterschiede {\"u}berw{\"o}lbenden Gemeinsamen; auf der anderen Seite der seit geraumer Zeit zu beobachtende Trend zur diskriminierenden, bisweilen offen rassistischen Renationalisierung. Keine {\"u}berstaatliche Universalisierung, ist man geneigt zu folgern, ohne dass zugleich eine auf das {\quotedblbase}Eigene{\textquotedblleft} und Vertraute setzende Partikularisierung ihr schreckliches Haupt erhebt. Wobei Letztere nicht blo{\ss} die immer fragw{\"u}rdigeren Nationskonstrukte erfasst, sondern bis tief in das politische Innere jedes einzelnen Mitgliedstaats vordringt. Dass sich der seit Jahrzehnten im Vormarsch befindliche Rechtspopulismus immer mehr auf gesamteurop{\"a}ischer Ebene, sprich supranational zu organisieren beginnt, ist aktuell eine der markantesten Paradoxien dieses unaufl{\"o}sbaren Konnexes.
Europa vergessen? Seinen Spaltungstendenzen mehr Aufmerksamkeit widmen? Es nicht nur nach au{\ss}en hin, sondern auch im Inneren mehr {\quotedblbase}provinzialisieren{\textquotedblleft}? All diese provokanten Vorschl{\"a}ge sind insofern nicht ganz von der Hand zu weisen, als sie {\textendash} gleichsam als dialektischer Schatten {\textendash} die Rede von der Einigung und Konsolidierung lange schon begleiten. Ihnen mehr Augenmerk zu schenken und sie nicht blo{\ss} als def{\"a}tistische Scharlatanerie abzutun w{\"a}re insofern w{\"u}nschenswert, als sie mit dazu beitragen k{\"o}nnten, der rechtspopulistischen Version von Europa ihr wahres Spiegelbild vorzuhalten. Ihr wollt ein Europa der grenzgesicherten, ethnisch segregierten Unterschiede? Wir zeigen euch, was es mit diesen Differenzen im gr{\"o}{\ss}eren Ma{\ss}stab auf sich hat und zu welch desastr{\"o}sem Szenario dies auf globaler Ebene gef{\"u}hrt hat. Ein Szenario im {\"U}brigen, bei dem die lange angenommene Vormachtstellung Europas, {\"u}ber alle inneren Differenzen hinweg, eine wichtige Rolle gespielt hat.
Ist Europa als Idee und Realit{\"a}t seit den j{\"u}ngsten Migrations- und Fl{\"u}chtlingsbewegungen einer neuen Bew{\"a}hrungsprobe ausgesetzt, so waren sein inneres Gef{\"u}ge und seine {\"a}u{\ss}ere Demarkation immer schon gr{\"o}{\ss}ten Spannungen ausgesetzt. Auch die Kritik, welche die Zentralit{\"a}t europ{\"a}isch-abendl{\"a}ndischer Werte im globalen Gef{\"u}ge anzweifelt, reicht historisch weit zur{\"u}ck. Ein Hauptaspekt betrifft dabei die Haltung Europas (welche Identit{\"a}t auch immer sich hinter dieser Bezeichnung verbergen mag) zu seinem {\quotedblbase}Anderem{\textquotedblleft}: dem, was au{\ss}erhalb seiner Grenzen liegt und so seine Einheit von den R{\"a}ndern her infrage stellt; aber auch dem, was im Inneren f{\"u}r ein best{\"a}ndiges Konfliktpotenzial sorgt und keine auf ewig befriedete, allumfassende Union zuzulassen scheint.
Die Beitr{\"a}ge dieser Ausgabe gehen diese Problematik nicht vom gro{\ss}en Ganzen, sondern von konkreten Fragestellungen her an. So fragt Susanne Lummerding in ihrem Essay, wer sich hinter dem rhetorischen {\quotedblbase}man{\textquotedblleft}, das im politischen Diskurs gerne als das Um und Auf der (in diesem Fall {\"o}sterreichischen und deutschen) Mehrheitsgesellschaft beschworen wird, tats{\"a}chlich verbirgt? Zieht sich eine unfruchtbare Innen-Au{\ss}en-Unterscheidung vielleicht sogar durch das Konstrukt der {\quotedblbase}Willkommenskultur{\textquotedblleft}, das implizit auf einer Spaltung in hilfsbereite {\quotedblbase}Hiesige{\textquotedblleft} und hilfsbed{\"u}rftige {\quotedblbase}Andere{\textquotedblleft} basiert. Wie l{\"a}sst sich diese ideell unabl{\"a}ssig vonstattengehende Grenzziehung {\"u}berwinden {\textendash} diese Frage debattieren auch Fatima El-Tayeb und Mark Terkessidis im Gespr{\"a}ch mit Pascal Jurt. Wie kann man einer Gesellschaft der Vielheit konstruktiv zuarbeiten, welche die wiederkehrenden Zyklen der {\quotedblbase}Rassifizierung{\textquotedblleft} der anderen ein f{\"u}r alle Mal {\"u}berwindet? Wie zu tragf{\"a}higen Koalitionen unter minorit{\"a}ren Gruppierungen gelangen, die der Vielheit Rechnung tragen und Unterschiede nicht vorschnell einem Einheitspostulat opfern?
Eine Art Selbstversuch, das Leid der anderen betreffend, hat Christian von Borries unternommen. Er war einige Zeit als Besatzungsmitglied eines Search-and-Rescue-Schiffs im Mittelmeer unterwegs und hat als unmittelbar Beteiligter das Prozedere rund um die Rettung von in Seenot geratenen Fl{\"u}chtlingsbooten miterlebt. Im Gespr{\"a}ch mit Alice Creischer und Andreas Siekmann kommen nicht nur die realen Umst{\"a}nde solcher Hilfsmissionen zur Sprache, sondern auch die bildpolitische Dimension dieser Unternehmungen bzw. der betreffenden Berichterstattung.
Dass in der Identifikation {\quotedblbase}Wir Fl{\"u}chtlinge{\textquotedblleft} oft auch ein verdr{\"a}ngtes Anderes mitschwingt, legt Suzana Milevska in ihrem Essay dar, der vor allem auch den nach wie vor in ganz Europa grassierenden Antiromaismus in Erinnerung ruft. Weitere Beitr{\"a}ge dieser Ausgabe befassen sich mit k{\"u}nstlerischen Reaktionen auf den Brexit (Marlene Riger) oder {\textendash} mehr ins Positive gewendet {\textendash} dem Versuch, die Idee einer {\quotedblbase}Post-Otherness{\textquotedblleft} im Kunstbereich fruchtbar zu machen (Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel {\"u}ber die vielf{\"a}ltigen Aktivit{\"a}ten von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung).
Jenseits der frustrierenden politischen Befunde versucht Europe{\textquoteright}s Other der aktuellen Konstellation Lichtblicke auf kultureller und k{\"u}nstlerischer Ebene abzugewinnen: Macht es Sinn, auf einen genuinen Sinn f{\"u}r oder Wert des Europ{\"a}ischen zu pochen? Wo w{\"u}rde dieses anfangen, wo w{\"u}rde es aufh{\"o}ren? Sollte man nicht vielmehr anfangen, das {\quotedblbase}Andere{\textquotedblleft} von Europa, das so h{\"a}ufig (positiv wie negativ) beschworen wird, als dessen integralen, immer schon vorhandenen und in ihm wirksamen Bestandteil zu betrachten?},
	keywords = {1517{\textendash}2016. Peace Treaty, Aaron Schuster: The Trouble with Pleasure: Deleuze and Psychoanalysis, Armin Medosch: New Tendencies, Art Orient{\'e} Objet Microbiota, Brexit, Christian von Borries, Citizenship, Definitionsmacht, Emergency Turned Upside-Down, Fatima El-Tayeb, Filip De Boeck, Giving Time to Time, Hostipitalit{\"a}t, Jimmy Robert Descendance du nu, Lo{\"\i}c Locatelli Kournwsky/Maximilien Le Roy: {\"U}berlebt! Chile 1973, Magazin, Manon de Boer, Maria Fusco: Master Rock, Marion von Osten, Mark Terkessidis, Mladen Stilinovic, Neue Galerie Graz, Peter Spillmann, Pink Labor on Golden Streets: Queer Art Practices, Post-Otherness, Richard Kriesche, Sammy Baloji, synthetischer Materialismus, Technopolitics, The People{\textquoteright}s Cinema, Urban Now: City Life in Congo, Viet Nam Discourse Stockholm, virtual reality, Wael Shawky, Whistleblower, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift, Zelko Wiener, Zwischen 0 und 1 {\textendash} Kunst im digitalen Umbruch},
	issn = {978-3-9503646-9-9},
	url = {https://www.springerin.at/2016/4/},
	author = {Vera Tollmann and Christian H{\"o}ller and Sabine Weier and Alessandro Ludovico and Sabine Maria Schmidt and Susanne Lummerding and Oliver Ressler and Pascal Jurt and Lisl Ponger and Alice Creischer and Andreas Siekmann and Suzana Milevska and Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Marlene Rigler and Georg Sch{\"o}llhammer and Gabriele Hoffmann and Moritz Scheper and Marlene Rigler and Dietmar Schw{\"a}rzler and Iris Dressler and Yuki Higashino and Jochen Becker and Bettina Brunner and Franz Thalmair and Ivana Bago and Thomas Raab and Martin Reiterer and Sabine Rohlf and Nicolas Siepen},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {3134,
	title = {Absencen. Beatrix Bakondy},
	year = {2015},
	note = {KM Bakondy 2015
},
	publisher = {De Gruyter},
	organization = {De Gruyter},
	abstract = {Absencen ist die umfassende Dokumentation der k{\"u}nstlerischen Arbeiten von Beatrix Bakondy. Ihr k{\"u}nstlerisches Werk wird bestimmt von der Auseinandersetzung mit dem Raum und den ihn konstituierenden Parametern. Das Ausloten, Vermessen und Abtasten der r{\"a}umlichen Koordinaten, gleich ob auf architektonischer, politischer oder sozialer Ebene, findet seinen facettenreichen Ausdruck in Zeichnungen, Objekten, Fotografien, Videos und raumgreifenden Interventionen.

Die Beziehung von K{\"o}rper und Raum, die Subjektbezogenheit r{\"a}umlicher Wahrnehmung und der damit einhergehende Zeitaspekt bilden das thematische Spektrum ihrer Arbeiten. Begleitet und kommentiert wird ihr Werk durch Beitr{\"a}ge von 23 Kulturschaffenden aus den Bereichen Bildende Kunst, Fotografie, Theater, Film, Tanz, Architektur und Philosophie.},
	keywords = {21. Jahrhundert, Beatrix Bakondy, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-11-043890-1},
	author = {Beatrix Bakondy and Christian Knechtl}
}
@book {2137,
	title = {Kunstforum International 231/2015},
	series = {Kunstverweigerungskunst 1},
	volume = {231},
	year = {2015},
	note = {Z Kunstforum 232/2015
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppicheroth },
	abstract = {Kunstverweigerungskunst 1 - Verweigerung als Sch{\"o}pferische Provokation

Ob auf der Karlsaue der letzten Documenta, auf der Whitney-Biennale in New York oder der Kunstbiennale Berlin {\textendash} allenthalben lassen sich Tendenzen aufsp{\"u}ren, die verschiedene Strategien der Verweigerung in den Mittelpunkt stellen. Die klassischen Gattungen von Tafelbild, Plastik, Videokunst und Fotografie sind l{\"a}ngst um Anordnungen und k{\"u}nstlerische Konfigurationen erweitert worden, die den Werkbegriff oder die Aussagekraft des einzelnen Objekts negieren und auf Kunst als soziale Bewegung setzen. Nicht selten als {\quotedblbase}Installationen{\textquotedblleft} tituliert, sind sie allerdings eher {\quotedblbase}Dokumentationen{\textquotedblleft} des aktivistischen Engagements der K{\"u}nstler und wirken vergleichsweise spr{\"o}de auf den Betrachter. Von diesem aktuellen Befund ausgehend werden unterschiedliche Formen einer {\quotedblbase}Kunstverweigerungskunst{\textquotedblleft} aufgesp{\"u}rt, die sich gegen das Werk selbst, gegen den Betrachter von Kunst oder gegen den Komplex von Markt, Gesellschaft und Politik richten. Verschiedene, teils konkurrierende Konzepte von Anti-Kunst, Nicht-Kunst und Kunstlosigkeit bedienen sich seit einem Jahrhundert der Formlosigkeit, der Ironie, der Zerst{\"o}rung und des {\"a}sthetischen Widerstandes, um konventionelle Grenzen zu {\"u}berschreiten. K{\"u}nstlerische Positionen, die auf die totale Verweigerung einer {\"a}sthetischen Erfahrung zielen, werden nicht zuletzt durch den Zweifel am darstellenden Charakter der Kunst gen{\"a}hrt.
},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {2138,
	title = {Kunstforum International 232/2015},
	series = {Kunstverweigerungskunst 2},
	volume = {232},
	year = {2015},
	note = {Z Kunstforum 232/2015
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {Kunstverweigerungskunst 2 
Das Kunstwerk verschwindet - Was bleibt?

Verweigerung als ultima ratio gegen{\"u}ber einer alles verschlingenden Kunst- und Kulturindustrie hat seit gut einem Jahrhundert vielgestaltige Formen angenommen. Die Auf- und Erl{\"o}sung des Kunstwerks in soziales Engagement, Konzept oder Theorie signalisiert den Ausstieg aus einer bestimmten Tradition des Bildgebrauchs. Da es vor allem Institutionen sind, die Bildbegriffe und Bildgebr{\"a}uche kanonisieren und instrumentalisieren, sind das Museum, die Galerie, die Kunstgeschichtsschreibung, die Kunstzeitschrift, die Politik zur Zielscheibe k{\"u}nstlerischer Abweisungen geworden. Der vorangegangene Band Kunstverweigerungskunst I: Verweigerung als sch{\"o}pferische Provokation ging k{\"u}nstlerischen Entfremdungstendenzen vom Dadaismus bis zur Gegenwart nach und zeigte, dass Kunst sich nicht vom Paradoxon l{\"o}sen kann, gerade jene Verweigerung {\"u}ber die Hintert{\"u}r wieder in ihren Kanon einzureihen. In der aktuellen Ausgabe geht es um Grenzbereiche k{\"u}nstlerischen Schaffens, um eine Kunst, die sich an den R{\"a}ndern ihrer hoch besetzten Zuschreibungen bewegt. Die Ann{\"a}herungen an die verschiedenen Formen der k{\"u}nstlerischen Ablehnung, Verwerfung und Entsagung f{\"u}hren k{\"u}nstlerische Positionen vor Augen, die in ihrer Differenz ein gemeinsames Interesse vereint: Kunst als ein Kr{\"a}ftefeld zu begreifen, das {\"u}ber seine symbol- und statusproduzierenden Eigenschaften hinauszugehen zu vermag.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {2139,
	title = {Kunstforum International 233/234/2015},
	series = {56. Biennale Venedig},
	volume = {233/234},
	year = {2015},
	note = {Z Kunstforum 233/234/2015
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {56. Biennale Venedig
All the World{\textquoteright}s Futures


Die 56. Biennale Venedig war und ist eine Herausforderung. Nicht nur die von Okwui Enwezor kuratierte Hauptausstellung {\quotedblbase}All the World{\textquoteright}s Futures{\textquotedblleft} mit ihren 136 K{\"u}nstlern, auch 89 nationale Pavillons sowie zumindest einige der 44 {\quotedblbase}Kollateralen Events{\textquotedblleft} gilt es zu bew{\"a}ltigen. F{\"u}r alle, die bereits da waren, bietet dieser KUNSTFORUM-Doppelband die M{\"o}glichkeit, das Chaos der Eindr{\"u}cke zu sortieren. F{\"u}r alle, die noch hinfahren wollen, sind das Heft und die erstmals realisierte App hilfreiche Wegbegleiter. Und diejenigen, die es nicht nach Venedig schaffen, erhalten hiermit die vollst{\"a}ndigste Dokumentation der internationalen Gro{\ss}ausstellung.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {2140,
	title = {Kunstforum International 236/2015},
	series = { Wendezeiten },
	volume = {236},
	year = {2015},
	note = {Z Kunstforum 236/2015
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {Wendezeit
Deutschland in der Kunst

{\quotedblbase}Nationen malen keine Bilder{\textquotedblleft}, schrieb Werner Hofmann 1999 in seiner Streitschrift Wie deutsch ist die deutsche Kunst?. Mit der Praxis k{\"u}nstlerischen Arbeitens haben nationale Zuschreibungen wenig zu tun. Schlie{\ss}lich befinden wir uns in einem postnationalen Zeitalter, in dem nationale Zugeh{\"o}rigkeiten und Fragestellungen in globalen Zusammenh{\"a}ngen aufgehen und Teil eines internationalen Geflechts sind. Dennoch ist jeder Mensch durch seine Herkunft, seine Sprache und sein Lebensumfeld politisch und kulturell sozialisiert. Das beeinflusst Denken und Handeln und wirkt sich nat{\"u}rlich auch auf die Kunstproduktion aus. Anl{\"a}sslich des 25-j{\"a}hrigen Jahrestags der deutschen Einheit stellt dieser Band exemplarisch K{\"u}nstler und Werke vor, die sich mit Deutschland auseinandersetzen. },
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {2141,
	title = {Kunstforum International 237/2015},
	series = {GLOBALE},
	volume = {237},
	year = {2015},
	note = {Z Kunstforum 237/2015
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {K{\"o}ln},
	abstract = {GLOBALE
GLOBALE Renaissance 2.0: Der Mensch als M{\"o}glichkeitswesen

KUNSTFORUM nimmt das 300 Tage dauernde Gro{\ss}ereignis des ZKM | Zentrum f{\"u}r Kunst und Medientechnologie, die GLOBALE in Karlsruhe zum Anlass, die gro{\ss}en Themen und entscheidenden Tendenzen des 21. Jahrhunderts zu dokumentieren: Globalisierung und Digitalisierung werden dort anhand der ausgestellten aktuellsten Kunstproduktionen an der Schnittstelle zur Naturwissenschaft in kommentierten Ausstellungsrundg{\"a}ngen, Essays und Interviews diskutiert. Sie werden dort k{\"u}nstlich geschaffene Mikroben sehen, die verschmutztes Wasser reinigen. Sie sehen, wie in nanotechnologischen Fabriken aus dem Feind CO2 der Freund gemacht wird, indem das Oxygen vom Kohlenstoff abgespalten und zur Erzeugung synthetischer Brennstoffe verwendet wird. Sie sehen Materiezust{\"a}nde, die sich den Erfordernissen des Menschen anpassen. Sie sehen, wie winzige Bewegungen eines Ohrs riesige Fl{\"u}gelapparate in Bewegung versetzen. Sie sehen L{\"o}sungen f{\"u}r die Probleme des 20. Jahrhunderts {\textendash} erschaffen von einer neuen Allianz zwischen Kunst und Wissenschaft, der Renaissance 2.0. In den beiden zentralen Ausstellungen der Infosph{\"a}re und der {\quotedblbase}Exo-Evolution{\textquotedblleft} treffen die Leitgedanken brennpunktartig zusammen: Was ZKM-Direktor Peter Weibel als {\quotedblbase}Confluence of Cultures{\textquotedblleft} bezeichnet, soll letztlich auf eine neue Definition des Menschen hinwirken, der sich nicht mehr als Mangelwesen, sondern dank seiner avancierten Technologien als M{\"o}glichkeitswesen begreift.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift, ZKM Karlsruhe},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {2793,
	title = {Robert Waldl. Random Recall. Zufall der Erinnerung},
	year = {2015},
	note = {AK 2018/31/II},
	publisher = {Sonderzahl Verlag},
	organization = {Sonderzahl Verlag},
	address = {Wien},
	keywords = {21. Jahrhundert, Fotografie, K{\"u}nstlermonographie, {\"O}sterreich, Portraitfotografie, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-85449-436-2},
	author = {Kussing, Thomas}
}
@book {3005,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 01/2015},
	series = {Kritische Netzpraxis},
	volume = {21},
	year = {2015},
	note = {Z Springerin 01/2015},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Kritische Netzpraxis

Seit gut 20 Jahren {\textendash} solange es diese Zeitschrift gibt {\textendash} wird ein kritischer Diskurs {\"u}ber neue Informationstechnologien gef{\"u}hrt. Viertelj{\"a}hrlich versuchen wir auf den Seiten des Netzteils, Beitr{\"a}ge und Ausblicke dieses Diskurses zu pr{\"a}sentieren bzw. Akzente zu setzen. Dabei hat sich der Fokus vom engeren Bezug auf das Internet und das World Wide Web, zur Zeit der Magazingr{\"u}ndung beides noch absolute Novit{\"a}ten, hin zu allgemeineren Mediendispositiven der Gegenwart und deren Rolle f{\"u}r die Kunst erweitert. Ein zentraler Aspekt ist dabei nach wie vor der Netzwerkgedanke, allerdings hat sich dieser innerhalb einzelner Mediensph{\"a}ren vielf{\"a}ltigst aufzuf{\"a}chern begonnen {\textendash} eine Bewegung, der wir im Netzteil m{\"o}glichst umsichtig und differenziert zu folgen versuchen.
Der Diskurs {\"u}ber kritische Netzpraktiken wird seit Langem von einer Vielzahl von Instanzen und {\textendash} anfangs oft {\quotedblbase}illegitimen{\textquotedblleft}, ja au{\ss}erinstitutionellen {\textendash} Akteuren gef{\"u}hrt. Eine der wichtigsten Vermittlungsplattformen, etwa zeitgleich mit der springerin entstanden, ist das Institut f{\"u}r neue Kulturtechnologien (Public Netbase {\textendash} t0), sp{\"a}ter umbenannt in World-Information Institute (http://world-information.net). Nachdem sich dessen Gr{\"u}ndung k{\"u}rzlich zum 20. Mal j{\"a}hrte, wollen wir in dieser gemeinsam konzipierten Ausgabe die wichtigsten Stationen und Entwicklungslinien des anhaltenden Netzdiskurses aufrollen.
Die grundlegenden Fragen, von denen diese Kooperation geleitet ist, sind schnell benannt: Inwiefern sind im Internet, inzwischen zu einer allt{\"a}glichen Lebensrealit{\"a}t geworden, noch Inseln {\quotedblbase}tempor{\"a}rer Autonomie{\textquotedblleft} zu finden? Inwiefern haben sich demgegen{\"u}ber die dunkelsten Kontroll- und {\"U}berwachungsdystopien, vor denen lange gewarnt wurde, durchgesetzt? Wie haben digitale Vernetzung und Modellierung insgesamt das soziale Leben zu transformieren begonnen? Welche neuen Informationsregime sind darin am Werk? Und welche kritische Rolle k{\"o}nnen Kunst- und Kulturschaffende, einst VorreiterInnen bei der Besiedlung digitaler Welten, heute diesbez{\"u}glich spielen?
Thematisch geht es zun{\"a}chst um den {\quotedblbase}Einsatz{\textquotedblleft} der Vernetzung {\textendash} nicht nur im Sinn des historischen Beginns, sondern auch im Hinblick darauf, was im Zuge dieser Aktivit{\"a}t auf dem Spiel steht und wovon sie heute am st{\"a}rksten gef{\"a}hrdet wird. Konrad Becker und Felix Stalder, denen als Proponenten des World-Information Institute f{\"u}r die Zusammenarbeit herzlichst gedankt sei, lassen gemeinsam mit den Vertreterinnen eines {\quotedblbase}Partnermediums{\textquotedblleft} die Entwicklung seit Mitte der 1990er-Jahre Revue passieren: Pauline van Mourik Broekman und Josephine Berry Slater, beide aus dem Umfeld des englischen Magazins Mute, rekapitulieren zusammen mit Becker und Stalder ihre Erfahrungen bzw. jenen Gr{\"u}ndergeist, der vor 20 Jahren Plattformen wie die Public Netbase in Wien oder Metamute in London aus dem Boden sprie{\ss}en lie{\ss}. Der Gespr{\"a}chsbogen spannt sich bis herauf in die Gegenwart bzw. zur Frage, wie sich dezidiert kritische Ansinnen in der Netzpraxis heute noch behaupten k{\"o}nnen, ja welche Praxisformen einer durch und durch vernetzten Gegenwart angemessen sind.
Graham Harwood von der K{\"u}nstlerInnengruppe YoHa sendet diesbez{\"u}glich einen pointierten Warnruf aus. In der sogenannten {\quotedblbase}agentenbasierten Modellierung{\textquotedblleft}, einer Netzwerktechnik, wie sie von der Stadtplanung bis hin zum Internethandel Verwendung findet, sieht er eine zutiefst perfide Kontrollvorrichtung am Werk, die den Subjekten in Wirklichkeit immer weniger Handlungsspielraum l{\"a}sst. Ist die unausweichliche Konsequenz davon ein paralyse{\"a}hnlicher Entr{\"u}ckungszustand, wie Harwood ironisch suggeriert? Steve Kurtz vom Critical Art Ensemble, selbst ein {\quotedblbase}gebranntes Kind{\textquotedblleft}, das vor Jahren unvermutet heftig in die {\"U}berwachungsf{\"a}nge des FBI geriert, ist bei aller Negativerfahrung eine Spur optimistischer: Zwar werde Kreativit{\"a}t heute institutionell fast ausschlie{\ss}lich f{\"u}r die Produktion marktg{\"a}ngiger Waren nutzbar gemacht, doch zeigen sich da und dort auch Abspaltungstendenzen {\textendash} Formen von Dissidenz, die dem Vernetzungsparadigma vielleicht noch einmal neue Nahrung {\quotedblbase}von unten{\textquotedblleft} geben.
Wie dies konkret aussehen k{\"o}nnte, legt Ilias Marmaras in seinem Beitrag {\"u}ber neue politische Netzwerke und Kollektive in Griechenland dar. Gerade angesichts der drakonisch verordneten Sparprogramme {\quotedblbase}von oben{\textquotedblleft} scheint es n{\"o}tiger denn je, selbst initiativ zu werden und Produktionszusammenh{\"a}nge, soweit dies im global gesteuerten Verbund {\"u}berhaupt m{\"o}glich ist, selbst in die Hand zu nehmen. {\"A}hnlich argumentiert Brian Holmes im Hinblick auf die sogenannte {\quotedblbase}Sojarepublik{\textquotedblleft} in S{\"u}damerika. In Anbetracht immer ungreifbarerer global{\"o}konomischer {\quotedblbase}Player{\textquotedblleft}, deren Profitstreben vor keinen nat{\"u}rlichen oder kulturellen Grenzen haltmacht, sei es Aufgabe einer ebenso weltweit agierenden aktivistischen Kunst, eine vernetzte politische {\"O}kologie ins Leben zu rufen.
Dass es im Zuge von kritischer Netzpraxis stets auch um Eigentumsverh{\"a}ltnisse bzw. Fragen der Vergemeinschaftung geht, kommt in einer Reihe weiterer Beitr{\"a}ge zur Sprache: etwa bei Alessandro Ludovico, der den umstrittenen Aspekt des {\quotedblbase}Selbermachens{\textquotedblleft} im Hinblick auf gegenw{\"a}rtige Medientechnologien diskutiert; oder bei Cornelia Sollfrank, die sich explizit damit besch{\"a}ftigt, was es bedeutet, Dinge weiterzuverarbeiten bzw. weiterzugeben, die einem selbst nicht geh{\"o}ren.
Durchg{\"a}ngig kommt in der gesamten Ausgabe eine Haltung zum Tragen, die gleichsam dekaden{\"u}bergreifend nachwirkt: n{\"a}mlich dass in Netzdiskurs und -praxis ein schwer zu z{\"a}hmender kritischer Impuls am Werk ist, den selbst die anhaltende Medienkonzentration der letzten 20 Jahre nicht zum Verstummen gebracht hat.},
	keywords = {Alle Tage wieder {\textendash} Let Them Swing!, Aufbrechen. Die Gr{\"u}ndung des {\"O}sterreichischen Filmmuseums, Be Sand; Not Oil. The Life and Work of Amos Vogel, Bill Fontana, Claudio Stassi: Die ethnische S{\"a}uberung Pal{\"a}stinas / Die Stern-Bande, Cornelia Sollfrank, Cristina Lucas - Todbringendes Licht, David Parisi, Do-it-yourself, Eszter Kondor, Gail Pickering - Mirror Speech, Giuliana Bruno, Giving What You Don{\textquoteright}t Have, Heinrich Dunst - D{\"a}mmstoffe, Ilan Pappe, Ilja Braun, Josef Dabernig - Rock the Void, KP Brehmer - Real Capital Production, Leonhard Dobusch, Lockout, Luca Enoch, Magazin, Margaret Rasp{\'e}, Poesie der Gro{\ss}stadt. Die Affichisten, Simone Forti, SINUNI, Surface: Matters of Aesthetics; Materiality; and Media, Tastsinn, The Reluctant Narrator. Narrative Practices Across Media, Vera Frenkel, Victor Gruen Shopping Town. Memoiren eines Stadtplaners, White Cube, World War Z, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9503646-6-8},
	url = {https://www.springerin.at/2015/1/},
	author = {Vera Tollmann and Julia Gwendolyn Schneider and Amir Vodka and Marc Ries and Christian H{\"o}ller and Konrad Becker and Josephine Berry Slater and Felix Stalder and Pauline van Mourik Broekman and Critical Art Ensemble and Graham Harwood and Felix Stalder and Alessandro Ludovico and Ilias Marmaras and Marko Peljhan and Matthew Biederman and Brian Holmes and Hemma Schmutz and Manfred Hermes and Rahma Khazam and Carola Platzek and Vera Tollmann and S{\"o}ren Meschede and Katrin Mundt and Yuki Higashino and Johannes Porsch and Christian H{\"o}ller and Matthias Dusini and Stefan Grissemann and Stefan Grissemann and Martin Reiterer and Alexandra Seibel and Gabriele Werner},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3004,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2015},
	series = {20 Jahre {\textendash} Zukunft},
	volume = {21},
	year = {2015},
	note = {Z Springerin 02/2015},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {20 Jahre {\textendash} Zukunft

Jubil{\"a}en haben es an sich, dass sie bisweilen den Blick erweitern helfen. Auf das, was war, auf das, was h{\"a}tte sein k{\"o}nnen, aber auch auf das, was noch werden soll. Deswegen ist das 20-j{\"a}hrige Bestehen dieser Zeitschrift (um das etwas gro{\ss}spurige Wort {\quotedblbase}Jubil{\"a}um{\textquotedblleft} hier nicht l{\"a}nger zu beanspruchen) in erster Linie Anlass, um Ausschau zu halten: Ausschau nach dem, was {\"u}ber die Jahrzehnte Dauer und Fortbestand bewiesen hat; nach dem, was sich an erwarteten und unerwarteten Entwicklungen in dieser Zeit ereignet hat; schlie{\ss}lich nach dem, was an unrealisiertem Potenzial weiterhin bearbeitet werden will.
Als im April 1995 die erste Ausgabe, damals noch unter dem Namen springer, erschien, war ein Aufbruch in vielerlei Richtungen zu versp{\"u}ren. Die elektronische Vernetzung hatte, auch als Grundlage einer neuen Art von Kunstproduktion, gerade Fahrt aufgenommen.
Ein international orientierter kritischer Theoriediskurs hielt verst{\"a}rkt Einzug ins Kunstgeschehen. Die Disziplinen fingen an, sich auf produktive Weise, oft aber auch mit betr{\"a}chtlichen Reibungsverlusten zu mischen. Ehemals geschlossene oder nur schwer zug{\"a}ngliche institutionelle R{\"a}ume begannen sich auf neue Au{\ss}enwelten hin zu {\"o}ffnen. Ein farbenpr{\"a}chtiges Cham{\"a}leon als allererstes Covermotiv brachte all dies auf den Punkt {\textendash} als Emblem f{\"u}r anstehende Ver{\"a}nderungen und situative Neuanpassungen, ohne dabei in kunstmarkth{\"o}rigen Opportunismus abzudriften.
20 Jahre sp{\"a}ter soll sich der Blick erneut {\"u}ber das G{\"a}ngige und Gel{\"a}ufige hinaus {\"o}ffnen, soll dem rasenden Stillstand der Gegenwart (um es polemisch zu sagen) Aussichten auf ein Anderes, {\"A}u{\ss}eres, Zuk{\"u}nftiges entgegenhalten. So soll zun{\"a}chst gefragt werden, was aus den Aufbr{\"u}chen bzw. Aufbruchsversprechen der 1990er-Jahre geworden ist; welche der damaligen {\"U}berschreitungs- und Neuformierungs- absichten sich erf{\"u}llt bzw. nicht erf{\"u}llt haben; welche Nachjustierungen, einen zeitgem{\"a}{\ss}en kritischen Kunstdiskurs betreffend, aus heutiger Sicht n{\"o}tig erscheinen.
Zum anderen {\textendash} und damit ist die konkrete, tagt{\"a}gliche Arbeit am Kunstgegenstand gemeint {\textendash} sollen {\"U}berlegungen angestellt werden, welche Art der (Wieder-)Belebung dem Cham{\"a}leon von damals aus aktueller Sicht am ehesten gerecht werden w{\"u}rde.
Wir haben eine Reihe von K{\"u}nstlerInnen, die der Zeitschrift nahestehen, gefragt, aus ihrer Sicht Antworten auf diese Fragen zu finden. Sanja Ivekovic, {\"u}ber die Jahre mehrfach auf diesen Seiten vertreten, gibt Einblicke in ihre Lost \& Found-Serie: Ansichten von Kultureinrichtungen im ehemaligen Jugoslawien bzw. dem {\quotedblbase}neuen Europa{\textquotedblleft} oder etwa Gesch{\"a}ftsfassaden, die den fast schon anachronistischen Namen {\quotedblbase}Solidarit{\"a}t{\textquotedblleft} tragen. Auch Florian Pumh{\"o}sl, seines Zeichens ma{\ss}geblicher Mitgestalter des urspr{\"u}nglichen springer-Erscheinungsbilds, ist in die mittleren 1990er-Jahre zur{\"u}ckgegangen und hat ein Motiv, das in anderer Form eines der fr{\"u}hen Covers zierte, neu aufbereitet: eine Stra{\ss}enbahn-Notbremse, deren Symbolkraft heute vielleicht st{\"a}rker denn je ist.
Louise Lawler, der wir das exzeptionelle Coverbild dieser Ausgabe verdanken, hat ihren Beitrag schlie{\ss}lich {\"u}ber die gesamte Heftstrecke verteilt. So ergibt sich im gr{\"o}{\ss}eren Zusammenhang ein weitgespannter {\quotedblbase}Bildtext{\textquotedblleft}, der Verh{\"a}rtungen der aktuellen Weltpolitik (Drohnenkrieg) mit der Leichtigkeit alltagskultureller Gegenst{\"a}nde und Verfahren (K{\"o}lschgl{\"a}ser, Abpausmethode) konterkariert.
Den Sinn f{\"u}r Vergangenes mit dem Ausschauhalten nach einer gangbaren Zukunft zu verkn{\"u}pfen, dieser Aufgabe stellen sich auch die Essays in dieser Ausgabe. Brian Holmes nimmt die anhaltende {\"o}konomische Krise zum Anlass, um zu fragen, welche {\"A}sthetiken diesem Zustand am ehesten gerecht werden, auch im Hinblick darauf, wie sich das l{\"a}hmende Gefangensein in einer blockierten Gegenwart {\"u}berwinden l{\"a}sst. Sein zentrales Beispiel dreht sich um Gewalt von oben und deren potenzielle Wiedergutmachung, zielt aber auf die allgemeinere Frage, welche {\quotedblbase}structures of feeling{\textquotedblleft} den Weg zu einer emanzipierten Zukunft weisen k{\"o}nnten. Im Unterschied dazu befasst sich Keti Chukhrov mit den Grundelementen eines zeitgem{\"a}{\ss}en Realismus. Sie kommt zu dem Befund, dass nur eine Neudefinition des sinnlichen Elements von Kunst, gedacht als radikal negative Geste, der gegenw{\"a}rtigen Entfremdung unter globalkapitalistischen Bedingungen entgegenwirken kann. Auch Chukhrov holt weit in die Vergangenheit aus, in ihrem Fall bis zu den Lehren des russischen Philosophen Michail Lifschitz, der bereits in den 1930er-Jahren seine Version einer {\"A}sthetik des Realismus entwickelt hatte.
{\"U}ber die Grundfesten eines gegenwartsbezogenen Realismus hinausdenken wollen einmal mehr Critical Art Ensemble, die die Entwicklung neuer, auf Vernetzung basierender experimenteller Praktiken rekapitulieren. F{\"u}r CAE steht und f{\"a}llt die Erfolgsaussicht dieser Praktiken mit dem gr{\"o}{\ss}eren Rahmen, in dem diese Art von Kulturproduktion angesiedelt ist. Erst wenn es gelingt, diesen Rahmen ansatzweise zu subvertieren (wie es dem von CAE angef{\"u}hrten K{\"u}nstlerkollektiv Group Material immer wieder gelungen ist), erst dann kann so etwas wie eine Bewegung in Richtung Zukunft erfolgen. Dieses Verlassen ausgefahrener Bahnen, das leichter behauptet ist als getan, ist auch Thema von Hans-Christian Dany, der sich in seiner Zeitdiagnose mit der Praxis und Theorie selbstregulierender Prozesse besch{\"a}ftigt. Wie sich entgegen aller vermeintlichen Planbarkeit und Vorhersagbarkeit des K{\"u}nftigen ein Sinn f{\"u}r das Offene und Unbekannte aufrechterhalten l{\"a}sst, dies ist nicht nur f{\"u}r Dany ein wichtiges Gegenwartsansinnen und Auftrag zugleich.
Apropos Auftrag: An dieser Stelle sei unseren langj{\"a}hrigen und regelm{\"a}{\ss}igen LeserInnen herzlichst gedankt. Ohne ihr anhaltendes Vertrauen und Interesse h{\"a}tte sich in den vergangenen 20 Jahren niemals jene Tragf{\"a}higkeit entwickeln k{\"o}nnen, die zugleich der wichtigste Garant unseres Fortbestehens ist.},
	keywords = {Adelita Husni-Bey {\textendash} The White Paper: The Land, Andreas Pawlik, Benjamin Kunkel, Bouchra Khalili {\textendash} Foreign Office, Coveraufnahme springer, Die Praxis des Sehens, Die zweite Qalandiya International (QI) {\textendash} Archives, Digitale Zeichnung von LextheGlider, Ein umherschweifender K{\"o}rper. Sergio Zevallos in der Gruppe Chaclacayo, Florian Pumh{\"o}sl, Hassan Khan Flow My Tears; the Policeman Said, Jonas Lund, Kishio Suga {\textendash} Situated Latency, Lived and Shared, Lost \& Found, Louise Lawler, Magazin, Melanie Gilligan, Mika Taanila, Oliver Laric, Peter Weibel. Medienrebell, Ryoji Ikeda, Sanja Ivekovi{\'c}, Sophia Prinz, Still Life (Candle) (traced), The Common Sense, Tim St{\"u}ttgen: In a Qu*A*re Time and Place, Tony Conrad {\textendash} {\"U}ber zwei Ecken, Two Glasses (traced), Utopie oder Untergang, Who the f*ck is Halil Altindere?, Yes; But Is It Edible?, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9503646-7-5},
	url = {https://www.springerin.at/2015/2/},
	author = {Yvonne Volkart and Tilman Baumg{\"a}rtel and Marina Grzinic and Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Brian Holmes and Keti Chukhrov and Critical Art Ensemble and Christian H{\"o}ller and Hans-Christian Dany and Yvonne Volkart and Gabriele Hoffmann and Gislind Nabakowski and Daniel Horn and Christa Benzer and Monika Vykoukal and Nat Muller and Inke Arns and Bettina Brunner and Brigitte Huck and Thomas Edlinger and Yuki Higashino and Jens Kastner},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3003,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 04/2015},
	series = {Kiev, Moscow and Beyond},
	volume = {21},
	year = {2015},
	note = {Z Springerin 04/2015},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Kiev, Moscow and Beyond

Kaum ein Krisenherd hat Europa in den letzten Jahren mehr zu ersch{\"u}ttern begonnen als der russisch-ukrainische Konflikt. Sieht man von den aktuellen Ereignissen in Sachen Fl{\"u}chtlingspolitik einmal ab, hat sich an der {\"o}stlichen Au{\ss}engrenze der Europ{\"a}ischen Union ein desastr{\"o}ses Szenario entwickelt: auf der einen Seite jene, die sich mehr zum offiziellen Europa hingezogen f{\"u}hlen; auf der anderen jene, die ihre eigenen Gebietsanspr{\"u}che, koste es, was es wolle, geltend machen. Wie unvereinbar die Lage ist, zeigt allein schon, dass keine Einigkeit in der Wortwahl besteht: Was die einen als Unabh{\"a}ngigkeitsstreben ansehen, wird von der anderen Seite als unilaterale Aggression betrachtet und umgekehrt.
Kaum ein anderer kultureller Zusammenhang ist im Zuge dieser Auseinandersetzung einer derartigen Zerrei{\ss}probe ausgesetzt wie jener, der sich, historisch weit zur{\"u}ckreichend, {\"u}ber weite Teile Osteuropas erstreckt: von Kiew {\"u}ber Moskau bis in Regionen weit dar{\"u}ber hinaus. Wiederholte politische Absetz- und Vereinnahmungsbewegungen mit eingeschlossen, herrscht hier eine hochkomplexe Gemengelage vor, in der oftmals bewusst {\"u}ber das zweifellos existierende Moment des Gemeinsamen hinweggegangen, ja dieses aus politisch-ideologischen Gr{\"u}nden negiert wird.
Die Ausgabe Kiev, Moscow and Beyond nimmt die diesj{\"a}hrige (insgesamt zum zweiten Mal stattfindende) Kiew Biennale als Ausgangspunkt, um diesen Kontext kritisch zu reflektieren: Mehr als zwei Jahre in Vorbereitung wurde die Biennale immer wieder aufgrund der Kriegs- und Politwirren verschoben, bis sie Anfang September 2015 {\textendash} gegen vielerlei Widerst{\"a}nde {\textendash}er{\"o}ffnen konnte. The School of Kyiv (http://theschoolofkyiv.org), so der Titel der von Hedwig Saxenhuber und Georg Sch{\"o}llhammer kuratierten und gemeinsam mit dem unabh{\"a}ngigen Research-Kollektiv VCRC (Visual Culture Research Centre) organisierten Schau, ist entlang verschiedener Schulen strukturiert und umfasst folgende Schwerpunktthemen: Realismus, Landschaft, Bild und Evidenz, Vertreibung, Einsamkeit, {\quotedblbase}entf{\"u}hrtes{\textquotedblleft} (abducted) Europa. In all diesen Schulen, die Ausstellungen und Diskursreihen gleicherma{\ss}en beinhalten, geht es verbindend um die Frage, wie sich ein gemeinsamer, Differenzen {\"u}berbr{\"u}ckender Reflexionsraum schaffen und aufrechterhalten l{\"a}sst. Ein wom{\"o}glich instabiler, tempor{\"a}rer Raum, der nichtsdestotrotz {\"u}ber die ausgefahrenen Bahnen politisch propagierter Barrieren hinausreicht bzw. sich konstruktiv vom Status quo abhebt.
Die Beitr{\"a}ge dieser Ausgabe wirken aktiv an der Ausgestaltung dieses Diskursraums mit. Da ist zun{\"a}chst, unumg{\"a}nglich im vorliegenden Zusammenhang, die Politik Putins, die auf westlicher Seite ebenso gro{\ss}e R{\"a}tsel aufgibt, wie sie h{\"a}ufig missverstanden wird. Stephen Holmes und Ivan Krastev analysieren Putins Machtgebaren, indem sie ein Moment in die Debatte einbringen, das bislang meist {\"u}bersehen wurde: K{\"o}nnte diese Politik, so die zentrale Frage ihres Essays, wom{\"o}glich daraufhin angelegt sein, das Verhalten des Westens zu spiegeln, ja diesem seine liberale Maske vom Gesicht zu rei{\ss}en? Wie surreal dieses aggressive Dagegenhalten, das prim{\"a}r auf eine Demontage des {\quotedblbase}anderen{\textquotedblleft} abzielt, alltagskulturell unterf{\"u}ttert ist, legt Marci Shore in ihrem Beitrag dar. Shores ausf{\"u}hrliche Besprechung von Peter Pomerantsevs Russlandstudie Nichts ist wahr und alles ist m{\"o}glich macht deutlich, wie sehr sich die Koordinaten herk{\"o}mmlicher Politik- und Realit{\"a}tsverst{\"a}ndnisse unter dem Regime Putin zu ver{\"a}ndern begonnen haben. {\quotedblbase}Alles ist PR{\textquotedblleft}, hei{\ss}t es bei Shore mottohaft, wobei oft nicht klar ist, welche Werbezwecke in dieser abgr{\"u}ndigen {\quotedblbase}Realityshow{\textquotedblleft}, wie Pomerantsev das nennt, genau verfolgt werden.
{\"U}ber die gro{\ss}r{\"a}umigeren (politischen und kulturellen) Landschaften Osteuropas r{\"a}sonieren Owen Hatherley und Agata Pyzik. Etwas weiter ausholend bzw. in die Zeit der Sowjetunion zur{\"u}ckblickend, fragen sie, was aus dem Verm{\"a}chtnis bzw. der nach 1989 allseits angestrebten {\"U}berwindung des Realsozialismus geworden ist. Hatherleys und Pyziks Erl{\"a}uterungen zeigen aus teils pers{\"o}nlicher Perspektive auf, wie wenig das Erbe der Zeit vor 1989 samt und sonders abgesch{\"u}ttelt werden kann, dass zugleich aber auch das, was danach kam, schwer zu w{\"u}nschen {\"u}brig lie{\ss}. Dass dazu auch die missliche Lage z{\"a}hlt, in der sich die Ukraine und Russland {\textendash} gerade im Verh{\"a}ltnis zueinander {\textendash} heute befinden, kommt in weiteren Beitr{\"a}gen explizit zur Sprache. Yuri Leiderman, aus Odessa stammender K{\"u}nstler, geht in die {\"A}ra vor der Separation zur{\"u}ck und legt dar, was ukrainische und russische K{\"u}nstlerInnen stets miteinander verbunden und was sie zugleich immer auch voneinander unterschieden hat. Auch Leidermans aktuelle Arbeit, f{\"u}r die Kiew Biennale produziert und hier in Ausz{\"u}gen pr{\"a}sentiert, setzt an diesem Punkt an. Ein k{\"u}nstlerischer Umzug durch Odessa wird darin zum Brennpunkt, an dem sich die politischen und vor allem separatistischen Phantasmagorien der Gegenwart brechen.
F{\"u}r einen Raum des Gemeinsamen pl{\"a}dieren auch Haim Sokol und Larissa Babij. Sokol, indem er an jene Traumata ankn{\"u}pft, denen Menschen j{\"u}discher Herkunft sowohl in Russland als auch in der Ukraine stets ausgesetzt waren; Babij, indem sie die Produktionen der ukrainischen Gruppe TanzLaboratorium zum Ausgangspunkt nimmt, um {\"u}ber die wechselseitige Anerkennung unterschiedlicher nationaler oder ethnischer Zugeh{\"o}rigkeiten, und sei es nur auf einer Theaterb{\"u}hne, zu reflektieren.
Hier wie in den {\"u}brigen Beitr{\"a}gen dieses Hefts verdichtet sich eine Fragestellung, die von der School of Kyiv {\"u}ber die Biennale hinaus ausgeworfen wird und die uns zweifellos weiter besch{\"a}ftigen wird: n{\"a}mlich wie ein konstruktiver Dialog zwischen Kunst und Zivilgesellschaft aussehen k{\"o}nnte, im Zuge dessen intellektuelle und k{\"u}nstlerische Austauschprozesse in einem gr{\"o}{\ss}eren Rahmen wirksam werden k{\"o}nnten.},
	keywords = {Andrey Silvestrov, Angela Richter, Asl{\i} {\c C}avu{\c s}o{\u g}lu, Cao Fei, China, Das Kind der S{\"a}ge ist das Brett, Die Kunst der T{\"u}rken. Modernisierung als Fiktion, E.A.T. {\textendash} Experiments in Art and Technology, Factory of the Sun, Hito Steyerl, Ikonoklasmen, Im Inneren der Stadt, James Bridle, Katrina Daschner {\textendash} DASCHNER, Kiewer Biennale, Magazin, Monumentalkunst, Odessa, Odessa. Fragment 205, Olaf Holzapfel/Nahum Tevet {\textendash} The Rough Law of Gardens, Pauline Boudry/Renate Lorenz {\textendash} Loving; Repeating, Peter Pomerantsev, Putin, Realsozialismus, Russland, Selfie, Supernerds, TanzLaboratorium, Taus Makhacheva, The Demolition of the Russian Monument at Ayastefanos, Tightrope, Ukraine, Yuri Leiderman, Yves Netzhammer, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9503646-8-2},
	url = {https://www.springerin.at/2015/4/},
	author = {Christian H{\"o}ller and Christa Benzer and Franz Thalmair and Gislind Nabakowski and Nishant Shah and Stephen Holmes and Ivan Krastev and Yuri Leiderman and Agata Pyzik and Owen Hatherley and Yevgen Nikiforov and Marci Shore and Haim Sokol and Larissa Babij and Olga Jitlina and Moritz Scheper and Sabine Maria Schmidt and Wilbirg Brainin-Donnenberg and Monika Vykoukal and Walter Seidl and Christian Egger},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer}
}
@book {3175,
	title = {From Contingent Becoming to Derivative Futures},
	year = {2014},
	note = {KM Nestler 2015},
	publisher = {Sternberg Press},
	organization = {Sternberg Press},
	address = {Berlin},
	keywords = {21. Jahrhundert, K{\"u}nstlermonographie, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	author = {Gerald Nestler}
}
@book {1940,
	title = {Kunstforum International 225/2014},
	series = {Obsessionen 1},
	volume = {225},
	year = {2014},
	note = {Z Kunstforum 225/2014
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppicheroth},
	abstract = {Obsessionen 1

Obsessive Kr{\"a}fte f{\"u}hren zu triebhaften Ausbr{\"u}chen, ungeahnten Intensit{\"a}ten, inneren Zw{\"a}ngen und Leidenschaften. Obsessionen schreiben Lebensgeschichten, wirbeln Existenzen durcheinander, treiben zu H{\"o}chstleistungen an und k{\"o} nnen vernichten. Diejenigen, die sie kennen, lieben und verachten sie; diejenigen, die sie nicht kennen, f{\"u}hlen sich ausgeschlossen aus dem Olymp der Eingeweihten. Insbesondere K{\"u}nstler sch{\"o}pfen in ihrer Arbeit aus einer Art authentischen Besessenheit, die einem aufgekl{\"a}rten Lebensentwurf, einem rationalen Geschmacksurteil und strategischen Karriereentscheidungen zuwider laufen k{\"o}nnen. Viele K{\"u}nstlerleben w{\"a}ren ohne sie nicht denkbar und werden durch sie heroisch verkl{\"a}rt. Der aktuelle und folgende Themenband ObsessionenI + II geben einen Einblick in die unterschiedlichen Ausartungen von Besessenheit, von ihren Zw{\"a}ngen und ihrer Lust. Jede k{\"u}nstlerische Auseinandersetzung mit der Obsession, kann zur Irrationalit{\"a}t f{\"u}hren, zu einem Gegenentwurf der Welt der Logik und der rationalen Entscheidungen, auf jedem Fall aber zu einem {\"U}berdenken bestehender Verh{\"a}ltnisse.....},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {1989,
	title = {Kunstforum International 226/2014},
	series = {Obsessionen 2},
	volume = {226},
	year = {2014},
	note = {Z Kunstforum 226/2014
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppicheroth},
	abstract = {Obsessionen 2

Bereits seit einigen Jahren erf{\"a}hrt der Begriff der {\quotedblbase}Obsession{\textquotedblleft} und der Besessenheit eine rasante Konjunktur. Dies gilt f{\"u}r die Kunst ebenso wie f{\"u}r die Literatur, die Musik, die Werbung und viele andere Sparten. Viel zu oft negativ verwandt, sollen die Obsessionen in diesem KUNSTFORUM-Band vor allem von einer positiven Warte beleuchtet werden, denn sie spiegeln auch den Wunsch nach der Erfahrung einer befreienden Selbstaufgabe wider. Dementsprechend versucht auch der zweite Band das Thema {\quotedblbase}Obsession{\textquotedblleft} sowohl aus dem Blickwinkel ausgew{\"a}hlter K{\"u}nstler als auch aus der Perspektive von gesellschaftlichen Randfiguren und Pionieren zu beleuchten. Es werden {\"a}sthetische und psychologische Kriterien benannt, die etwas Licht in das Dunkel der bitters{\"u}{\ss}en Triebansch{\"u}be zwischen intuitiver Gewissheit und engstirniger Vernarrtheit bringen. Harald Szeemann meinte einmal, dass es ohne Obsession keine individuelle Mythologie gebe. Sie stellt den Kern einer authentischen {\"U}berzeugung dar, die sich nicht nur in der Kunst widerspiegelt, sondern in mannigfaltigen Emanationen einer psychischen Gangart.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {2013,
	title = {Kunstforum International 227/2014},
	series = {Herrschaften des Sammelns},
	volume = {227},
	year = {2014},
	note = {Z Kunstforum 227/2014
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Herrschaften des Sammelns  
Das private und das museale Sammeln

Die Heilige Macht der Sammler hie{\ss}en die beiden KUNSTFORUM-B{\"a}nde 209 und 211. Herrschaften des Sammelns. Das private und das museale Sammeln ist nun deren Fortsetzung. Vor dem Hintergrund, dass Sammeln eine Form der Kunstgeschichtsschreibung ist, dr{\"a}ngt sich die die Frage auf,ob nicht, wer sammelt, auch Herrschaft aus{\"u}bt. Nehmen Sammler Einfluss auf Museen? Wie verhalten sich diese dazu? Wie l{\"a}sst sich letztlich eine f{\"u}r beide Seiten gleicherma{\ss}en produktive Beziehung kreieren? Und: Worin {\"u}berhaupt unterscheiden sich das museale und das private Sammeln? Was bedeutet es in dem Zusammenhang, dass nicht selten L{\"u}cken {\"o}ffentlicher Sammlungen mit privaten gestopft werden. Wie bewusst sind sich die Vertreter {\"o}ffentlicher Museen dar{\"u}ber, dass Sie sammelnd auch Kunstgeschichte schreiben? Weil die Situation von Land zu Land und von Kontinent zu Kontinent verschieden ist, kommen in diesem speziellen Themenband private Sammler und Repr{\"a}sentanten aus Deutschland, London, Montevideo, Wien, Z{\"u}rich, Paris, Tel Aviv zu Wort. },
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {2056,
	title = {Kunstforum International 228/2014},
	series = {Berlin - Moskau - St. Petersburg},
	volume = {228},
	year = {2014},
	note = {Z Kunstforum 228/2014
},
	pages = {336},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppicheroth},
	abstract = {Berlin - Moskau - St. Petersburg
Biennalen in Europa

Mehr als 120 internationale Biennalen finden weltweit statt. Dieser Sommer geh{\"o}rt Berlin, St. Petersburg und Moskau. Mit der 8. Berlin Biennale, der 10. Manifesta und der 4. Biennale Junger Kunst laufen drei Gro{\ss}ausstellungen, die unterschiedlicher kaum sein k{\"o}nnen.und die wir in Interviews mit Kuratoren, begleitenden Texten, Kommentaren und Wahrnehmungshilfen nahezu komplett dokumentieren und kontrovers diskutieren. Nach dem Debakel um die 7. Berlin Biennale unter Arthur Zmijewski drohte dem Prestigeprojekt in Deutschlands Hauptstadt die F{\"o}rdermittel gestrichen zu werden: Zu viel politischer Aktivismus, zu wenig Kunst, das gefiel der Bundeskulturstiftung nicht. Dank des mit einem historisierenden Blick angelegten Konzepts von Juan Gaitan herrscht jetzt wieder {\quotedblbase}Planungssicherheit". Heikel stand es auch um die Manifesta 10, Europas 1996 gegr{\"u}ndete Wanderbiennale. Die fieberhafte Suche f{\"u}hrte das holl{\"a}ndische Team dann nach Russland. Dann kam das {\quotedblbase}ungl{\"u}ckselige Anti-Homosexuellen-Gesetz{\textquotedblleft}, wie es Manifesta-Kurator Kasper K{\"o}nig nannte, {\quotedblbase}im M{\"a}rz die Vereinnahmung der Schwarzmeerhalbinsel Krim durch Moskau{\textquotedblleft} und die kontroverse Politik Russlands in der Ostukraine. Boykott-Drohungen einiger K{\"u}nstler, b{\"u}rokratische H{\"u}rden, Unverst{\"a}ndnis der Eremitage-Mitarbeiter {\textendash} mit welchen Schwierigkeiten K{\"o}nig k{\"a}mpfen musste, erz{\"a}hlt er freim{\"u}tig im Interview mit Heinz-Norbert Jocks. Nahezu unbemerkt im Westen, von umso gr{\"o}{\ss}erer Bedeutung in Russland er{\"o}ffnete Kurator David Stuart Elliott die 4. Biennale f{\"u}r Junge Kunst: {\quotedblbase}A Time for Dreams{\textquotedblleft} , in der er Vorschl{\"a}ge, Mythen, W{\"u}nsche und Tr{\"a}ume pr{\"a}sentieren m{\"o}chte, die mit der Wirklichkeit korrespondieren und auf diese ein anderes Licht werfen. },
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg. and Vogel, Sabine B. and H{\"u}bl, Michael and Gait{\'a}n, Juan A. and K{\"o}nig, Kasper}
}
@book {2136,
	title = {Kunstforum International 230/2014},
	series = {Konflikte},
	volume = {230},
	year = {2014},
	note = {Z Kunstforum 230/2014
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppicheroth},
	abstract = {Konflikte
Zur existentiellen Notwendigkeit von Kunst

Konflikte k{\"o}nnen sich in vielf{\"a}ltiger Art und Weise zeigen, im zwischenmenschlichen Feld oder im globalen Rahmen zwischen Kulturen und Nationen. So verwundert es kaum, dass der Konfliktbegriff aufgrund der Vielzahl an Themen und der gro{\ss}en Anzahl der Beteiligten sehr diffus und undurchschaubar wirkt. Der vorliegenden Themenband versucht einen kleinen {\"U}berblick {\"u}ber die enorme Bandbreite zu vermitteln. Eine Ursache f{\"u}r die Konflikte unserer Zeit, von den {\"o}kologischen Fragen {\"u}ber die Finanzkrise bis hin zu den unz{\"a}hligen Kriegen der Gegenwart, sieht der Philosoph Jacques Ranci{\`e}re in einem ambivalenten Demokratieverst{\"a}ndnis: {\guillemotright}Wenn seit Aufkommen des Wortes {\guilsinglright}Demokratie{\guilsinglleft} Einigkeit herrschte, dann darin, da{\ss} es verschiedene und gegens{\"a}tzliche Dinge zum Ausdruck bringt: Das beginnt mit Platon, nach dem die Demokratie keine Regierungsform ist, sondern lediglich ein Vergn{\"u}gen f{\"u}r Leute, die darauf erpicht sind, sich zu verhalten, wie sie wollen. Es wird fortgesetzt durch Aristoteles, der die Demokratie f{\"u}r eine gute Sache h{\"a}lt, solange man die Demokraten daran hindert, sie auszu{\"u}ben und taucht schlie{\ss}lich bei Churchill wieder auf, die Demokratie sei die schlechteste aller Regierungsformen, mit Ausnahme aller anderen.{\guillemotleft} Eine derartige Ambivalenz kann den Ausgangspunkt zahlreicher Konflikte darstellen. Der einleitende Textbeitrag dieses Bandes von Oliver Zybok behandelt haupts{\"a}chlich zwei Themenbereiche mit gro{\ss}em Konfliktpotenzial, die von den Menschen am meisten gef{\"u}rchtet werden, da sie ihre Existenz direkt beeintr{\"a}chtigen und bedrohen k{\"o}nnen: die Faktoren {\guillemotright}Kapital und Geld{\guillemotleft} sowie {\guillemotright}Krieg und Gewalt{\guillemotleft}. Wie verh{\"a}lt es sich in diesen Kontexten mit moralischen Wertvorstellungen? Und wie kann man sich derartigen Konflikten stellen? Almut Linde betont in ihrem Text die Notwendigkeit von Kunst zur Reflexion von Konflikten. Auf ihre eigene k{\"u}nstlerische Arbeit verweisend, zeigt sie dabei die Diskrepanz zwischen individueller Vorstellung und Realit{\"a}t auf. Claudia Emmert untersucht den zeitgen{\"o}ssischen Diskurs {\"u}ber Affekte am Beispiel von sechs ausgew{\"a}hlten K{\"u}nstlern. Als pl{\"o}tzliche Entladung von Emotionen geraten Affekte rasch au{\ss}er Kontrolle und m{\"u}nden in Konflikten. Raimar Stange hebt in seinem Beitrag hervor, dass {\"A}ngste h{\"a}ufig Ausl{\"o}ser von Konflikten sein k{\"o}nnen. Dabei werden seiner Ansicht nach die Ausl{\"o}ser selten thematisiert, sodass Konflikte oftmals {\"u}ber Jahre hinweg andauern. Christian Fischer schreibt {\"u}ber Komponisten und deren Beziehungen zu Musikern und zum Publikum. Im Gegensatz zu anderen Kunstformen ist diese {\guillemotright}Dreiecksbeziehung{\guillemotleft} eine besondere und seit jeher Ursprung zahlreicher Konflikte, was er an historischen Beispielen verdeutlicht. Jutta Zaremba setzt sich in ihrem Text mit {\guillemotright}Katastrophen-Kreationen{\guillemotleft} auseinander, hier im Speziellen mit Beitr{\"a}gen zum Nuklearungl{\"u}ck von Fukushima in der FanArt-Netzszene. Nora Sdun berichtet schonungslos und {\"a}u{\ss}erst humorvoll aus der Sicht einer Galeristin {\"u}ber allt{\"a}gliche zwischenmenschliche Konflikte im Kunstbetrieb. Dabei werden einmal mehr die vielf{\"a}ltigen Absurdit{\"a}ten auf dem Markt der Eitelkeiten offensichtlich. In ihrer Gespr{\"a}chsrunde mit den K{\"u}nstlerinnen und K{\"u}nstlern Jakob Lena Knebl, Marianne Vlaschits und Katharina Thomas Zakravsky thematisiert Angela Stief am Beispiel von deren performativen k{\"u}nstlerischen Praxis die Bedeutung von Eskapaden in der Kunst und ihre Wirkung auf die Au{\ss}enwelt. Roman Buxbaum dagegen f{\"u}hrt ein sehr pers{\"o}nliches Selbstgespr{\"a}ch {\textendash} zwischen dem in seiner Person vereinigten Psychiater und K{\"u}nstler. Er spricht Dinge an, die einem jedem {\textendash} in abgewandelter Form {\textendash} bekannt vorkommen d{\"u}rften. Den Abschluss bildet ein Gespr{\"a}ch mit dem in Wien lebenden K{\"u}nstler Alexander Wolf, der in seinem Werk stets das Konfliktpotenzial von Ideologieversessenheit und einengenden Denkstrukturen offenlegt.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {3009,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 01/2014},
	series = {Chronic Times},
	volume = {20},
	year = {2014},
	note = {Z Springerin 01/2014},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Chronic Times

Inwieweit haben wir gelernt, uns mit chronischen, sprich auf unbestimmte Zeit andauernden Zust{\"a}nden abzufinden? Inwiefern ruft das Chronische, das vielfach unbemerkt oder nicht eigens thematisiert unseren Alltag mitbestimmt, umgekehrt auch eine spezifische Widerst{\"a}ndigkeit auf den Plan? Oder wenn schon nicht Widerstand, so doch eigene Sicht- und Umgangsweisen, die dem Anhaltenden und Dauernden angemessen sind?
Die vorliegende Ausgabe geht derlei Fragen im Feld der Kunst nach {\textendash} chronopolitischen Fragestellungen, die eine Art Gegenfigur zur Logik des Akuten und Brisanten bilden. Nationalstaatliche, kapitalistische und heteronormative Gef{\"u}ge werden {\"u}berwiegend von linearen Zeitabl{\"a}ufen bestimmt, die auf der Idee der Progression, des Fortschreitens hin zum Besseren, beruhen. Dieses lineare Fortschrittsmodell bildet zugleich auch das Ger{\"u}st, vor dessen Hintergrund das Ereignishafte, das Aktuelle und das Dringliche gedacht werden. Demgegen{\"u}ber setzen chronische Betrachtungsweisen beim Latenten, Langwierigen und innerhalb allt{\"a}glicher Verh{\"a}ltnisse nicht so einfach Abzusch{\"u}ttelnden an. Untersucht werden nicht der Krieg am Balkan oder die Aids-Krise, sondern die {\quotedblbase}Zeit danach{\textquotedblleft} {\textendash} wobei oft nicht klar ist, was genau der Ausl{\"o}ser von derlei Dauerzust{\"a}nden ist und ob diese je wieder aufh{\"o}ren werden. Genau darin, in dieser anhaltenden Unbestimmtheit, liegen m{\"o}glicherweise aber auch {\"U}bersch{\"u}sse verborgen, die {\"u}ber das aktuell Sagbare hinausgehen und vielleicht den Keim k{\"u}nftiger Entwicklungen in sich bergen.
Renate Lorenz, eine der MitinitiatorInnen dieses Hefts, geht in ihrem Gespr{\"a}ch mit Mathias Danbolt und Elizabeth Freeman den Horizonten und Potenzialen des Chronischen nach. Dabei kommt nicht nur zur Sprache, inwiefern diese {\quotedblbase}vielversprechende Temporalit{\"a}t{\textquotedblleft} dazu in der Lage ist, der Logik der Krise (die uns nach wie vor fest gefangen h{\"a}lt) ein anderes, offeneres Zeitverst{\"a}ndnis entgegenzuhalten. Vielmehr wird auch angesprochen, inwieweit sich das Chronische dazu eignet, einen Ort des Politischen innerhalb und durch k{\"u}nstlerische Ans{\"a}tze hindurch anzuzeigen, ja vielleicht auch Formen von Queerness mit zu artikulieren, die sich normativen, linearen Denkstrukturen entziehen.
Eine, die sich schon lange mit unabgeschlossenen Protest- und Widerstandsformen in ihrer k{\"u}nstlerischen Praxis befasst, ist Sharon Hayes. In ihrem Beitrag thematisiert Hayes anhand mehrerer Parallelszenarien die Kraft sogenannter {\quotedblbase}arresting images{\textquotedblleft} {\textendash} historischer Bilder, die uns nicht mehr loslassen und als st{\"a}ndige Begleiter in unserem Imagin{\"a}ren pr{\"a}sent sind. Dabei geht es nicht zuletzt um den Aspekt, wie derlei {\quotedblbase}fesselnde Bilder{\textquotedblleft} an einer ins Positive gewendeten Unzeitgem{\"a}{\ss}heit mitwirken k{\"o}nnen, an Formen von Anachronismus, die das Uneingel{\"o}ste oder von Neuem Aktivierbare aus der Vergangenheit in Erinnerung rufen. Einen {\"a}hnlichen Ansatz verfolgt Jelena Petrovi{\'c}, die als aktives Mitglied des Projektverbunds Living Archive den nicht-linearen, zugleich aber dezidiert chronopolitischen Charakter dieser Art von Archivarbeit herausstreicht.
Die Beitr{\"a}ge zu Chronic Times versuchen, vielfach projektbasiert, diese andere Form der Zeitlichkeit samt ihren Potenzialen quer durch diverse Kunstpraktiken auszuloten. Ausgangspunkt daf{\"u}r kann eine veraltete Landkarte sein, wie Yasmine Eid-Sabbagh sie in Hinblick auf den unsichtbar gewordenen Konflikt Marokko{\textendash}Westsahara aufgreift. Untersuchungsgegenstand kann aber auch eine konkret vollzogene k{\"o}rperliche Geste sein, wie Elske Rosenfeld in ihrem Glossar zu politischen Revolten der j{\"u}ngeren Vergangenheit darlegt. Oder es kann sich um spezifische Formen der historischen {\"U}berschreibung und Ged{\"a}chtnisl{\"o}schung handeln, wie Giulia Cilla am Beispiel eines Bauwerks in Montevideo aufzeigt, das einst als Gef{\"a}ngnis und heute als Shoppingmall dient.
Daneben versuchen einzelne Beitr{\"a}ge, auf gleichsam metatextuelle Art der Politik des Lesens, Erinnerns und Vergessens auf den Grund zu gehen. Die Gruppe Read-In etwa demonstriert in ihrem hier enthaltenen Lesest{\"u}ck, wie sich historische Erinnerung konstituiert, wenn das Memorieren und Auswendiglernen an die Stelle einer verb{\"u}rgten schriftlichen {\"U}berlieferung treten. Mit der Pr{\"a}gnanz des Abwesenden befasst sich schlie{\ss}lich Xiaoyan Men, die in ihrer fotografischen Praxis einem in Bezug auf den chinesischen Wirtschaftsboom eher schattenhaften Ph{\"a}nomen nachgeht: den in den D{\"o}rfern h{\"a}ufig alleine zur{\"u}ckbleibenden Frauen. Mens Beitrag ist als eine vor Ort durchgef{\"u}hrte Erlebnisreportage angelegt {\textendash} auch das eine Form, wie sich das Latente und Dauernde aufzeigen lassen, das oft genug hinter dem Sensationellen und Spektakul{\"a}ren verschwindet.
Chronic Times ist in Zusammenarbeit mit dem PhD-in-Practice-Programm der Akademie der bildenden K{\"u}nste Wien entstanden, das seit {\"u}ber drei Jahren im Feld der {\quotedblbase}Chronopolitics{\textquotedblleft} forscht. Die Realisierung des Thementeils wurde finanziell durch die Akademie der bildenden K{\"u}nste unterst{\"u}tzt, und allen Beteiligten sei an dieser Stelle nochmals besonderer Dank ausgesprochen. Hervorgehoben sei vor allem die Initiative von Anette Baldauf und Renate Lorenz, der redaktionelle Input von Till Gathmann, Annette Krauss und Elske Rosenfeld sowie die Unterst{\"u}tzung durch Andrea B. Braidt, ohne deren aller Engagement das Heft so nicht zustande gekommen w{\"a}re.},
	keywords = {A Promised Exhibition, After Year Zero. Geografien der Kollaboration seit 1945, Alfred Kallir, Amar Kanwar, Anna T., Annette Krauss, Archiv, Brecht Vandenbroucke: White Cube, Closet Case Studies $\#$1.2, Daniel Tyradellis, David Prudhomme: Einmal durch den Louvre, Enrique Dussel: Der Gegendiskurs der Moderne, G{\"u}ls{\"u}n Karamustafa, Ich bin eine andere Welt, Intro: Desiderio, Jean-Fran{\c c}ois Lyotard: Wozu philosophieren?, Jean-Luc Nancy, Lois Weinberger, Lonnie van Brummelen, Luisa Kasalicky, Magazin, Maiko Tanaka, Marokko, No Apocalypse; Not Now, Peter Osborne: Anywhere or Not at All: Philosophy of Contemporary Art, Revolt of the Giants Episode of the Sea, Salon der Angst, Sean Snyder, Self Made Urbanism Rome (S.M.U.R.) Informal Common Grounds of a Metropolitan Area, Serena Lee, Siebren de Haan, The Sovereign Forest, The Temptation of AA Bronson, The Whole Earth California and the Disappearance of the Outside, Was hei{\ss}t uns Denken?, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9503646-2-0},
	url = {https://www.springerin.at/2014/1/},
	author = {Vera Tollmann and Lars Henrik Gass and Franz Thalmair and Mariann Unterluggauer and Krystian Woznicki and Julia Gwendolyn Schneider and Eva Egermann and Renate Lorenz and Elizabeth Freeman and Mathias Danbolt and Sharon Hayes and Jelena Petrovi{\'c} and Yasmine Eid-Sabbagh and Elske Rosenfeld and Till Gathmann and Giulia Cilla and Xiaoyan Men and Daniel Horn and Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Georg Sch{\"o}llhammer and Hedwig Saxenhuber and Gabriele Hoffmann and Carola Platzek and Su-Ran Sichling and Brigitte Huck and Christian H{\"o}ller and Christa Benzer and Yvonne Volkart and Yuki Higashino and Jens Kastner and Peter Kunitzky and Gislind Nabakowksi and Martin Reiterer and Martin Reiterer and Gislind Nabakowksi},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3008,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2014},
	series = {Zensur},
	volume = {20},
	year = {2014},
	note = {Z Springerin 02/2014},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Zensur

Es ist eines der {\"a}ltesten Themen in Bezug auf {\"O}ffentlichkeit und k{\"u}nstlerische Arbeit: Zensur. Als Herrschaftsinstrument autorit{\"a}rer Staaten gegen{\"u}ber offen proklamierter oder verschl{\"u}sselt vorgetragener Kritik; als ethisch legitimierter Schutz vor Widerspruch oder Satire gegen{\"u}ber den normativen Wertvorstellungen von Religionen und deren Ordnungsorganen; als Ausschlussmechanismus vermeintlich unreinen Denkens oder widerst{\"a}ndigem Dissens; oder als gesellschaftlicher Reflex auf k{\"u}nstlerische {\"A}u{\ss}erungen, die im Hinblick auf den Mehrheitsdiskurs als gegenl{\"a}ufig oder deviant auftreten. Zensur ist auch im heutigen Kunstbetrieb ein allgegenw{\"a}rtiges Ph{\"a}nomen. Und sie schleicht sich in Form von Selbstzensur in Zusammenh{\"a}ngen, die sich selbst als permissiv und emanzipatorisch verstehen, ebenso ein wie in vermeintlich offenen Institutionen und Strukturen, die ihre Praxis gegen vermeintlich destruktive oder die eigenen Reinheitsgebote korrumpierende {\"A}u{\ss}erungen sch{\"u}tzen wollen.
Die Fr{\"u}hjahrsausgabe ist der Gegenwart dieser vielf{\"a}ltigen Verbotsformen gewidmet. Zugleich werden aufschlussreiche Umwege hin zu dieser Thematik, die sich oft gar nicht in Gestalt expliziter Prohibition darstellt, genommen. In Russland etwa, wo das staatliche Vorgehen gegen macht- und regierungskritische Ans{\"a}tze immer neue Ausw{\"u}chse annimmt, spitzt sich die Situation f{\"u}r unangepasste Kunstunternehmungen kontinuierlich zu. Sind dort die t{\"a}glichen Aktivit{\"a}ten vieler K{\"u}nstlerInnen st{\"a}ndigen autorit{\"a}ren Bedrohungen ausgesetzt, so muss auch eine europ{\"a}ische Vorzeigeinstitution wie die Manifesta, die dieses Jahr in St. Petersburg stattfindet, einen politikkonformen Spagat meistern. Anna Tolstova legt in ihrem Beitrag diese zweischneidige Ausgangslage dar, in der Boykottaufrufe nicht wirklich weiterzuhelfen scheinen, in der aber auch {\textendash} {\"a}hnlich wie schon bei den Olympischen Spielen in Sotschi {\textendash} jedes Stillschweigen als implizite Zustimmung zu den Verh{\"a}ltnissen gelesen werden kann. Eine explizite Verweigerungshaltung legt hingegen die ukrainische K{\"u}nstlerInnengruppe ISTM an den Tag, die ungeachtet der inzwischen ver{\"a}nderten politischen Lage im Land gegen die zunehmende Berufung auf traditionelle Werte bzw. das Heiligtum der Familie lautstark Einspruch erhebt.
In einem {\"a}hnlich unsicheren Zusammenhang agieren macht- und regimekritische Kunstpraktiken in arabischen L{\"a}ndern. Nehad Selaiha rekapituliert in ihrem Beitrag die Geschichte der {\quotedblbase}inoffiziellen{\textquotedblleft}, sprich sozialen Zensur in {\"A}gypten, die lange vor dem despotischen Autoritarismus neuerer Pr{\"a}gung ihren Ausgang nahm. Dass die Unterdr{\"u}ckung unliebsamer k{\"u}nstlerischer {\"A}u{\ss}erungen auch aktuell, selbst nach dem Fall Husni Mubaraks, fortbesteht, beunruhigt umso mehr, als damit eines der zentralen Versprechen des Arabischen Fr{\"u}hlings nach wie vor uneingel{\"o}st ist. Eine erg{\"a}nzende Reportage {\"u}ber die Beiruter Kunstszene (Daniel Berndt und Fiona McGovern) l{\"a}sst implizit erkennen, dass der Weg dorthin m{\"o}glicherweise noch weit sein kann: Vier zeitgen{\"o}ssische Institutionen, die sich gleichfalls dem Aufbruch verschrieben haben, ecken beharrlich an den sozialpolitischen Gegebenheiten an und k{\"o}nnen die eingeschlagene Route einzig aufgrund des gro{\ss}en internationalen Zuspruchs, den sie seit Jahren erfahren, verfolgen.
Ungleich dramatischer ist indessen das, was in Bezug auf freie Meinungs{\"a}u{\ss}erung aktuell in der T{\"u}rkei geradezu absurde Ausma{\ss}e annimmt. Die k{\"u}rzlich angedrohten Internetsperren wirken wie das letzte Aufb{\"a}umen eines Regimes, das die Felle uneinholbar davonschwimmen sieht {\textendash} S{\"u}reyyya Evren gibt diesbez{\"u}glich anhand einiger pers{\"o}nlicher Momentaufnahmen Einblicke, wie sich das Leben der kritischen Intelligenz angesichts dieser Bedingungen gestaltet. In weiser Voraussicht hat der K{\"u}nstler Ahmet {\"O}{\u g}{\"u}t vor einiger Zeit schon die Silent University ins Leben gerufen, eine transnationale, ja {\quotedblbase}transversale{\textquotedblleft} Institution, deren Wirken Pelin Tan in ihrem Beitrag beschreibt.
Gerahmt ist der Thementeil dieser Ausgabe von zwei Todesf{\"a}llen, die f{\"u}r unsere Zeitschrift von besonderer Bedeutung sind. Am 10. Februar dieses Jahres verstarb Stuart Hall, Vordenker und Doyen der Cultural Studies und in dieser Eigenschaft f{\"u}r die theoretische Ausrichtung unseres Magazins von immenser Relevanz. Bis zuletzt wurde Stuart Hall nicht m{\"u}de, gegen das um sich greifende Regime des Neoliberalismus anzuschreiben, das {\textendash} anhebend bereits in den 1970er-Jahren {\textendash} Unterdr{\"u}ckung auf wundersame Weise als {\quotedblbase}Freiheit{\textquotedblleft} zu verkaufen versteht. Wir publizieren hier einen der letzten von Stuart Hall mitverfassten Texte, worin er auf gewohnt scharfsinnige Weise den Begriff {\quotedblbase}common sense{\textquotedblleft}, eine Art Zauberwort gegenw{\"a}rtiger Politik, analysiert. Dieser mag auf den ersten Blick fast so etwas wie das Gegenteil von Zensur meinen, unterh{\"a}lt aber bei n{\"a}herer Betrachtung innige Beziehungen mit ihr.
Am 16. M{\"a}rz verstarb v{\"o}llig unerwartet der Kunsthistoriker Markus Br{\"u}derlin, ohne den es diese Zeitschrift gar nicht g{\"a}be. Markus Br{\"u}derlin hatte 1994 in seiner Funktion als {\"o}sterreichischer Bundeskurator f{\"u}r Bildende Kunst die Gr{\"u}ndung eines international ausgerichteten Magazins f{\"u}r Gegenwartskunst initiiert, woraus zuerst der Springer und schlie{\ss}lich, ab 1998, die springerin hervorging. Markus Br{\"u}derlin, der hier noch einmal eigens gew{\"u}rdigt sei, hat ebenso wie Stuart Hall (auf seine Weise) entscheidend dazu beigetragen, dass diese Zeitschrift gegen alle Widrigkeiten und Wirrnisse der Zeit {\"u}berhaupt existieren kann.},
	keywords = {$\#$Akzeleration, 24/7: Late Capitalism and the Ends of Sleep, Allan Sekula, and Materials and Money and Crisis, Anna Artaker, Beirut, Christopher Dell, Da Capo, Deimantas Narkevi{\v c}ius, Du sollst deine Heimat nicht kritisieren, Faith Wilding, Fearful Symmetries Retrospective, global aCtIVISm, IMA SET IMA TEXT; INO BUTT, Ingeborg Bachmann, Internetkunst, Johannes Schweiger, Jonathan Crary, Karlsruher ZKM, Katarina Zdjelar, Magazin, Markus Br{\"u}derlin, Nebelland hab ich gesehen*, Neoliberalismus, Nirit Peled, Patriarchal Poetry, Pauline Boudry, Rekonstruktion der Rothschild{\textquoteright}schen Gem{\"a}ldesammlung in Wien, Renate Lorenz, Retrospektive Ulrike Grossarth, Selbstzensur, Soziale Zensur, Speculations on Anonymous Materials, Superjews, Towards a Further Word, T{\"u}rkei, Utopia for Sale?, virtueller Museumsrundgang, W{\"a}re ich von Stoff; ich w{\"u}rde mich f{\"a}rben, Ware: Wohnen! Politik. {\"O}konomie. St{\"a}dteHanno Rauterberg, Wir sind die Stadt! Urbanes Leben in der Digitalmoderne, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9503646-2-0},
	url = {https://www.springerin.at/2014/2/},
	author = {Franz Thalmair and Katrin Kulik and Pascal Jurt and Amir Vodka and Martin Conrads and Vera Tollmann and Stuart Hall and Alan O{\textquoteright}Shea and Anna Tolstova and Nehad Selaiha and Daniel Berndt and Fiona McGovern and S{\"u}reyyya Evren and Pelin Tan and Gislind Nabakowski and Georg Sch{\"o}llhammer and Katrin Mundt and Monika Vykoukal and Melanie Ohnemus and Ines Kleesattel and Gabriele Hoffmann and Nicola Hirner and Daniel Horn and Franz Thalmair and Bettina Brunner and Yuki Higashino and Matthias Dusini and Thomas Raab and Sabine Rohlf and Johannes Springer and Martin Reiterer},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3007,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 03/2014},
	series = {Arab Summer},
	volume = {20},
	year = {2014},
	note = {Z Springerin 03/2014},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Arab Summer

Drei Jahre ist es her, seit wir den Um- und Aufbr{\"u}chen im arabischen Raum ein eigenes Heft gewidmet haben. Drei Jahre, in denen sich die von aller Welt beachteten Demokratiebewegungen zum Teil festigen konnten, zum Teil aber auch herbe R{\"u}ckschl{\"a}ge hinnehmen mussten. W{\"a}hrend mancherorts die zuvor an der Macht gewesenen Despoten abgesetzt wurden, eskalierte die Lage beispielsweise in Syrien vollends. W{\"a}hrend die tief verwurzelten autokratischen Strukturen auf der arabischen Halbinsel gro{\ss}teils unangetastet blieben, geht anderswo, etwa in Tunesien, die Entwicklung klar in Richtung freier Parlaments! wahlen. Zugleich erhob aber auch das Gespenst eines neuen Autorita! rismus quer durch die Region sein Haupt.
Grund genug, um danach zu fragen, was realiter auf den Arabischen Fr{\"u}hling gefolgt ist; welche Hoffnungen, die zu Beginn des Jahres 2011 gro{\ss}fl{\"a}chig geweckt worden waren, sich zumindest ansatzweise erf{\"u}llt haben; welche neuen H{\"u}rden sich seither f{\"u}r die vielf{\"a}ltigen Emanzipationsbestrebungen in diesem geopolitischen Raum aufgetan haben.
Der beispielhaften Situation in {\"A}gypten, dem bev{\"o}lkerungsreichsten arabischen Staat, widmet sich der Politikwissenschaftler Farid Hafez. Hier, wo vor drei Jahren neben Tunesien der st{\"a}rkste Aufbruch zu verzeichnen war, haben sich die Unw{\"a}gbarkeiten des demokratischen Prozesses alsbald am eklatantesten bemerkbar gemacht. Eine besondere Rolle spielen dabei die Bezugnahmen auf {\quotedblbase}Islam{\textquotedblleft} und {\quotedblbase}Islamis! mus{\textquotedblleft}, die wie Hafez analysiert gleichsam alibihaft eingesetzt wurden, um der Milit{\"a}rf{\"u}hrung die politische Oberhand im Land zu sichern. {\quotedblbase}Islamophobie{\textquotedblleft}, als ideologisches Muster {\"u}berwiegend im Westen verbreitet, wird hier auf sublime Weise instrumentalisiert,
um den neuen alten Machthabern dabei zu helfen, sich {\"u}ber die Mehrheitsverh{\"a}ltnisse im Land hinwegzusetzen. Was im Hinblick auf eine anhaltende Demokratisierung nicht allzu Gutes verspricht.
Wie katastrophisch sich die Spaltung in verschiedene religi{\"o}se, ethnische und politische Fraktionen auswirken kann, beweist die B{\"u}rgerkriegssituation in Syrien, bei der kein Ende absehbar ist. Ging vor drei Jahren einiges an Widerstand auch von der kulturellen Szene des Landes aus, so ist dieser wie Charlotte Bank in ihrem Artikel darlegt inzwischen entweder gebrochen oder hat sich notgedrungen ins Ausland verlagert. Zwar halten immer noch viele K{\"u}nstlerInnen vor Ort an einem besseren, gewaltfreien Zukunftsszenario fest, doch sehen sie sich mit erheblichen Repressalien bis hin zu manifester Gewalt gegen ihre Person konfrontiert. Die K{\"u}nstlerin R{\'o}za El-Hassan ver! suchtindessen,vomAusland indiesemFallUngarn aus,dasBanner f{\"u}r einen {\"u}bergreifenden k{\"u}nstlerisch!kulturellen Widerstand hochzuhalten. Ihr Projekt Syrian Voices, das sie hier ausschnitthaft vorstellt, sieht sich aber nicht nur durch die au{\ss}er Kontrolle geratene Lage in Syrien gef{\"a}hrdet, sondern, wie El-Hassan polemisch erl{\"a}utert, auch aufgrund mangelnder Unterst{\"u}tzung vonseiten westlicher Institutionen.
Welche Rolle westliche {\quotedblbase}Verst{\"a}rker{\textquotedblleft}, deren guter Wille nicht in Abrede zu stellen ist, f{\"u}r den politischen Prozess in der Region spielen, ist eine Frage von weitreichender Konsequenz. Die Initiative Gulf Labor, {\"u}ber die wir bereits im Heft 1/2012 berichteten, l{\"a}sst nicht locker, die unw{\"u}rdigen Arbeitsverh{\"a}ltnisse anzuprangern, unter denen die neuen repr{\"a}sentativen Kulturbauten in den Golfstaaten und wohl bald auch die Fu{\ss}ballstadien f{\"u}r die Weltmeisterschaft 2022 errichtet werden. Alice Creischer und Andreas Siekmann nehmen eine kritische Evaluierung dieser Kampagne vor und kommen zu einem ambivalenten Res{\"u}mee: So unverzichtbar das Aufzeigen von Menschrechtsverletzungen in diesem Zusammenhang ist, so sehr sollte man sich der eigenen westlichen Verwicklungen jene {\quotedblbase}World Class Culture{\textquotedblleft} bewusst sein, die zugleich auch Nutznie{\ss}er dieser ausgelagerten Weltkultur ist. Diesem Subtext verschlie{\ss}en sich auch Nat Muller und Ferry Biedermann nicht, die in ihrem Essay die Ausl{\"a}ufer der arabischen Revolten in den Golfstaaten analysieren. Ihre Bilanz f{\"a}llt n{\"u}chtern aus: W{\"a}hrend die vielf{\"a}ltigen Kunstaktivit{\"a}ten von Dubai bis Abu Dhabi immer mehr zu Magneten f{\"u}r das internatio! nale Jetset werden, sollten die vielen F{\"a}lle von Zensur und Verbot nicht au{\ss}er Acht gelassen werden, von denen selbst namhafte Ausstellungen in den letzten Jahren betroffen waren. Die Golfstaaten m{\"o}gen zu h{\"o}chst gro{\ss}z{\"u}gigen Gastgebern {\quotedblbase}westlicher{\textquotedblleft} Aktivit{\"a}ten geworden sein, zugleich sollte aber nicht ausgeblen! det werden, zu welchem humanit{\"a}ren, ja auch ideologischen Preis dies vonstatten geht.
Schwelende Krisenherde in der und {\"u}ber die Region hinaus bilden weitere Schwerpunkte dieser Ausgabe: Fadi Toufiq etwa beleuchtet die immer noch akuten Nachwirkungen des B{\"u}rgerkriegs im Libanon knapp 25 Jahre nach dessen oziellem Ende. Ein eigenes, mehrteiliges {\quotedblbase}Special{\textquotedblleft} widmet sich schlie{\ss}lich der aktueller Lage und dem davon azierten k{\"u}nstlerischen Geschehen in der Ukraine. Was nochmals die entscheidende Frage aufwirft, welchen neuen Macht und Kr{\"a}fteverh{\"a}ltnissen ein politisch-kultureller Aufbruch, wie er heute vielerorts stattindet, ausgesetzt ist. Ja inwiefern das utopische Szenario eines Arabischen Sommers, so uneingel{\"o}st es gegenw{\"a}rtig scheinen mag, {\"u}ber den engeren geografischen Rahmen hinaus verallgemeinerbar ist.},
	keywords = {Andreas Fogarasi, Arseniy Zhilyaev M.I.R.: New paths to the objects, Berlin Biennale 8, Burak Delier, Christian Perrissin, Constant, Dani Gal As from Afar / Night and Fog, Ein kritischer Modus? Die Form der Theorie und der Inhalt der Kunst, Emilio Tasso: Eine Abenteuerreportage, Form and Object: A Treatise on Things, Freedom has no script From Abigail to Jacob (Works 2004{\textendash}2014), Golfstaaten, Gulf Labor, Hassan Khan, I Can{\textquoteright}t Control Myself, Ioana Neme{\c s}, Islam, Kodak Passageway, Kongo: Joseph Conrads Reise ins Herz der Finsternis, Libanon, Lisa Oppenheim, L{\textquoteright}Art Rue Association, Magazin, Meeting Points 7: Zehntausend T{\"a}uschungen und hunderttausend Tricks, Playgrounds. Reinventar la plaza, Realit{\"a}t, Revolution, Syrien, Tom Tirabosco, Tristan Garcia, Tunesien, Ukraine, Vasarely Go Home, Wirklichkeit, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitgen{\"o}ssische K{\"u}nstler aus der arabischen Welt, Zeitschrift, Zum Beispiel {\quotedblbase}Les Immat{\'e}riaux{\textquotedblleft} / Smart New World},
	issn = {978-3-9503646-4-4},
	url = {https://www.springerin.at/2014/3/},
	author = {Felix Stalder and Konrad Becker and Monika Mokre and Yvonne Volkart and Christian H{\"o}ller and Farid Hafez and Charlotte Bank and R{\'o}za El-Hassan and Mona Sarkis and Fadi Toufiq and Nat Muller and Ferry Biedermann and Alice Creischer and Andreas Siekmann and Selma Ouissi and Sofiane Ouissi and Anneka Lenssen and Liza Babenko and Hedwig Saxenhuber and Lizaveta German and Vera Tollmann and Simina Neagu and Gabriele Hoffmann and Christian H{\"o}ller and Simona Nastac and S{\"o}ren Meschede and Rahma Khazam and Daniel Horn and Christa Benzer and Christoph Braun and Thomas Edlinger and Yuki Higashino and Rahma Khazam and Gislind Nabakowski and Martin Reiterer},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3006,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 04/2014},
	series = {Kognitives Kapital},
	volume = {20},
	year = {2014},
	note = {Z Springerin 04/2014},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Kognitives Kapital

Im Zusammenhang mit informations- und wissensbasierten {\"O}konomien wird h{\"a}ufig der Begriff {\quotedblbase}kognitives Kapital{\textquotedblleft} im Mund gef{\"u}hrt. Nicht mehr physische Arbeitskraft oder industrielle Produktion gelten als Angelpunkte dieser Wirtschaftsform, sondern geistige, intellektuelle und affektive Arbeit. Zumindest postuliert es die Theorie dieser dritten Phase des Kapitalismus (nach dem Handels- und dem Industriekapitalismus) so. Zwar ist l{\"a}nger schon von {\quotedblbase}k{\"o}rperloser Arbeit{\textquotedblleft} oder vom {\quotedblbase}Semiokapitalismus{\textquotedblleft} die Rede, der vorwiegend mit immateriellen G{\"u}tern handelt, egal ob darunter Markennamen, Finanzderivate oder sogenannte Metadaten verstanden werden. Der kognitive Kapitalismus scheint sich indessen nicht blo{\ss} {\"u}ber die Produkte der geistigen Arbeit zu erstrecken, sondern {\"u}ber den gesamten kognitiven Apparat ihrer ProduzentInnen. Dieser, so die Theorie, ist immer weniger vor den alles durchdringenden Wertsch{\"o}pfungsprozessen gefeit, nicht einmal in seinen hintersten, den jeder Verwertung scheint{\textquoteright}s unzug{\"a}nglichen Regionen.
Grund genug, diesen Ansatz, auch in seiner kulturellen und k{\"u}nstlerischen Tragweite, einer umfassenderen Befragung zu unterziehen. Inwiefern macht es Sinn, den Bereich des Kognitiven und seine marktwirtschaftliche Nutzbarmachung analog zur herk{\"o}mmlichen Wertakkumulation zu verstehen? Sind die gegenw{\"a}rtigen Netzwerk{\"o}konomien, auf unz{\"a}hligen Knoten bzw. deren wechselseitiger Verst{\"a}rkung aufbauend, tats{\"a}chlich auf die mentalen Qualit{\"a}ten ihrer Subjekte r{\"u}ckf{\"u}hrbar? Muss nicht irgendwo im kognitiven R{\"u}ckhalt dieser Subjekte, so sehr sie auch gezwungen sind, ihre geistigen F{\"a}higkeiten zu Markte zu tragen, etwas angelegt sein, das sich dieser Wertsch{\"o}pfung und Kommerzialisierung versperrt?
Yann Moulier Boutang, der 2007 eine der bislang umfangreichsten Analysen des kognitiven Kapitalismus vorgelegt hat, n{\"a}hert sich im Interview diesen Fragen {\"u}ber einen Umweg. Die Metapher der herumschwirrenden Bienen, die nolens volens ihre ganz elementare Befruchtungsarbeit verrichten, bildet f{\"u}r ihn das Urbild der kognitiv Arbeitenden. Indem diese Befruchtungsarbeit auf den digitalen Plattformen, die von immer mehr Menschen genutzt werden, auf findige Weise {\quotedblbase}abgesch{\"o}pft{\textquotedblleft} wird, entsteht genau jenes Szenario, das eine sich als fortschrittlich verstehende Wissensgesellschaft vor R{\"a}tsel stellt: Wie l{\"a}sst sich der obsz{\"o}ne Ertrag, den der {\quotedblbase}Drache GAFA (Google, Amazon, Facebook, Apple){\textquotedblleft} tagt{\"a}glich einf{\"a}hrt, auf seine vielen ZuarbeiterInnen umverteilen? Ist ein revolution{\"a}res Subjekt des kognitiven Kapitalismus, so wie es das Proletariat in Bezug auf den Industriekapitalismus eines war, {\"u}berhaupt noch denkbar? Moulier Boutang sieht einen Hoffnungsschimmer in der Schaffung neuer sogenannter Commons {\textendash} eine Tendenz, die er beispielsweise im Bereich der k{\"u}nstlerischen Forschung ortet.
Diesbez{\"u}glich weniger optimistisch gibt sich Matteo Pasquinelli, der in seinem Beitrag der immer weitreichenderen {\quotedblbase}Informatisierung{\textquotedblleft} s{\"a}mtlicher Lebensbereiche, einer Art Kernoperation des kognitiven Kapitalismus, nachgeht. Von der Finanz {\"u}ber das Klima bis hin zur Gesundheit sei das {\quotedblbase}Auge des Algorithmus{\textquotedblleft} inzwischen wachsam {\textendash} und k{\"o}nne doch die st{\"a}ndig in diesen Bereichen hereinbrechenden Katastrophen nicht abwenden. Auch Kerstin Stakemeier, die in ihrem Essay die historische Figur der immateriellen Arbeit und ihre Rolle im kognitiven Kapitalismus einer eingehenden Betrachtung unterzieht, sieht wenig Anlass zu Optimismus. Sind es doch der Verlust jeglicher Zukunftsperspektive und das Syndrom des {\quotedblbase}verschuldeten Menschen{\textquotedblleft} (wie sie in Anschluss an Maurizio Lazzarato hervorhebt), welche die katastrophische Gegenwart {\"u}ber alle akuten Finanzdebakel hinaus bestimmen.
Hat der Semiokapitalismus also ein Szenario geschaffen, in dem ein Au{\ss}erhalb bzw. seine zuk{\"u}nftige {\"U}berwindung nicht einmal mehr ideell vorstellbar sind? Franco Berardi {\quotedblbase}Bifo{\textquotedblleft} greift den Aspekt der sogenannten Neuroplastizit{\"a}t auf, sprich der Formbarkeit des mentalen Apparats nach kapitalistischen Parametern, um ein zentrales Dilemma der Gegenwart herauszustreichen: Zurichtung des Geists nach Kriterien zunehmender Automation und Entfremdung, oder aber {\textendash} {\"a}hnlich wie Moulier Boutang dies suggeriert {\textendash} Selbstorganisation des {\quotedblbase}Kognitariats{\textquotedblleft} hin zu einer neuen Form von Kollektivit{\"a}t? Warren Neidich, der eine Reihe von Konferenzen zum Thema organisiert hat und dem an dieser Stelle f{\"u}r wertvolle Anregungen zu dieser Ausgabe gedankt sei, legt den Aspekt der Neuroplastizit{\"a}t auf Fragen der k{\"u}nstlerischen Produktion und nicht-normativer Verhaltensmuster um. Damit ist noch einmal ein umfassenderer Komplex angesprochen: Stimmt es beispielsweise, dass diese neue Gesellschafts- und Wirtschaftsform ihre ureigensten, zuvor nicht da gewesenen Pathologien hervorgebracht hat? Und inwiefern hat die Kunst einer Steigerung des kognitiven Kapitals nicht immer schon zugearbeitet {\textendash} oder dieses vielleicht doch stets unterwandert?
Jedenfalls attestiert Neidich der Kunst ein Potenzial der St{\"o}rung und Unterbrechung in Bezug auf den neuen Kapitalismus, das vermutlich von Fall zu Fall eigens zu beurteilen w{\"a}re. Ein Bereich hingegen, der sich bislang der Kapitalisierung weitgehend entzogen hat, ist der des Schlafs. Matthew Fuller und Alexei Penzin befassen sich beide, auf unterschiedliche Weise, mit dieser scheint{\textquoteright}s letzten Bastion gegen den alles verschlingenden Drachen. Inwiefern dem Schlaf tats{\"a}chlich eine disruptive Kraft eignet, bleibt eine spannende Frage {\textendash} wobei es nicht weiter {\"u}berraschen w{\"u}rde, wenn auch in diesem Fall ein vermeintlich uneinnehmbarer Bereich letztendlich dem Kapital anheimfiele.},
	keywords = {3D-Druck, A Book About {\textendash} What{\textquoteright}s More To Life Than Books, A Singular Form, Alain Badiou, Algorithmus, Architekturbiennale 2014, Big Data, David Parisi, Fundamentals, Georgie Nettell {\textendash} 2014, Geste, Giving Contours To Shadows, Google, Im Namen der Kunst. Eine Genealogie der politischen {\"A}sthetik, Johannes Paul Raether, Kino. Gesammelte Schriften zum Film, kognitiver Kapitalismus, Magazin, Malcolm Miles: Eco-Aesthetic. Art; Literature and Architecture in a Period of Climate Change, Nicole Six/Paul Petritsch, Oskar Hansen {\textendash} Open Form, Philipp Kleinmichel, Protektorama - Weltheilungshexe, Punctum, Roberto Simanowski: Data Love, Rosa Barba {\textendash} A Fictional Library {\textendash} Live, to take a landscape from, Unendlicher Spa{\ss}, Yann Moulier Boutang, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9503646-5-1},
	url = {https://www.springerin.at/2014/4/},
	author = {Alessandro Ludovico and Franz Thalmair and Yvonne Volkart and Julia Gwendolyn Schneider and Christian H{\"o}ller and Pascal Jurt and Matteo Pasquinelli and Johannes Paul Raether and Kerstin Stakemeier and Franco Berardi Bifo and Warren Neidich and Alexei Penzin and Maria Chekhonadsikh and Matthew Fuller and Juliane Debeusscher and Tanja Widmann and Su-Ran Sichling and Gislind Nabakowski and Christa Benzer and Susanne Neuburger and Walter Seidl and Gabriele Hoffmann and Jehuda Safran and Sabine Maria Schmidt and Bettina Brunner and Dietrich Heissenb{\"u}ttel and Manfred Hermes and Yuki Higashino and Naoko Kaltschmidt and Gislind Nabakowski},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {_kunstforum._2013-1,
	title = {Kunstforum International 220/2013},
	series = {Globalkunst},
	volume = {220},
	year = {2013},
	note = {Z Kunstforum 220/2013},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppicheroth},
	abstract = {Globalkunst {\textendash} Eine neue Weltordnung

Brasilien, China, Vereinigte Emirate, Qatar, sogar Saudi-Arabien {\textendash} mit jedem Jahr w{\"a}chst die Landkarte der Kunstwelt in beispiellosem Tempo. Wir erleben den Beginn einer neuen Weltordnung. Die USA hat ihre Position als Leitkultur bereits verloren, aus New York kommen keine bewegenden Impulse mehr. Das Kr{\"a}fteverh{\"a}ltnis verschiebt sich in den geopolitischen S{\"u}den. Die neuen Zentren der aktuellen Kunstwelt sind in Hong Kong, Dubai und Singapur {\textendash} den am schnellsten wachsenden Finanzpl{\"a}tzen. K{\"o}nnen wir m{\"o}glicherweise vom Beginn einer neuen Epoche sprechen, die wir Globalit{\"a}t nennen, und die Kunst in dieser Zeit als {\textasciiacute}Globalkunst{\textasciiacute} bezeichnen? Diese Frage steht im Zentrum dieses Bandes. Wie kontrovers der Begriff {\textasciiacute}Globalkunst{\textasciiacute} ist, zeigen die Antworten mehrerer dazu befragter Akteure der globalisierten Kunstwelt.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg. and Sabine B. Vogel}
}
@book {_kunstforum._2013-2,
	title = {Kunstforum International 221/2013},
	series = {Zur Lage der Kunstkritik},
	volume = {221},
	year = {2013},
	note = {Z Kunstforum 221/2013},
	publisher = {Kunstforum International },
	organization = {Kunstforum International },
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Zur Lage der Kunstkritik

Der vorliegende Band {\quotedblbase}Zur Lage der Kunstkritik{\textquotedblleft} kann als eine Art Jubil{\"a}umsheft gelesen werden. Das erste Heft von KUNSTFORUM ist 1973 erschienen. 40 Jahre - von 1973 bis heute hat die Zeitschrift KUNSTFORUM International eine kulturkritische Auseinandersetzung mit den K{\"u}nsten auf h{\"o}chstem Niveau betrieben. Immer wieder hat sie Ph{\"a}nomene und Erscheinungsformen im {\quotedblbase}Betriebssystem Kunst{\textquotedblleft} kritisch er{\"o}rtert, bevor sie in ihren Auspr{\"a}gungen manifest wurden. Inzwischen bei Band 221 angelangt, liegt der Fokus zwar folgerichtig, aber auch nicht ohne ein gewisses Wagnis, auf dem Thema {\quotedblbase}Kunstkritik{\textquotedblleft}, das unter anderem durch die vielen dezidierten Ausstellungsbesprechungen reichhaltigen Stoff bereitstellt f{\"u}r eine Geschichte der Kunstkritik im 20. und 21. Jahrhundert. Das vorliegende Heft zeigt mit engagierten Beitr{\"a}gen seitens versierter Autoren, dass die Entwicklung der Kunstkritik l{\"a}ngst nicht abgeschlossen ist und der Diskurs {\textendash} nach permanenten Verk{\"u}ndigungen von dessen Ableben oder Krise {\textendash} allm{\"a}hlich wieder in Fluss kommt. Das Heft kann und soll Erkenntniszugang zum Ph{\"a}nomen der Kunstkritik bieten. Dazu geh{\"o}rt, dass die Auseinandersetzung mit Leidenschaft statt Larmoyanz gef{\"u}hrt wird. Ein erkennbar roter Faden durch die vorliegenden Beitr{\"a}ge l{\"a}sst die Kritiker als Katalysatoren erscheinen, die Streitpunkte avisieren, Thesen behaupten und Themen setzen {\textendash} durch dieses Dialogspielfeld erh{\"o}ht sich das Verst{\"a}ndnis von Kunst.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {3050,
	title = {Kunstforum International 222/2013},
	series = {55. Biennale Venedig},
	volume = {222},
	year = {2013},
	note = {Z Kunstforum 222/2013},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppicheroth},
	abstract = {55. Biennale Venedig
Il Palazzo Enciclopedico

Die 1895 gegr{\"u}ndete Biennale Venedig ist die {\"a}lteste Weltausstellung bildender Kunst. Und sie gilt bis heute als eine der Wichtigsten. Die 55. Ausgabe Il Palazzo Enciclopedico wird von dem {\quotedblbase}j{\"u}ngsten k{\"u}nstlerischen Leiter aller Zeiten{\textquotedblleft}, dem 39j{\"a}hrigen Massimiliano Gioni, verantwortet. Dieser {\"u}berrascht mit einer Schau, die so gar nicht dem bekannten Biennale-Schema entspricht: Von den rund 160 von ihm ausgew{\"a}hlten K{\"u}nstlern sind mehr als ein Viertel bereits gestorben. Und: zahlreiche von ihnen haben niemals eine Kunstakademie besucht. Es sind Autodidakten, Menschen, die Kunst gemacht haben, weil es ihnen ein inneres Anliegen war: Arbeiter, Ingenieure, Verr{\"u}ckte, Okkultisten, Weltverbesserer. Damit hat Gioni das ungeschriebene Gesetz der Biennale {\textendash} n{\"a}mlich ein Ort f{\"u}r das Neue zu sein {\textendash} souver{\"a}n au{\ss}er Kraft gesetzt. (Haupt-)Thema seiner Ausstellung ist das Bestreben des Menschen nach vollst{\"a}ndigem Wissen. In einer Zeit, in der wir einem konstanten Informations{\"u}berfluss ausgesetzt sind, scheine ihm dieses aktueller als je zuvor.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {2408,
	title = {Kunstforum International 223/2013},
	series = {Urban Performance 1},
	volume = {223},
	year = {2013},
	note = {Z Kunstforum 223/2016
},
	publisher = {Kunstforum International },
	organization = {Kunstforum International },
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Urban Performance 1

Der Kunstdiskurs des letzten Jahrzehnts lenkte die Aufmerksamkeit zunehmend auf die Stadt, der {\quotedblbase}performative turn{\textquotedblleft}. Ausgehend von der Pr{\"a}misse, dass die Stadt als ein Soziogeflecht aus Handlungen und Interaktionen verstanden werden kann, widmet sich {\quotedblbase}Urban Performance{\textquotedblleft} dem Verh{\"a}ltnis von Stadt, Kunst und Performance. Die Stadt fungiert als Austragungsort und Thema k{\"u}nstlerischer Aktionen und Interventionen, gleichzeitig ist sie selbst ein aufgef{\"u}hrtes und permanent neu aufzuf{\"u}hrendes Ereignis. Wenn Kunst im Stadtraum agiert, verbindet sie damit immer wieder den Anspruch des {\quotedblbase}Rechts auf Stadt{\textquotedblleft}, den Anspruch auf Aneignung und Mitbestimmung. An diesem Punkt ber{\"u}hren sich j{\"u}ngere Aktionskunst und politischer Aktivismus, beide setzen auf die {\"o}ffentliche Inszenierung und die Pr{\"a}senz der K{\"o}rper im {\"o}ffentlichen Raum. Der erste Band von {\quotedblbase}Urban Performance{\textquotedblleft} ist neun St{\"a}dten mit besonderen gesellschaftlichen Dynamiken gewidmet: Athen, Berlin, Delhi, Istanbul, Johannesburg, Moskau, S{\~a}o Paulo, Gespr{\"a}che mit K{\"u}nstlern und Architekten (Sophie Wolfrum, raumlaborberlin, M + M, Ji{\v r}{\'\i} Kovanda und Jochen Gerz)schlie{\ss}en sich an die Dokumentation an..},
	keywords = {21. Jahrhundert, Kunst im {\"o}ffentlichen Raum, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {2409,
	title = {Kunstforum International 224/2013},
	series = {Urban Performance 2},
	volume = {224},
	year = {2013},
	note = {Z Kunstforum 224/2016
},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Urban Performance 2

Performances und die theoretische Auseinandersetzung mit dem Performativen haben Konjunktur. Nachdem in den sp{\"a}ten Achtzigerjahren im Bereich der Kunst das Interesse an Performances sank, erwachte es im letzten Jahrzehnt erneut. Historische R{\"u}ckblicke, Neuaneignungen in Form von Re-Enactments und die Neuproduktion von Performances nahmen st{\"a}ndig zu.Der Fokus aufs Performative pr{\"a}gt seit einiger Zeit auch das wissenschaftliche Erkenntnisinteresse, so postulierten Kulturwissenschaft und einzelne Kulturwissenschaften in Analogie zum und in Abkehr vom {\quotedblbase}linguistic turn{\textquotedblleft} den {\quotedblbase}performative turn{\textquotedblleft} Parallel zu Kunst und Wissenschaft kann in der sozialen und kommunikativen Alltagspraxis eine zunehmende Drift weg vom Konstativen hin zum Performativen beobachtet werden. Urban Performanc II als Fortsetzng der Diskussion des letzten Bandes r{\"u}ckt nun in einem kurzen R{\"u}ckblick die Geschichte der {\quotedblbase}Urban Performance{\textquotedblleft} ins Blickfeld und dokumentiert {\"u}ber eine gro{\ss} angelegte Bildstrecke ihre aktuellen Auftritte. Im Zentrum des Bandes steht die Frage nach den Grenzen{\"u}berschreitungen der Urban Performance hin zu anderen Disziplinen.},
	keywords = {21. Jahrhundert, Kunst im {\"o}ffentlichen Raum, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {3013,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 01/2013},
	series = {Antihumanismus},
	volume = {19},
	year = {2013},
	note = {Z Springerin 01/2013},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Antihumanismus

Antihumanismus in der Kunst? Vermutlich schrillen bei diesem Gedanken sofort die Alarmglocken, schwingt darin doch unweigerlich ein Aspekt von {\quotedblbase}Unmenschlichkeit{\textquotedblleft} mit. Doch nicht erst seit der letzten documenta ist die Frage virulent, wie ein Weltbild aussehen k{\"o}nnte, das vom Menschen als zentralem Bezugspunkt bewusst absieht. Ein gleichsam egalit{\"a}res In-der-Welt-Sein, das sich auf einer Stufe mit anderen Lebewesen und Organismen, und nicht als diesen herrschaftlich {\"u}bergeordnet sieht. Eine Weltsicht, welche die vor Langem eingeleitete kopernikanische Wende weg vom menschlichen Subjekt als Mittelpunkt allen Seins konsequent weitervollzieht.
Die philosophischen, aber auch k{\"u}nstlerischen Ans{\"a}tze, die sich dies zum Ziel gesetzt haben, lassen sich bis weit ins letzte Jahrhundert zur{\"u}ckverfolgen. Strukturalismus und Poststrukturalismus waren nur die letzten gro{\ss}en Spitzen eines Theorie-Eisbergs, der auf die {\quotedblbase}Dezentrierung{\textquotedblleft} des menschlichen Subjekts hin angelegt war und dabei {\textendash} so scheint es im R{\"u}ckblick der letzten 50 Jahre {\textendash} an dieser Zentralstellung in pragmatischer Hinsicht insgesamt nur wenig {\"a}ndern konnte. Gerade deshalb ist es immer wieder n{\"o}tig, an die uneingel{\"o}sten Versprechen und Ideen dieser Denkschulen zu erinnern bzw. sie nach M{\"o}glichkeit auf den Stand der Zeit zu bringen. Die Frage, inwiefern k{\"u}nstlerische Praktiken in dieser Hinsicht nicht ohnehin meist einen Schritt weiter und in Sachen Entthronung des alles bestimmenden Subjekts federf{\"u}hrend waren, stellt hier eine erg{\"a}nzende Perspektive dar.

Insgesamt mutet es reichlich paradox an, aus intellektueller, also denkender Position der Basis dieses Denkens, sprich der subjekt- oder personenzentrierten Vernunft, eine Absage zu erteilen. Das Fundament aller weltlichen und {\"a}sthetischen Erfahrung dadurch untergraben zu wollen, indem man das, was au{\ss}erhalb ihrer selbst liegt, einzuholen versucht. Ja sich anschickt, aus diesem Einholen und Sich-{\"O}ffnen eine neue Denkbasis aufzubauen.
Die Beitr{\"a}ge im vorliegenden Heft gehen diesen Paradoxien nach und versuchen eine aktuelle Bestandsaufnahme von gegen den sogenannten {\quotedblbase}Anthropozentrismus{\textquotedblleft} gerichteten Ans{\"a}tzen. Eine wesentliche Rolle kommt dabei dem Spekulativen Realismus zu, der seit geraumer Zeit von sich reden macht und der Objektwelt, unabh{\"a}ngig von einem wahrnehmenden oder erkennenden Geist, zu ihrem ureigensten Recht verhelfen m{\"o}chte. Zwei Beitr{\"a}ge widmen sich diesem Komplex, der auch in der gegenw{\"a}rtigen Kunstproduktion einen immer wichtigeren Part einnimmt. Zum einen breitet Rahma Khazam in einer Reihe von Interviews Positionen und Modelle aus, die aus kuratorischer und k{\"u}nstlerischer Sicht eine spekulativ-realistische Praxis erschlie{\ss}en lassen. Zum anderen werden im Gespr{\"a}ch, das Pascal Jurt mit dem Amerikanisten Ridvan Askin gef{\"u}hrt hat, die theoretischen Grundlagen dieses Denkansatzes auf den Pr{\"u}fstand gestellt. Nicht zuletzt betrifft dies auch die Art von Politizit{\"a}t, die {\textendash} nicht auf Anhieb ersichtlich {\textendash} in den Spekulativen Realismus eingeschrieben, oder wie die KritikerInnen sagen: darin abwesend ist.
Derlei Streitpotenzial kennzeichnet aber nicht nur das aktuelle subjektkritische Denken, sondern wirkt auch aus den historischen Tiefen des erw{\"a}hnten poststrukturalistischen Versuchs der Subjekt{\"u}berwindung nach. F{\'e}lix Guattari, meist nur in Zusammenhang mit seinem langj{\"a}hrigen Philosophie- und Schreibpartner Gilles Deleuze rezipiert, erf{\"a}hrt diesbez{\"u}glich eine immer h{\"o}here Wertsch{\"a}tzung. Vor allem Guattaris im Zusammenhang ausgedehnter Lateinamerikareisen entwickelte Diagnose eines {\quotedblbase}integrierten Weltkapitalismus{\textquotedblleft} machte, lange bevor von den Vor- und Nachteilen der Globalisierung die Rede war, einen weltweiten {\quotedblbase}maschinischen Zusammenhang{\textquotedblleft} geltend. Diesem {\quotedblbase}Maschinischen{\textquotedblleft}, der alles Subjektive weit {\"u}bersteigt, geht Max Hinderer in seinem Essay nach, der die Aufmerksamkeit auf die {\quotedblbase}Flie{\ss}bandproduktion{\textquotedblleft} jeglicher Form von Subjektivit{\"a}t lenkt und damit ein h{\"o}chst akkurates Gegenwartsbild zeichnet.

In F{\'e}lix Guattaris Idee einer das Subjektive hinter sich lassenden, weltumfassenden Wunschmaschinerie ({\quotedblbase}Assemblage{\textquotedblleft}, wie er es nannte) spielt auch der Animismus eine wichtige Rolle. Der Beseeltheit der Objektwelt, der in den letzten Jahren mehrere Ausstellungsprojekte gewidmet waren, wird in diesem Heft auf komprimierter Basis nochmals eigens nachgegangen. Jasbir Puar schlie{\ss}lich, die sich im Gefolge von 9/11 mit {\quotedblbase}terroristischen Assemblagen{\textquotedblleft} und dem Erstarken des von ihr sogenannten {\quotedblbase}Homonationalismus{\textquotedblleft} befasst hat, steht zu Aspekten des Posthumanismus Rede und Antwort. Innerhalb immer komplexerer diskursiver Netze wird das Humane, so Puars Fazit, {\quotedblbase}zu einem von vielen Knotenpunkten{\textquotedblleft} {\textendash} anstatt der zentrale Bezugspunkt f{\"u}r Weltauslegung, Macht und Bedeutung zu sein. Diese Relativierung bzw. Erweiterung des Denkens gibt die Richtung vor, an der sich jede k{\"u}nftige Kritik am anthropozentrischen Modell wohl oder {\"u}bel zu orientieren hat.

Die Beitr{\"a}ge dieses Hefts fragen insgesamt nach den Potenzialen einer Haltung, die sich aktiv gegen die instrumentelle Verf{\"u}gungsgewalt des Menschen wendet. Einer gro{\ss}teils noch zu entwickelnden Einstellung, die sich selbst als grunds{\"a}tzlich limitiert, bescheiden und unvollst{\"a}ndig betrachtet. Ohne in den Regress einer unreflektierten Liebe zum {\quotedblbase}Anderen{\textquotedblleft} zu verfallen, soll so die Aussicht eines k{\"u}nstlerischen Antihumanismus erkundet werden {\textendash} eines Denkens, das nicht Unmenschlichkeit verbreiten m{\"o}chte, sondern sich als emanzipatorisches Projekt versteht.
{\"U}brigens erscheint diese Ausgabe, wie Sie bereits bemerkt haben, in v{\"o}llig {\"u}berarbeitetem Design. Nach zehn Jahren, in denen die vom Grafikb{\"u}ro Surface entworfene Gestaltung unver{\"a}ndert beibehalten wurde, war es an die Zeit, das Erscheinungsbild auf einen neuen, zeitgem{\"a}{\ss}en Stand zu bringen. Wir hoffen, dass Sie diesen Wechsel ebenso freudig begr{\"u}{\ss}en wie wir, die Redaktion.},
	keywords = {1. Kunstbiennale Pal{\"a}stina, Acts of Voicing, Alejandro Cesarco, Angelika Bartl: Andere Subjekte, Armin Krishnan: Gezielte T{\"o}tung, Babak Afrassiabi/Nasrin Tabatabai: Seep, Danh V{\~o}, Faith is the Place {\textendash} the Urban Cultures of Global Prayers, Felix Guattari, Fiona Rukschcio, Florian Pumh{\"o}sl: R{\"a}umliche Sequenz, fognews.ru, Hans-Ulrich Reck: Pier Paolo Pasolini, Hofstetter Kurt: ZART una cantata moebius, Jasbir K. Puar, Keine Zeit, Luke Fowler, Magazin, Newtopia: The State Of Human Rights, Qalandiya International, retaped Rape, Ridvan Askin, Roman Ond{\'a}k, Sammlung des Centre Pompidou, {\c S}ener {\"O}zmen: Zero Tolerance, steirischen herbst, Sterne; Streifen und Champagnergl{\"a}ser, Tbilisi Triennale, World Game Lab, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-626-9},
	url = {https://www.springerin.at/2013/1/},
	author = {Timothy Druckrey and Franz Thalmair and Bronac Ferran and Alessandro Ludovico and Julia Gwendolyn Schneider and Christian H{\"o}ller and Herwig G. H{\"o}ller and Rahma Khazam and Pascal Jurt and Max Jorge Hinderer and Tim St{\"u}ttgen and Billy Holiday and R{\'u}bia Salgado and Juliane Debeusscher and Rachel Mader and S{\"u}reyyya Evren and Alia Rayyan and Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Hedwig Saxenhuber and Monika Vykoukal and Katrin Mundt and Michael Hauffen and Christian Egger and Yuki Higashino and Thomas Edlinger and Gislind Nabakowski and Bert Rebhandl and Roland Sch{\"o}ny and Renate W{\"o}hrer},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3012,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2013},
	series = {Unruhe der Form},
	volume = {19},
	year = {2013},
	note = {Z Springerin 02/2013},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Unruhe der Form

Eine Zeit lang schien es, als w{\"u}rden weltweit, unzusammenh{\"a}ngend und verstreut, immer neue, schier unersch{\"o}pfliche Protestformen aus dem Boden sprie{\ss}en. Zuletzt jedoch entstand der Eindruck, als w{\"u}rde das {\quotedblbase}alte System{\textquotedblleft} oder eine gerade im Entstehen begriffene, nicht minder autorit{\"a}re Ordnung in dieser Auseinandersetzung um gerechtere Lebensbedingungen die Oberhand behalten. F{\"u}r das k{\"u}nstlerisch-kulturelle Feld, das sich mit derlei Protestbewegungen solidarisieren will, stellt sich somit eine Reihe von neuen, brisanten Fragen: Auf welche Weise kann die aktuelle Kunst den Widerstand gegen {\"o}konomische Strukturen bef{\"o}rdern, an denen sie nolens volens selber teilhat? Sind hinter den Fassaden ihrer als frei gedachten R{\"a}ume die Potenziale des {\quotedblbase}Schwierigen{\textquotedblleft} und Nonkonformen nicht l{\"a}ngst liquidiert worden? Muss das Projekt einer politischen {\"A}sthetik jenseits eines medial verwertbaren Aktivismus nicht als abgebrochen oder verdr{\"a}ngt gelten? Und schlie{\ss}lich: L{\"a}sst sich diese {\quotedblbase}historische Aporie{\textquotedblleft} (wie man berechtigterweise sagen k{\"o}nnte) dergestalt zuspitzen, dass sich daran auch die k{\"u}nstlerische Imagination von politischer Subjektivit{\"a}t neu entfachen kann?
Fragen wie diese bilden den Ausgangspunkt des Projekts Unruhe der Form, das die Wiener Festwochen im Fr{\"u}hjahr 2013 an verschiedenen Schaupl{\"a}tzen in Wien realisieren. Eingebunden in das genre{\"u}bergreifende Projekt sind die R{\"a}ume der Secession sowie die benachbarten Ausstellungsfl{\"a}chen der Akademie der bildende K{\"u}nste und des MuseumsQuartiers. Zusammen bilden diese R{\"a}ume einen Parcours, der durch k{\"u}nstlerische Beitr{\"a}ge, Lectures, Konzerte und Performances tempor{\"a}r belebt wird und {\textendash} zwischen bildender und darstellender Kunst changierend {\textendash} eine m{\"o}gliche Agora der Zukunft ermisst. Zudem setzt sich eine Reihe von AutorInnen in Form von Reden mit blinden Flecken der gegenw{\"a}rtigen politischen Lage auseinander und versucht anzusprechen, was im {\"o}ffentlichen Diskurs fehlt oder schlichtweg st{\"o}rt.
All dies erstreckt sich {\"u}ber einen Zeitraum von f{\"u}nf Wochen und geht in gro{\ss}teils zeitgebundenen Formaten {\"u}ber die B{\"u}hne. Das vorliegende, in Kooperation mit dem Festwochen-Projekt entstandene Heft, versteht sich im Verh{\"a}ltnis dazu als begleitender Reader und versucht ausschnitthaft Schlaglichter auf die darin aufgeworfenen Problematiken zu werfen. Da ist zun{\"a}chst das komplexe Beziehungsgeflecht zwischen bildender Kunst, Performance und Theater, dem ein Roundtable mit Teilnehmenden am Projekt Unruhe der Form nachgeht. Weit davon entfernt, zu einer einhelligen Einsch{\"a}tzung einer selig machenden Crossover-Praxis zu kommen, werden darin gerade die Differenzen betont: etwa der selbstbez{\"u}gliche Rahmen, dem die Gegenwartskunst nicht wirklich entkommen kann; die Kreation {\quotedblbase}aus dem Nichts{\textquotedblleft}, wie sie die Performancekunst lange charakterisiert hat; schlie{\ss}lich das gemeinschaftsgenerierende Moment des Theaters. All diese, die Disziplinen nach wie vor trennenden Aspekte werden in dem multifokalen Gespr{\"a}ch nicht zu {\"u}berspielen, sondern f{\"u}r den gemeinsamen, Entlegenes zusammenf{\"u}hrenden Projektrahmen produktiv zu machen versucht.
Keti Chukhrov, eine der Gespr{\"a}chs- und Projekteilnehmerinnen, hat sich intensiv mit den epistemologischen Grundlagen von Performance und Theater befasst und f{\"u}hrt diese Unterscheidung in ihrem Essay weiter aus. Chukhrovs theoretische Auff{\"a}cherung dessen, was {\quotedblbase}Auff{\"u}hren{\textquotedblleft} entlang philosophischer Parameter alles bedeutet, macht unter anderem deutlich, wie schwer sich darstellende Formate letztlich dem gegenwartsk{\"u}nstlerischen Diskurs einpassen lassen. Dass die Frage nach darstellerischen Formen {\textendash} Aspekte wie Adaptierbarkeit, Plastizit{\"a}t und Formbarkeit betreffend {\textendash} noch ganz andere Dimensionen hat, dies unterstreichen die Heftbeitr{\"a}ge von Catherine Malabou und Brian Massumi. Malabou geht, in Anschluss an Derrida und L{\'e}vinas, der Problematik nach, inwiefern der Aspekt der Formbarkeit im Zusammenhang mit Gastfreundschaft und der Aufnahme des bzw. der {\quotedblbase}Anderen{\textquotedblleft}, also zentrale politische Themen unserer Zeit, eine Rolle spielen. Malabous Fazit und abschlie{\ss}endes Pl{\"a}doyer gehen dahin, eine plastische Art von Gastlichkeit anzuerkennen und diese konsequent vom neo{\"o}konomischen Schreckgespenst der Flexibilit{\"a}t abzugrenzen.
Brian Massumi, langj{\"a}hriger Exeget und einer der besten Kenner der Schriften von Gilles Deleuze und F{\'e}lix Guattari, greift deren beharrliche Skepsis gegen jegliche Form von Ideologie auf. Seine ausf{\"u}hrliche Darlegung widmet sich der Ebene elementarster Affektbegegnungen, sprich der Frage, wie sich das Soziale von Grund auf selbst strukturiert, ohne dass dabei irgendeine Form von ideellem {\"U}berbau im Spiel ist. Dies hat nicht nur weitreichende Implikationen, was gegenw{\"a}rtige Regierungs- und Beherrschungstechniken betrifft, sondern auch dahingehend, worin die den aktuellen Protestformen inh{\"a}rente Widerst{\"a}ndigkeit genau liegt.
Derlei {\quotedblbase}unruhiges{\textquotedblleft} Formverst{\"a}ndnis wieder auf die Gegenwartskunst und ihr Verh{\"a}ltnis zu Protest- und Widerstandsansinnen umzulegen, dies nehmen sich die Beitr{\"a}ge von S{\"u}reyyya Evren und Nicolas Siepen vor. Beide machen in ihren Essays auf jeweils unterschiedliche Weise geltend, dass der Ansatz einer dezidiert politischen Kunst stets auch impliziert, eine entsprechende, zuvor nicht existente Form zu finden {\textendash} ja dass diese unabschlie{\ss}bare, stets von Neuem zu ergr{\"u}ndende Suchbewegung eines ihren ureigensten Merkmale bildet.
Schlie{\ss}lich enth{\"a}lt der Thementeil abschlie{\ss}end eine der literarischen Reden, mit denen Teilnehmende an Unruhe der Form, in diesem Fall Judith Nika Pfeifer, die blinden Flecken der real existierenden Politik adressieren. Wie in den {\"u}brigen Beitr{\"a}gen geht es auch darin um zeitgem{\"a}{\ss}e Formen {\textendash} gleichsam Ventile, die Auswege aus der heute herrschenden politischen Subjektivierung andeuten. Auswege, die sich keinem verordneten Format f{\"u}gen und in denen sich zugleich auch eine Sch{\"a}rfung der k{\"u}nstlerischen Imagination ank{\"u}ndigt.},
	keywords = {39greatjones, A Watermark: Capitol Complex, Anna Jermolaewa, Aufstieg und Fall der Apartheid: Fotografie und B{\"u}rokratie des t{\"a}glichen Lebens, Brian Massumi, Dora Garcia Johannes Porsch, Felix Guattari, Gerald Raunig, Geschlossene Gesellschaft. K{\"u}nstlerische Fotografie in der DDR 1949{\textendash}1989, Graeme Thomson, Graffiti, Iris Andraschek, Isabell Lorey, Jens Kastner, Josef Dabernig, Kochi-Muziris Biennale, Luke Fowler, Magazin, Materializing {\quotedblbase}Six Years{\textquotedblleft}: Lucy R. Lippard and the Emergence of Conceptual Art, Mierle Laderman, New Impressions of Raymond Roussel, NODE13 {\textendash} Forum for Digital Arts, OcIsabell Lorey: Die Regierung der Prek{\"a}ren, Panorama, Project Proposal $\#$6: Display, Ragnar Kjartansson, Rosa Arbeit auf goldener Stra{\ss}e, Shape as Form (Come the Fuck in or Fuck the Fuck off), Silvia Maglioni, The Rules, The Visitors, Tom Waibel, Tris Vonna-Michell Das Unangemessene, Ukeles Maintenance Art Works 1969{\textendash}1980, Waves vs. Particles, Where to draw the Line, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-627-6},
	url = {https://www.springerin.at/2013/2/},
	author = {Franz Thalmair and Martin Conrads and Rahma Khazam and Mona Sarkis and Christian H{\"o}ller and Vera Tollmann and Georg Sch{\"o}llhammer and Keti Chukhrov and Hannah Hurtzig and Chris Kondek and Carola Dertnig and Stefanie Carp and Iris Dressler and Catherine Malabou and Tris Vonna-Michell and Yubraj Aryal and S{\"u}reyyya Evren and Nicolas Siepen and Judith Nika Pfeifer and Elske Rosenfeld and Susanne Neuburger and Ines Kleesattel and Christian Kravagna and Andrey Parshikov and Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Julia Moritz and Monika Vykoukal and Christa Benzer and Carola Platzek and Yvonne Volkart and Gislind Nabakowski and Gislind Nabakowski and Yuki Higashino and Jens Kastner and Katrin Mundt and Martin Reiterer},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3011,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 03/2013},
	series = {Apparate Maschinen},
	volume = {19},
	year = {2013},
	note = {Z Springerin 03/2013},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Apparate Maschinen

Maschinen und Apparate scheinen uns fest im Griff zu haben. Selbst die Freiheiten, die wir zu genie{\ss}en vermeinen, beruhen zu einem guten Teil auf maschinellen Vorrichtungen {\textendash} egal, wie viel Kontrolle wir {\"u}ber sie auszu{\"u}ben glauben. Immer neue Gadgets bis hin zu apparativen Prozessen durchdringen unseren Alltag {\textendash} vielfach auch ohne unser explizites Bewusstsein davon. Etwas {\"u}bertrieben l{\"a}sst sich sogar behaupten, dass Innovation und Fortschritt heute allenfalls auf technologischem Gebiet stattfinden. Sozial, politisch, aber auch k{\"u}nstlerisch hingegen mehren sich die Anzeichen, dass in erster Linie, und das mit schwankendem Erfolg, ein zweifelhafter Ist-Zustand verwaltet wird. Ein Status quo, der hochgradig maschinellen Logiken und Verfahrensweisen unterworfen ist.
Jedenfalls arbeiten die Novit{\"a}ten- und Entwicklungslabors der Gro{\ss}konzerne auf Hochtouren, um den Techno-Kapitalismus mit immer neuen Ger{\"a}ten und Apparaturen zu speisen. Vor allem im milit{\"a}rischen und sicherheitspolitischen, aber auch im informationstechnologischen und unterhaltungsindustriellen Bereich wird so eine Art Weltmotor am Laufen gehalten, der auf vielfache Weise kulturelle und soziale Zusammenh{\"a}nge mitantreibt und -steuert.
Die vorliegende Ausgabe widmet sich den sichtbaren Symptomen dieser Wirklichkeit gewordenen, jedoch oft nur schwer fassbaren Allgegenwart des Maschinellen. Timothy Druckrey, der sich lange Zeit schon mit der Wirkungsweise {\quotedblbase}medialer Dispositive{\textquotedblleft} befasst, geht in seinem Beitrag einem spezifischen Aspekt dieser Allgegenwart nach: n{\"a}mlich der immer undurchdringlicheren Flachheit, die uns der Umgang mit Hightech und medialen Apparaturen geradezu aufzwingt. Ob dies einer Verschw{\"o}rung gleichkommt oder nur die gerade aktuelle Auspr{\"a}gung des {\quotedblbase}maschinischen Unbewussten{\textquotedblleft} ist, bleibt dabei offen. Anne Querrien und Anne Sauvargnagues besch{\"a}ftigen sich mit Letzterem und fragen (im Anschluss an F{\'e}lix Guattari), inwiefern ein bestimmtes Nicht-Funktionieren, ja das Scheitern als wesentlicher Teil des Maschinendenkens zu verstehen ist. Schlie{\ss}lich ist das m{\"o}glichst reibungslose, ungebrochene Funktionieren blo{\ss} das Ideal einer weltbeherrschenden Technologiefantasie, dem sich das st{\"o}rrische Unbewusste der Menschen wom{\"o}glich nicht so einfach f{\"u}gt.
Den gro{\ss}teils unbewussten Facetten der aktuell sich ausbreitenden Machtkybernetik geht auch Matteo Pasquinelli in seinem Essay nach. Waren die Maschinen des Industriezeitalters auf gewisse Weise stets auch informationsverarbeitende Maschine, so stehen wir heute laut Pasquinelli tats{\"a}chlich an einer historischen Schwelle: nicht mehr Information, sprich Daten werden prim{\"a}r verarbeitet (und damit der Produktionsprozess vorangetrieben), sondern {\quotedblbase}Daten {\"u}ber Daten{\textquotedblleft}, sogenannte Metadaten {\textendash} was sich in der gigantischen Sammelpraxis von sozialen Netzwerken bis hin zu den immer monstr{\"o}seren {\"U}berwachungsvorrichtungen auf der ganzen Welt zeigt. Wie tragf{\"a}hig eine darauf aufbauende Wissens{\"o}konomie, Schl{\"u}sselbegriff des von Silicon Valley ausstrahlenden Infokapitalismus, ist, l{\"a}sst sich nur schwer antizipieren. Marxistische Querdenker wie der italienische Ingenieur Amadeo Bordiga haben jedoch {\textendash} punktuell, aber beharrlich {\textendash} immer schon davor gewarnt, Technologie und Fortschritt vorschnell in eins zu setzen. Felix Klopotek rekapituliert in seinem Beitrag das Denken dieses heute weitgehend vergessenen Renegaten. Wohlgemerkt scheint die Option, sich technologischer Innovation einfach zu verschlie{\ss}en, nicht mehr ohne Weiteres gangbar {\textendash} unterwirft man sich dadurch doch a priori einem immer l{\"u}ckenloseren Macht- und Technologiegef{\"u}ge.
Eine der j{\"u}ngsten (und perfidesten) Ausw{\"u}chse dieses Gef{\"u}ges sind die vor allem milit{\"a}risch genutzten Drohnen. Herwig H{\"o}ller umrei{\ss}t das langsam erwachende kritische Interesse an den ferngesteuerten T{\"o}tungswerkzeugen, die vor allem vonseiten der USA in den letzten zehn Jahren massenhaft eingesetzt wurden. Auch auf k{\"u}nstlerischer Seite scheint sich eine erh{\"o}hte Aufmerksamkeit in diese Richtung zu entwickeln, und Trevor Paglens seit Jahren verfolgtes {\quotedblbase}Drohnenprojekt{\textquotedblleft} steht hier als Beispiel einer subtileren Ann{\"a}herung an ein (milit{\"a}risches) Ph{\"a}nomen, das sich der Sichtbarkeit und dem Bewusstsein der {\"O}ffentlichkeit weitgehend entzieht. So lassen Paglens Fotografien absichtlich in Schwebe, was genau zu sehen ist am Himmel, der jenseits unserer Wahrnehmungsschwelle l{\"a}ngst von hochger{\"u}steter High-End-Technologie okkupiert ist.
Auch der den Kernteil dieser Ausgabe er{\"o}ffnende Beitrag geht von komplexeren Verh{\"a}ltnissen zwischen Mensch und Apparaten aus. Tanja Widmann reinszeniert hier einen Teil ihres Ausstellungsprojekts eine von euch, worin sie das Feld der Primaten- bzw. Menschenaffenforschung mit technologischen und gesellschaftspolitischen Entwicklungen verkn{\"u}pft. Anhand simpel und reduziert wirkender Ger{\"a}tschaften, die als Z{\"a}hmungs- wie auch Stimulierungswerkzeuge dienen k{\"o}nnen, wird ein recht grundlegendes {\quotedblbase}maschinisches Denken{\textquotedblleft} exponiert, das von einer reichhaltigen Zitatcollage durchsetzt ist.
Beispielhaft wird daran {\textendash} so wie in vielen weiteren Beitr{\"a}gen {\textendash} ersichtlich, dass das in dieser Ausgabe umrissene Szenario gleichwohl reflexive Verwendungsweisen zul{\"a}sst. M{\"o}gen Apparat(e) und Ideologie auch immer weniger voneinander trennbar sein {\textendash} jeglicher kritische Spielraum ist damit l{\"a}ngst nicht verbaut.},
	keywords = {Ahlam Shibli, Amadeo Bordiga, Asco: Elite de lo oscuro. Una retrospectiva 1972{\textendash}1987, At Your Own_____., Bulletins of the Serving Library $\#$4, Clemens Apprich, Designer Cartier Love Bracelet Ring Sale-005-try.jpg, Digitalisierung, Filipa C{\'e}sar, Justin Barton, Kenneth Goldsmith, Kino-Foto-Menschengans - Fotografie und B{\"u}rokratie des t{\"a}glichen Lebens, Konzeptuelle Poesie, Let There Be Light, Lieber Aby Warburg, Losing the Human Form - A Seismic Image of the 1980s in Latin America, Magazin, Mark Fisher, Mathieu Copeland, Nasan Tur, Netzkultur, Oberhausener Kurzfilmtage, On Vanishing Land, Phantom Home, Queering Anarchism Addressing and Undressing Power and Desire, Semiconductor, Single Shot Films, Tanja Widmann, Tim St{\"u}ttgen, Trevor Paglen - Untitled (on-going drone project), Ulrich Gutmair: Die ersten Tage von Berlin: Der Sound der Wende, was tun mit Bildern? Vom Umgang mit fotografischem Material, Wolfang M{\"u}ller: Subkultur Westberlin 1979{\textendash}1989. Freizeit, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9503646-0-6},
	url = {https://www.springerin.at/2013/3/},
	author = {Timothy Druckrey and Rainer Bellenbaum and Vera Tollmann and Alessandro Ludovico and Sarah Kay{\ss} and Anne Querrien and Anne Sauvagnargues and Matteo Pasquinelli and J. Emil Sennewald and Felix Klopotek and Herwig G. H{\"o}ller and Bariaa Mourad and Yvonne Volkart and Su-Ran Sichling and Amy Croft and Karin Jaschke and Sophie Goltz and Monika Vykoukal and Anna Artaker and Gabriele Hoffmann and Kevin Dooley and Nicolas Siepen and Tilman Baumg{\"a}rtel and Yuki Higashino and Jens Kastner and Hannahlisa Kunyik and Gislind Nabakowski and Martin Reiterer},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3010,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 04/2013},
	series = {Kunst der Verschuldung},
	volume = {19},
	year = {2013},
	note = {Z Springerin 04/2013},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Kunst der Verschuldung

Seit die Finanz- und Schuldenkrise das globale Wirtschaftssystem an den Rand seiner Existenz gef{\"u}hrt hat, hat sich auch im Kulturbetrieb erh{\"o}hte Alarmstimmung breitgemacht. So h{\"a}uften sich in den letzten Jahren die Symptome, wonach eine radikale {\"o}konomische Verunsicherung verst{\"a}rkt in die Kunstproduktion, -distribution und -rezeption mit hineinwirkt. Mit unterschiedlichem Beunruhigungsgrad registriert und reagiert man auf die fortlaufenden Entwicklungen, wobei legitimerweise gefragt werden muss, was sich seit dem Ausbruch der Krise 2008 tats{\"a}chlich ver{\"a}ndert hat. An den B{\"o}rsen wird nach wie vor auf die gleiche Weise wie zuvor gehandelt, der Reichtum der prim{\"a}ren Nutznie{\ss}erInnen dieses Systems ist in den letzten f{\"u}nf Jahren insgesamt noch gestiegen, und die Suche nach den Verantwortlichen scheint eher bei nationalen S{\"u}ndenb{\"o}cken stecken geblieben zu sein, als dass die zugrunde liegende Wirtschaftsordnung einer profunderen Pr{\"u}fung unterzogen worden w{\"a}re.
Wie verh{\"a}lt sich die aktuelle Kunst zu all dem? Ist sie inmitten dieser Verwirrung nur interessierte Beobachterin? Ist sie eine Art Seismograf, der besonders wild ausschl{\"a}gt, wenn es an die eigenen Existenzgrundlagen geht? Oder kann sie den Entwicklungen, deren Steuerbarkeit l{\"a}ngst jedes nationalstaatliche (geschweige denn auf individueller Macht basierende) Regime {\"u}berstiegen hat, in irgendeiner Form Paroli bieten? Wobei klar ist, dass dies einzig in Form ideeller oder {\"a}sthetischer Setzungen erfolgen kann, sei es im Aufzeigen m{\"o}glicher Alternativszenarien oder als Aufschrei, dass es so schlichtweg nicht weitergehen kann.
Eine Reihe von Beitr{\"a}gen in dieser Ausgabe kreist genau um diese Fragstellung, n{\"a}mlich wie sich eine als kritische verstehende Kunst in diesem Zusammenhang situieren l{\"a}sst bzw. selbst situiert. Pascal Jurt und Beat Weber nehmen eine kleine Bestandsaufnahme vor, in welcher Weise die dezidiert mit {\"O}konomiethemen befassten Ans{\"a}tze der letzten f{\"u}nf Jahre auf die Krise reagiert haben. Zwar mangelt es inzwischen nicht mehr an diesbez{\"u}glichen Arbeiten, ja ganzen Themenausstellung, doch inwiefern darin auch die eigene Involviertheit in das am Abgrund stehende System mit reflektiert wird, ist nach wie vor fraglich. Ein blinder Fleck der {\"o}konomiekritischen Kunst scheint immer noch darin zu liegen, dass die eigenen Existenzbedingungen in all dem mit auf dem Spiel stehen, ja dass die inhaltliche und formale Ausrichtung dieser Kunst h{\"a}ufig selbst auf einem Prinzip der Verschuldung beruht. Einem Prinzip, das sich konzeptuell in Anleihen und {\"U}bernahmen ausdr{\"u}ckt, w{\"a}hrend wirtschaftlich durchaus Nutzen aus dieser {\quotedblbase}Schuldstruktur{\textquotedblleft} gezogen wird.Wie kann die gegenw{\"a}rtige Kunst diesem scheint{\textquoteright}s nicht aufhebbaren Mangel Positives abgewinnen oder gar etwas entgegensetzen? Daphne Dragona versucht, der {\quotedblbase}Fabrik des verschuldeten Menschen{\textquotedblleft} (Maurizio Lazzarato) einen produktiven Dreh zu geben und in ihr einen der vorrangigen Orten zu erkennen, an denen so etwas wie {\quotedblbase}Gemeingut{\textquotedblleft} (commons) geschaffen wird. Dragona meint klarerweise nicht den hyperkapitalisierten Kunstmarkt, sondern jene Nischen und Nebenschaupl{\"a}tze, die sich rund um Biennalen, alternative Summits und sonstige Diskursforen auszubilden begonnen haben. Ob die Kunst der Gegenwart jemals gro{\ss}fl{\"a}chiger in die Schaffung der commons umdirigiert oder kanalisiert werden kann, bildet den provokanten Fluchtpunkt dieses Denkens.
Auch der neben Maurizio Lazzarato zweite gro{\ss}e Stichwortgeber der k{\"u}nstlerischen {\"O}konomiedebatte, David Graeber, taucht an mehreren Stellen dieser Ausgabe auf. Graebers Buch Schulden. Die ersten 5000 Jahre, das es auf die Bestenlisten der kritischen Diskurswelt geschafft hat, wird hier selbst noch einmal einer argumentativen Befragung unterzogen (Felix Klopotek). Wobei Graebers antikapitalistischer und anarchischer Impetus {\"u}ber alle berechtigte Kritik hinweg weiterstrahlt.
Neben den TheoretikerInnen der Verschuldung sind in der Ausgabe jedoch in erster Linie K{\"u}nstlerInnen am Wort. So erl{\"a}utert Mathias Poledna die Hintergr{\"u}nde und Subtexte seines Films Imitation of Life, der jene historischen Genres aufgreift, die w{\"a}hrend der historischen Wirtschaftskrise der 1930er-Jahre ihre erste Bl{\"u}te entfalteten (Animation und Musical). Melanie Gilligan, die sich seit Beginn des Finanzdesasters mit dessen visueller und performativer Symptomatik besch{\"a}ftigt, steuert einen Auszug aus ihrer derzeit in Produktion befindlichen Arbeit The Common Sense bei. Zentrales Motiv ist der utopische Gedanke, was wohl w{\"a}re, wenn die Menschen direkten mentalen Kontakt mit den W{\"u}nschen und Bed{\"u}rfnissen aller anderen h{\"a}tten, ja wenn sie ein umfassender {\quotedblbase}Gemeinsinn{\textquotedblleft} verbinden w{\"u}rde.
Eine rezente Revolte dieses {\quotedblbase}Gemeinsinns{\textquotedblleft}, n{\"a}mlich den Aufstand der t{\"u}rkischen Zivilbev{\"o}lkerung gegen den Autoritarismus von Staat und Wirtschaft, rekapituliert Ali Akay. In Akays Ausf{\"u}hrungen {\"u}ber den {\quotedblbase}horizontalen Kampf{\textquotedblleft}, der hier gef{\"u}hrt wird, kehren vielerlei Motive aus anderen Beitr{\"a}gen dieses Hefts wieder. Wie l{\"a}sst sich, k{\"o}nnte man mit Akay und {\"u}ber ihn hinaus fragen, in die gegenw{\"a}rtige Lage sinnvoll intervenieren, wo doch Politik und Wirtschaft l{\"a}ngst ihre Handlungsohnmacht eingestehen mussten? Wie das {\quotedblbase}verschuldete Subjekt{\textquotedblleft} aus seiner nicht selbst verschuldeten Unm{\"u}ndigkeit befreien? Fragen wie diese werden wohl auch {\"u}ber das Ende der Krise, sollte je ein solches eintreten, nachhallen.},
	keywords = {About The House/Silence Turned Into Objects, Akram Zaatari, {\"A}sthetik ohne Widerstand, Balca Ergener, Birgit J{\"u}rgenssen, Bonjour tristesse; d{\'e}sir; ennui; app{\'e}tit; plaisir, David Graebers Schulden. Die ersten 5000 Jahre, Diagramas, Diana Pinto: Israel ist umgezogen, DIE DAMEN, Evelyne Egerer, Gezi Park, History Zero, Homo Oeconomicus, Imitation of Life, Ingeborg Strobl, Jean-Luc Nancy: {\"A}quivalenz der Katastrophen, Kerstin, Lawrence Weiner, Letter to a Refusing Pilot, Magazin, Mareike Bernien, Mathias Poledna, Ministry of Highways A Guide to the Performative Architecture of Tbilisi, Oliver Laric, Ona B., Rahel Puffert: Die Kunst und ihre Folgen, Reise durch Athen, Ricardo Basbaum, Schroedinger Sometimes it rained in the factory, Stefanos Tsivopoulos, The Content of Form, Thomas Locher, T{\"u}rkei, W sercu kraju (Im Herzen des Landes), zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-9503646-1-3},
	url = {https://www.springerin.at/2013/4/},
	author = {Franz Thalmair and Sandra Groll and Christian H{\"o}ller and C{\'e}dric Vincent and Trebor Scholz and Pascal Jurt and Beat Weber and Daphne Dragona and Felix Klopotek and Alexandra Seibel and Melanie Gilligan and Ali Akay and Balca Ergener and Axel Stockburger and Alexandros Georgiou and Susanne Neuburger and Su-Ran Sichling and Monika Vykoukal and Pedro de Llano and Silvia Eiblmayr and Herwig G. H{\"o}ller and Christian H{\"o}ller and Yuki Higashino and Kerstin Stakemeier and Thomas Edlinger and Nanna L{\"u}th and Gislind Nabakowski and Thomas Raab and Julia Gwendolyn Schneider},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {olivares_fluor._2012,
	title = {Fluor. Magazine on contemporary Culture \#02. Marcel Dzama, Peter Downsbrough, Jos{\'e} Antonio Mill{\'a}n \& Juan Mart{\'\i}n Prada, Rosa Olivares, Francesco Jodice \& Gabriele Basilico, Fernando Renes, Tom Johnson, Carmen Calvo, James Abbott {McNeill} Whistler \& Os},
	year = {2012},
	note = {AK 2012/01},
	publisher = {Proyectos Ut{\'o}picos S.L.},
	organization = {Proyectos Ut{\'o}picos S.L.},
	address = {Madrid},
	keywords = {zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	isbn = {{ISSN} 2253-9751},
	editor = {Olivares, Rosa}
}
@book {_kunstforum._2012-1,
	title = {Kunstforum International 214/2012},
	series = {Prozent Kunst},
	volume = {214},
	year = {2012},
	note = {Z Kunstforum 214/2012},
	publisher = {Kunstforum International },
	organization = {Kunstforum International },
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Prozent Kunst
Kunst am Bau in Bewegung

Die Investition von einem halben, ganzen oder anderthalb Prozent der Baukosten in Kunst hat sich zu einem wichtigen Beitrag zur Baukultur und zur Demokratisierung der Kunst entwickelt. Kunst am Bau ist in Bewegung. Partizipative, interventionistische, tempor{\"a}re und virtuelle k{\"u}nstlerische Ans{\"a}tze, welche die klassische Bindung der Kunst an die Architektur aufgeben, sind selbstverst{\"a}ndlich. Politiker, Sachverst{\"a}ndige, Architekten, K{\"u}nstler und Vertreter der K{\"u}nstlerverb{\"a}nde diskutieren europaweit {\"u}ber Aufgaben und M{\"o}glichkeiten der Prozentkunst und {\"u}berdenken und optimieren die entsprechenden Gesetze oder Richtlinien. Den Herausgebern des vorliegenden KUNSTFORUMS-Bandes schien es von daher an der Zeit, nach dem Stand der Dinge und den aktuellen Facetten und Anspr{\"u}chen der Prozentkunst zu fragen.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2012-2,
	title = {Kunstforum International 215/2012},
	series = {Redefreiheit},
	volume = {215},
	year = {2012},
	note = {Z Kunstforum 215/2012},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Redefreiheit

Heute gelten Rede- und Meinungsfreiheit zumindest im {\quotedblbase}Westen{\textquotedblleft} als erkl{\"a}rte Menschenrechte, die verfassungsm{\"a}{\ss}ig zu garantieren und als Grundrechte gegen{\"u}ber der Staatsgewalt zu sch{\"u}tzen sind. Sie stellen {\"u} beraus wichtige Ma{\ss}st{\"a}be f{\"u}r den Zustand eines demokratischen Rechtsstaates dar. Legt man aber diesen Ma{\ss}stab gegenw{\"a}rtig an, und reflektiert den prek{\"a}ren Status Quo heutiger Gesellschaften in West und Ost, dann sieht die Sachlage weniger erfreulich aus: Die Redefreiheit scheint weltweit durch Diktatur und religi{\"o}sen Fundamentalismus, genauso wie durch die Entmachtung der Politik durch die scheinbare Omnipotenz der Global Player zunehmend bedroht {\textendash} Stichwort: {\quotedblbase}Postdemokratie{\textquotedblleft}. Der kontinuierliche Abbau der B{\"u}rgerrechte nach {\quotedblbase}nine eleven{\textquotedblleft} und die gnadenlose Kommerzialisierung der Medienlandschaft f{\"u}hren dazu, dass die M{\"o}glichkeit des von Voltaire eingeklagten {\quotedblbase}Sagen-D{\"u}rfen{\textquotedblleft} immer mehr zu einer hohlen Floskel wird. Selbstverst{\"a}ndlich reagieren K{\"u}nstler weltweit auf die Prozesse der Verhinderung von Rede- und Meinungsfreiheit, und das nicht erst seit der {\quotedblbase}Verhaftung{\textquotedblleft} des K{\"u}nstlers Ai Weiwei durch die chinesische Regierung im April 2011. K{\"u}nstler beteiligen sich an b{\"u}rgerrechtlichen Demonstrationen und machen diese Teilnahme zum integralen Bestandteil ihrer {\"a}sthetischen Arbeit. Sie organisieren in ihren Projekten Gegen{\"o}ffentlichkeiten, die Redefreiheit jenseits der Mainstream-Medien erm{\"o}glichen sollen. Des Weiteren testen K{\"u}nstler immer wieder die Optionen und Grenzen der real existierenden Modi von Redefreiheit aus. 


Zeichnen zur Zeit 5
Einzelportr{\"a}ts. Eine Serie in mehreren Teilen. Teil 5

In gewisser Weise ist {\quotedblbase}Zeichnen Zur Zeit{\textquotedblleft} eine (imagin{\"a}re) Ausstellung. Eigentlich sind alle Positionen Gelegenheiten, also weniger systematisch gesuchte, nach gelenkten Erwartungen recherchierte, sondern unerwartet gesehene und gefundene Haltungen. Alles ist m{\"o}glich: Landschaft, aphoristische Statements, minimalistische Selbstbespiegelungen, gekurvte Durchf{\"u}hrungsabenteuer, Beschw{\"o}rungen der Dinge, eingeweckte Zeit, Meisterlichkeit in vielerlei Gestalt, Standortbestimmungen, Linien als Fl{\"a}chen und doch ist alles ZEICHNUNG},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2012-3,
	title = {Kunstforum International 216/2012},
	series = {Gesicht im Portr{\"a}t / Portr{\"a}t ohne Gesicht},
	volume = {216},
	year = {2012},
	note = {Z Kunstforum 216/2012},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Gesicht im Portr{\"a}t / Portr{\"a}t ohne Gesicht

Mit diesem Band Gesicht im Portr{\"a}t/Portr{\"a}t ohne Gesicht erweitert das KUNSTFORUM die Bildniskunst mit ihren geistesgeschichtlichen Implikationen von Mimesis, Pr{\"a}senz und Referentialit{\"a}t um eine neue Form der Gesichtskunst, die genau diese Implikationen hinterfragt. Stattdessen treten mit Blick auf die Thematik Begriffe wie Impersonifizierung, Manipulation und Zitation auf den Plan. Mit der Bestandsaufnahme aktueller Gesichter in Malerei, Zeichnung, Videokunst und Fotografie wird deutlich, dass das Portr{\"a}t und Selbstportr{\"a}t h{\"o}chst fragile Kategorien geworden sind. In seiner Extremform zeichnet sich das Gesicht durch seine Abwesenheit aus mit der grundlegenden Frage: Wo ist der Mensch? Wo ist der K{\"u}nstler?},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2012-4,
	title = {Kunstforum International 217/2012},
	series = {Documenta 13},
	volume = {217},
	year = {2012},
	note = {Z Kunstforum 217/2012},
	publisher = {Kunstforum International },
	organization = {Kunstforum International },
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Documenta (13)

Ein kommentierter Rundgang durch die komplette Ausstellung. Mit Pl{\"a}nen, die die Orientierung durch die umfangreicheste DOCUMENTA aller Zeiten erleichtern.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2012-5,
	title = {Kunstforum International 218/2012},
	series = {Der urbane Blick},
	volume = {218},
	year = {2012},
	note = {Z Kunstforum 218/2012},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppicheroth},
	abstract = {Der urbane Blick
Impulse f{\"u}r eine Documenta Urbana

Der URBANE BLICK sieht die Stadt als Medium, Motor, Metapher und Matrix f{\"u}r Bilder, Formen, Gesten und einen Kreativit{\"a}tsstrom. Dies geschieht mit gro{\ss}er Unvoreingenommenheit, mit einem klaren Blick auf die Dinge und mit dem Verzicht auf einen starren Raster. Die Stadt erscheint als verdichtetes Netzwerk sich {\"u}berlagernder und {\"u}berlappender Diskurswelten. Wenn in Kassel eben die documenta 13 zu Ende geht, so sei an die erste documenta von 1955 erinnert, wo die Idee einer documenta urbana propagiert wurde. Ein Wunschgegenstand sprich Desiderat bis heute, das Stadtkunst und Baukultur auf dem Weg zur Stadt der Zukunft vereint. },
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2013,
	title = {Kunstforum International 219/2012},
	series = {Supermarktsystem Biennalen},
	volume = {219},
	year = {2012},
	note = {Z Kunstforum 219/2012},
	publisher = {Kunstforum International },
	organization = {Kunstforum International },
	address = {Ruppicheroth},
	abstract = {Supermarktsystem Biennalen

Die konsequente Globalisierung der Szene Gegenwartskunst ist ein relativ junges Ph{\"a}nomen und eng mit dem Boom der Kunst-Biennalen verkn{\"u}pft. In aller Welt haben sich neue Zentren gebildet, in {\"u} ber 150 neuen Biennalen finden jetzt diese Zwischenbilanzen statt, die meist auch zum Anlass genommen werden, Reflektionen {\"u}ber die eigene Kultur bewusst zu machen. Aber hat das f{\"u}r uns eine Bedeutung? Gerade diese Frage stellt sich uns immer mehr, seit sich auch der Kunsthandel und die Museumslandschaften verschoben haben. Der vorliegende Band besch{\"a}ftigt sich vor allem mit der Entwicklung der Biennalen im asiatischen Raum, im n{\"a}chsten Band wird die Globalisierung der Kunst theoretisch und strukturell untersucht.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {2760,
	title = {Performativit{\"a}t. Eine Einf{\"u}hrung},
	year = {2012},
	note = {THE 556},
	publisher = {transcript Verlag},
	organization = {transcript Verlag},
	address = {Bielefeld},
	abstract = {Die Perspektive des Performativen geht davon aus, dass kulturelle Ph{\"a}nomene und Prozesse neue Wirklichkeiten hervorbringen und nicht lediglich als Zusammenh{\"a}nge von Zeichen zu begreifen sind, die es zu entziffern und zu verstehen gilt. Texte, Bilder, Artefakte, Auff{\"u}hrungen und Praktiken aller Art lassen sich damit neu und anders wahrnehmen. Kulturen aus der Perspektive des Performativen zu untersuchen, erm{\"o}glicht den Kulturwissenschaften ganz neue Einsichten, die auch f{\"u}r den Laien faszinierend sind. },
	keywords = {Kulturwissenschaft, Performance, Theorie, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-8376-1178-6},
	author = {Fischer-Lichte, Erika}
}
@book {3020,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 01/2012},
	series = {Bon Travail},
	volume = {18},
	year = {2012},
	note = {Z Springerin 01/2012},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Bon Travail

Gute Arbeit leisten. Wer k{\"o}nnte dieser allgemeinen Maxime nicht beipflichten, egal ob von k{\"u}nstlerischer oder kritisch-theoretischer Seite? Sich arbeitsm{\"a}{\ss}ig auf etwas einzulassen impliziert fast unweigerlich, dies nach Ma{\ss}gabe aller zur Verf{\"u}gung stehenden Kompetenz zu tun. Nichtstun oder das, was zu tun ist, nicht gut genug auszuf{\"u}hren ist schlichtweg keine Option. Eine Art {\guillemotright}No-No{\guillemotleft} im flexibilisierten und verst{\"a}rkt auf kritischer Kreativit{\"a}t aufbauenden Kapitalismus.
Was aber, wenn die Arbeit {\textendash} sei es vom Angebot oder ihrer Verwertbarkeit her {\textendash} immer mehr verschwindet? Was, wenn sie tendenziell immer mehr wird, wie die zunehmende Vermischung von Arbeit und Freizeit nahelegt? Eine eigent{\"u}mliche Doppelbewegung scheint das Konzept der Arbeit unter den gegenw{\"a}rtigen welt- und krisen{\"o}konomischen Bedingungen erfasst zu haben: auf der einen Seite ein signifikanter Schwund, zumindest in der westlichen Welt, mit markanten Auswirkungen in sozialer wie kultureller Hinsicht; auf der anderen Seite ein un{\"u}bersehbares Ansteigen, manifest in den vielen ausgelagerten, deregulierten und informellen {\"O}konomien rund um den Globus. Oder n{\"a}her am eigenen Herd: das Eindringen von Arbeitsaspekten oder -prozessen in ehemals {\guillemotright}arbeitsferne{\guillemotleft} Bereiche wie Privatleben, Rekreation oder soziale Beziehungen.
Das Heft {\guillemotright}Bon Travail{\guillemotleft} fragt nach der Spezifik und Omnipr{\"a}senz dieser sch{\"o}nen neuen und gleichzeitig auch wieder nicht so sch{\"o}nen Arbeitwelten. Wie wirkt sich das Weniger-Werden von herk{\"o}mmlicher Arbeit aus, wenn sich zugleich ein unerm{\"u}dliches T{\"a}tigsein in immer mehr Lebensbereiche hineinzieht? Lassen die Arbeitsmodalit{\"a}ten der Kunstwelt R{\"u}ckschl{\"u}sse auf gesellschaftliche Entwicklungen zu? Welche Vorboten eines postprek{\"a}ren Lebens sind, falls {\"u}berhaupt irgendwo vernehmbar, aus aktuellen Kunstpraktiken erschlie{\ss}bar?

Pascal Jurt rekapituliert in seinem Beitrag das Auftauchen des Prekarit{\"a}tsbegriffs im Kunstbetrieb und fragt nach den Widerstands- und Aktionsformen, die bislang gegen die um sich greifende Prekarisierung entwickelt wurden. Jurt richtet den Blick auf die in Frankreich seit einiger Zeit erhobenen Forderungen von freien Kulturschaffenden und sieht darin ein Nachwirken der {\guillemotright}postoperaistischen{\guillemotleft} Bewegung, jenen in Italien ab Beginn der 1970er-Jahre durchgef{\"u}hrten Untersuchungen von immaterieller Arbeit, deren implizite Militanz immer noch eine Art uneinholbaren politischen Horizont bildet. Erg{\"a}nzend spricht Franco {\guillemotright}Bifo{\guillemotleft} Berardi, einer der Protagonisten dieser Bewegung, im Interview {\"u}ber die aktuellen Auswirkungen von Immaterialisierung und Flexibilisierung. In Zeiten der {\guillemotright}Soul at Work{\guillemotleft}, wie eines seiner B{\"u}cher hei{\ss}t, n{\"a}hmen nicht nur psychische Leiden rasant zu, es sei auch die Hoffnung auf eine bessere Zukunft, die einst die Idee der Emanzipation (von Arbeit, Gesellschaft und Kunst) antrieb, nachhaltig verstellt.
Aber ebenso wenig wie Berardi damit in eine allgemeine Apokalyptik einstimmt, geben sich die {\"u}brigen Beitr{\"a}ge dieses Hefts dem schn{\"o}den Befund der Ausweglosigkeit und Endloskrise geschlagen. S{\"u}reyyya Evren fragt in Bezug auf Arbeitsthematisierungen unter t{\"u}rkischen Gegenwartsk{\"u}nstlerInnen, welche Art von libidin{\"o}ser {\"O}konomie sich in der weithin grassierenden Prekarit{\"a}t verbirgt. Ist es das reine Ausgebeutet-Werden oder ist in den heute g{\"a}ngigen flachen Hierarchien vielleicht auch ein einvernehmlicher Sadomasochismus mit angelegt? Kerstin Stakemeier greift den Diskurs {\"u}ber das Immateriell-Werden von Arbeit an einem Punkt auf, an dem kunsttheoretisch die Selbst{\"u}berschreitung bzw. Entgrenzung des Werkbegriffs in den Mittelpunkt r{\"u}ckte: Adornos These von der {\guillemotright}Entkunstung der Kunst{\guillemotleft} wird so zum Ausgangspunkt, um {\"u}ber das historische Aufkommen der Idee von Kunst als Arbeit ({\guillemotright}Art Workers{\guillemotleft}) zu reflektieren. Gleichzeitig kommt Stakemeier zu der Diagnose, dass K{\"u}nstlerInnen aktuell wenig bis gar nichts zu den Reproduktionsbedingungen ihres Felds zu sagen haben.

Nichtsdestotrotz werden derlei Reproduktionsbedingungen, so punktuell dies auch sein mag, von einer Reihe aktivistischer Ans{\"a}tze anvisiert, die hier beispielhaft vertreten sind: die Aufrufe der englischen Precarious Workers Brigade etwa oder die Boykott-Bewegung gegen die Kulturgro{\ss}bauten in Abu Dhabi, die von der sogenannten Gulflabor Coalition getragen wird. In Zusammenhang mit der inzwischen {\"u}ber mehrere L{\"a}nder verbreiteten Occupy-Initiative k{\"u}nden sie von einem Nicht-Stillhalten {\textendash} einem immer wieder hochbrandenden Begehren, die Arbeits- und Reproduktionsbedingungen der 99 Prozent, die so gut wie nichts besitzen, aber ihre Arbeit immer noch gut verrichten, einer gr{\"o}{\ss}eren {\"O}ffentlichkeit bekannt zu machen.},
	keywords = {29th International Graphic Arts Biennial, A Living Man Declared Dead and Other Chapters I{\textendash}XVIII, Aalam Wassef, Amir \& Khalil: Zahra{\textquoteright}s Paradise, Archiv, Ask Yo Mama, Die f{\"u}nfte S{\"a}ule, Franco Berardi, GIF, Hablan los Indignados, Hauntings {\textendash} Ghost Box Media. Unheimliche Pr{\"a}senz in Medien; Kunst und Pop, James Benning, Klaudia {\'A}lvarez; Pablo Gallego; Fabio G{\`a}ndara; {\'O}scar Rivas: Nosotros, los indignados, Magazin, Mathias Poledna/Florian Pumh{\"o}sl, Omer Fast, Paradise In One Village, Precarious Workers Brigade, Reconsidering Roma, Sigrid Schade; Silke Wenk: Studien zur visuellen Kultur, SONNE = BLACK BOX, steirischer herbst, Taryn Simon, t{\"u}rkische Gegenwartskunst, Une l{\'e}gende en cache une autre, Ursula Bogner, Valie Export, Vergangenes Begehren, W. J. T. Mitchell: Das Klonen und der Terror, Yevgenia Belorusets, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-596-5},
	url = {https://www.springerin.at/2012/1/},
	author = {Franz Thalmair and Christian H{\"o}ller and Alexandra Seibel and Nora Theiss and Rahma Khazam and Martin Conrads and Ido Lewit and Nat Muller and Pascal Jurt and Kerstin Stakemeier and Tim St{\"u}ttgen and S{\"u}reyyya Evren and Gregory Sholette and Keiko Sei and Satoshi Koganezawa and Hiroyasu Yamauchi and Noboru Takayama and Michael Hauffen and Angelika Bartl and Renate W{\"o}hrer and Rachel Mader and Magdalena Felice and Julia Walln{\"o}fer and Ines Kleesattel and Petra Kap{\v s} and Manuela Ammer and Monika Vykoukal and Andrey Parshikov and Hans-Christian Dany and Peter Kunitzky and Gislind Nabakowski and Martin Reiterer and Jens Kastner},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3016,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2012},
	series = {Bleibender Wert?},
	volume = {18},
	year = {2012},
	note = {Z Springerin 02/2012},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Bleibender Wert?

Vielerorts werden heute Begriffe wie Wertewandel oder Werteverfall, bezogen meist auf die Korrumpierung oder Erosion tradierter Wertvorstellungen, im Munde gef{\"u}hrt. Gleichzeitig scheint materieller Wert, oft in Verbindung mit individualistischen bis hin zu privatmythologischen Setzungen, mehr zu gelten als je zuvor. Wie bildet sich diese Entwicklung im Kunstfeld ab? Welche Umwertungen oder Verabschiedungen von ehemals als gut und wertvoll erachteten Agenden haben hier die letzte Dekade {\"u}ber stattgefunden? Welche Neuorientierungen haben sich in dieser Zeit abzuzeichnen begonnen? Welche Sichtbarkeiten, {\guillemotright}Wertvolles{\guillemotleft} und {\guillemotright}G{\"u}ltiges{\guillemotleft} betreffend, k{\"o}nnen sich, begleitet von mehr oder weniger geltenden Sagbarkeiten, aktuell behaupten?
Diese Fragestellungen waren Ausgangspunkt einer Kooperation, die wir zu Beginn des Jahres 2012 mit dem Kunsthaus Bregenz (KUB) eingegangen sind. Dabei hatten wir von Anfang an ein mehrteiliges Projekt vor Augen: die Ausstellung {\guillemotright}Bleibender Wert?{\guillemotleft}, in der die inzwischen 17-j{\"a}hrige Geschichte der springerin reflektiert und die Eingangsfragen auf die {\textendash} unseren Ma{\ss}st{\"a}ben nach {\textendash} relevantesten Kunstpraktiken dieser Zeit angewandt werden sollten; ein Veranstaltungsblock, Ende Februar in der KUB Arena abgehalten, in der all dies innerhalb des Ausstellungszusammenhangs diskursiv aufgerollt und debattiert wurde; und drittens, daran ankn{\"u}pfend, diese Ausgabe, in der nun die Beitr{\"a}ge der Veranstaltung zusammen mit einigen Erg{\"a}nzungen pr{\"a}sentiert werden.
Dass die Ans{\"a}tze und Diskurslinien innerhalb des gew{\"a}hlten thematischen Rahmens vielgestaltig sind, versteht sich nahezu von selbst. So liegt einer der Brennpunkte darin, inwiefern {\guillemotright}Kritikalit{\"a}t{\guillemotleft} per se so etwas wie einen unverbr{\"u}chlichen, gleichsam {\"u}berzeitlichen Wert darstellt, oder ob dieser Begriff nicht selbst zeit- und kontextbedingten Einschr{\"a}nkungen unterliegt. Die Beitr{\"a}ge von Simon Sheikh und Alice Creischer/Andreas Siekmann gehen auf je eigene Weise dem Fragenkomplex rund um kritische Wertsetzungen in der Kunst nach und kommen, beide in Anschluss an Michel Foucault, zu aufschlussreichen Befunden: ein Mal in der Einsicht, wie notwendig renitente {\guillemotright}begriffliche W{\"a}hrungen{\guillemotleft} sind, auch wenn diese vom herrschenden Macht-/Wahrheit-Monopol als skandal{\"o}s oder unerheblich abgetan werden; das andere Mal im Insistieren, dem {\guillemotright}kriegerischen Unvernehmen{\guillemotleft}, das unterhalb der scheinbar friedlichen gesellschaftlichen Oberfl{\"a}che tobt, gerade unter aktuellen welt{\"o}konomischen Bedingungen erh{\"o}hte Aufmerksamkeit zu widmen.
Erg{\"a}nzend dazu rekapituliert Anette Baldauf die Freiheits-, Widerstands- und Erm{\"a}chtigungsversprechen, die einst {\textendash} auch f{\"u}r diese Zeitschrift ma{\ss}geblich {\textendash} im Diskurs der Cultural Studies angelegt waren. Aus dem ern{\"u}chternden Befund, was daraus im Zuge zunehmender Institutionalisierung bei gleichzeitiger neoliberal-{\"o}konomischer Einebnung geworden ist, leitet Baldauf die Forderung nach einer erneuten Sch{\"a}rfung des theoretischen Instrumentariums ab. Wie diese genau aussehen soll, steht jedoch ebenso auf einem unbeschriebenen Blatt wie die Ausarbeitung probater Mittel gegen die akute Prekarit{\"a}t heutiger Produktions- und Arbeitsverh{\"a}ltnisse. S{\"u}reyyya Evren erinnert in diesem Zusammenhang an die Geschichte des Anarchismus, die sich f{\"u}r ihn als anhaltendes Experimentieren mit neuen (sozialen, politischen, k{\"u}nstlerischen) Formen darstellt. Wie sich dies auf die gegenw{\"a}rtigen Verh{\"a}ltnisse umlegen l{\"a}sst, kann vielleicht nur anhand jener k{\"u}nstlerischen Ans{\"a}tze erahnt werden, die sich {\textendash} bewusst oder implizit {\textendash} Elemente dieser Geschichte bedienen und einen offenen, unkanonischen Umgang mit ihnen pflegen.
Einen weiteren Fokus, der im Hinblick auf die Thematik {\guillemotright}Bleibender Wert?{\guillemotleft} von Relevanz ist, bildet die Alternativlosigkeit, mit der sich das gegenw{\"a}rtig schwer gebeutelte finanzkapitalistische System auf sein Verfallsdatum zubewegt. Ob die viel ger{\"u}hmte, inzwischen an zahlreichen Orten agierende Occupy-Bewegung hier Abhilfe verschaffen kann, nimmt Hans-Christian Dany kritisch unter die Lupe. Zugleich, so ein unausgesprochenes Fazit dieser skeptischen Betrachtung, t{\"a}te die aktuelle Kunst wohl besser daran, ihre eigenen {\"O}konomien zu reflektieren {\textendash} etwa die Art und Weise, wie sie lange Zeit {\"u}ber recht gut an ebendiesem finanzkapitalistischen System partizipiert hat, dem sie jetzt so systemkritisch gegen{\"u}bersteht.
Mehrere K{\"u}nstlerbeitr{\"a}ge, etwa jener von Jochen Schmith oder auch die Filme von Josef Dabernig, machen diesbez{\"u}glich eine Art Bescheidung auf das je eigene (k{\"u}nstlerische) Umfeld geltend {\textendash} ein Reduktionsverfahren, dem ein stringenter Bezug auf Unvereinbarkeit und Unvers{\"o}hnlichkeit innewohnt. In diese Kerbe schl{\"a}gt auch Tony Chakars Aufforderung, zun{\"a}chst einmal schweigend die Verwobenheit und Komplexit{\"a}t des eigenen Standorts zu reflektieren, als vollmundig Forderungen nach Befreiung im Rest der Welt zu erheben.
In diesem Sinne m{\"o}chte diese Ausgabe auch selbstkritische Perspektiven darauf er{\"o}ffnen, wie sich Vorstellungen von bleibendem und verg{\"a}nglichem Wert in so unterschiedlichen Formaten wie Ausstellung, Werk, Diskurs sowie dem Medium Zeitschrift fortschreiben. All diese Aspekte waren Teil der gemeinsamen Projekterarbeitung und -durchf{\"u}hrung mit dem Kunsthaus Bregenz, dem an dieser Stelle noch einmal ausdr{\"u}cklich f{\"u}r die Zusammenarbeit gedankt sei.
},
	keywords = {Andreas Fogarasi, Animismus {\textendash} Moderne hinter den Spiegeln, Archivo F.X./Pedro G. Romero, Arrangement Marriott Hotel Brussels, Artie VierkantOpenMute, Byung-Chul Han, Cultural Studies, Dagmar Danko: Zwischen {\"U}berh{\"o}hung und Kritik, Das vierzigste Jahr, Global Studies, Gro{\ss}britannien, Heidrun Holzfeind, Herna, Hypercrisis, Image Objects, It{\textquoteright}s The Political Economy; Stupid!, Jochen Schmith, Josef Dabernig, Kutlug Ataman, La ciudad de color/Vasarely Go Home, Les marques aveugles, Magazin, Mesopotamian Dramaturgies, Michel Foucault, Occupy-Bewegung, Ra{\'u}l Zibechi: Territorien des Widerstands, Reality Manifestos; or Can Dialectics Break Bricks?, Sonic Acts Festival XIV, spekulativer Realismus, Strictly Private, Topologie der Gewalt, Tracing Mobility, Transparenzgesellschaft, Travelling Time, Wirtschaft; {\"O}konomie; KonjunkturAnna Jermolaewa, Wolfgang Ullrich: An die Kunst glauben, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-596-5},
	url = {https://www.springerin.at/2012/2/},
	author = {Pauline van Mourik Broekman and Simon Worthington and Franz Thalmair and Julia Gwendolyn Schneider and Rahma Khazam and Simon Sheikh and Alice Creischer and Andreas Siekmann and S{\"u}reyyya Evren and Tony Chakar and Anette Baldauf and Hans-Christian Dany and Christian H{\"o}ller and Eric Kluitenberg and Matei Bellu and Juliane Debeusscher and Joshua Simon and Christa Benzer and Michael Hauffen and Nicola Hirner and Ines Kleesattel and Dietmar Schw{\"a}rzler and Thomas Edlinger and Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Jens Kastner and Gislind Nabakowski and Nina Schedlmayer},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3015,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 03/2012},
	series = {Art of Angry},
	volume = {18},
	year = {2012},
	note = {Z Springerin 03/2012},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Art of Angry

{\"A}rger, Unmut und Zorn als Antrieb k{\"u}nstlerischer Produktion? In Zeiten, in denen es prim{\"a}r darum ging, sich von allem bislang Dagewesenen mit radikaler Geste abzusetzen, stellte dies nahezu eine Selbstverst{\"a}ndlichkeit dar. Zumindest in den Rhetoriken sich abgrenzender, rebellierender Bewegungen mangelte es meist nicht an derlei Affektbekundungen, die sich in erster Linie {\guillemotright}gegen{\guillemotleft} etwas richteten. Seit jedoch die Zeit der unermesslichen Gleichzeitigkeit und neutralisierenden Koexistenz, ja der Allgegenwart unterschiedlichster, teils auch unvereinbarer Stile angebrochen ist, seither kommt diesem affektiven Antrieb eine weitaus bescheidenere Funktion zu. {\"A}rger {\"u}ber etwas k{\"u}nstlerisch zum Ausdruck zu bringen steigert allenfalls den Unterhaltungswert innerhalb der Kunstmarktindustrie. Eine wahrlich aufr{\"u}hrerische Dimension, die in zorniger junger oder auch alter Kunst verborgen l{\"a}ge, und zwar als formaler Bruch und nicht allein als inhaltliche Bekundung {\textendash} diese Art von k{\"u}nstlerischer Revolte d{\"u}rfte sich auf unabsehbare Zeit verfl{\"u}chtigt haben.
All dies scheint mit den Platzbesetzungs- und Occupy-Aktivit{\"a}ten seit 2011 neu verhandelbar geworden zu sein. Seit weltweit, oft unvorhergesehen, mit schier unersch{\"o}pflichen Energien und ohne dass dies von irgendwelchen Zentren aus gesteuert w{\"a}re, immer neue Protestbewegungen aus dem Boden sprie{\ss}en, stellt sich auch im k{\"u}nstlerisch-kulturellen Feld eine Reihe brisanter Fragen: Wie kann die aktuelle Kunst, die sich als Teil dieser Bewegungen sieht, ohne sich von ihnen funktionalisieren zu lassen, wie kann eine solche Kunst den Widerstand gegen die ins Trudeln geratenen {\"o}konomischen Strukturen bef{\"o}rdern? Wohlgemerkt handelt es sich dabei um Strukturen, an denen die Kunst bekannterma{\ss}en lange Zeit und mit Gewinn selbst teilhatte. Gibt es so etwas wie ein soziales Substrat f{\"u}r die vielen, oft im Kleinen oder Marginalen ihren Ausgang nehmenden Aufst{\"a}nde, die in Kunst und Theorie vielleicht eher registriert wurden als in anderen Milieus? L{\"a}sst sich auf der Basis von Emp{\"o}rung und Unvernehmen eine tragf{\"a}higere Bewegung aufbauen, die mehr als nur punktuell oder ephemer zu agieren imstande ist? Und schlie{\ss}lich: In welchen Formaten sind Protest und Aufbegehren denkbar, die {\"u}ber kurzlebige k{\"u}nstlerische Agitations- und Agitpropformen hinausgehen?
Die Ausgabe {\guillemotright}Art of Angry{\guillemotleft} widmet sich Fragen wie diesen und legt das Augenmerk darauf, wie sich der Affekt der Auflehnung, der sich nur schwerlich auf einen gemeinsamen Nenner herunterbrechen l{\"a}sst, heute durch vielerlei Kunstsparten zieht. Wie dieser, so nicht-identisch und {\guillemotright}uneins{\guillemotleft} er auch sein mag, nicht aufh{\"o}rt, Quelle und Ziel heterogener Begehrensartikulationen zu sein. Brian Holmes widmet sich in seinem Essay den Grundbedingungen, die f{\"u}r das Entstehen sozialer Bewegungen ma{\ss}geblich sind. Dabei kommt er, die Geschichte erfolgreicher k{\"u}nstlerisch-sozialer Artikulation rekapitulierend, auch auf die Rolle von Emp{\"o}rung und Wut innerhalb aktivistischer Ans{\"a}tze zu sprechen. Diese k{\"o}nnten laut Holmes erst in Kombination mit anderen Faktoren, etwa geeigneten Formen von Netzwerkbildung, Partizipation und Selbstorganisation, ein wahrlich {\guillemotright}soziales Moment{\guillemotleft} ausl{\"o}sen. F{\"u}r ein gewisses Ma{\ss} an Organisation und Disziplin spricht sich auch die Politikwissenschaftlerin Jodi Dean aus, die die Occupy-Bewegung seit einiger Zeit aus n{\"a}chster N{\"a}he verfolgt. Wiederholt hat Dean sich die Frage gestellt, ob es denn ausreiche, Unmut und Dissens ohne jedwede positive Forderung zu artikulieren {\textendash} wohl wissend, dass Strategien von Networking und Partizipation inzwischen zum Einmaleins des {\guillemotright}kommunikativen Kapitalismus{\guillemotleft} z{\"a}hlen. Aber ein politisches Projekt {\textendash} eines, das mehr als blo{\ss} der Ausdruck von Emp{\"o}rung ist {\textendash} k{\"o}nne nur dann zustande kommen, wenn das horizontal strukturierte, dispersiv agierende Feld beginnt, Ziele und Agenden auf produktive Weise miteinander zu verkn{\"u}pfen.
Anschauungsmaterial dazu liefern die K{\"u}nstlerInnen Marina Naprushkina und Oliver Ressler, die dem {\"A}rger {\"u}ber die aktuellen politischen Verh{\"a}ltnisse visuell auf den Grund zu gehen versuchen. Ressler, indem er sich nahe beobachtend auf die Platzbesetzungen in Athen oder Madrid einl{\"a}sst und den dort verhandelten Details erh{\"o}hte Aufmerksamkeit schenkt; Naprushkina, indem sie einen Auszug aus der von ihr mitbegr{\"u}ndeten Zeitung {\guillemotright}Self$\#$Governing{\guillemotleft} pr{\"a}sentiert. Der politische Cartoon, der unter anderem die {\"o}konomische Grundierung der durch und durch undemokratischen Verh{\"a}ltnisse in Wei{\ss}russland aufzeigt, ist Teil einer Initiative, die von der Organisation Nash dom (Unser Haus) getragen wird. Als Selbsterm{\"a}chtigungswerkzeug {\guillemotright}von unten{\guillemotleft} setzt sich diese offensiv gegen die widrigen Realit{\"a}ten zur Wehr.
Sich h{\"a}ufende F{\"a}lle von Zensur und strafrechtlicher Verfolgung von k{\"u}nstlerischen Aktivit{\"a}ten stehen im Mittelpunkt von Herwig G. H{\"o}llers aktuellem Lokalaugenschein in Russland und der Ukraine. So sehr darin die Zeichen totalit{\"a}rer Repression, die zuvor l{\"a}nger in der Versenkung verschwunden war, wiederkehren, so sehr l{\"a}sst sich damit auch die Hoffnung verkn{\"u}pfen, dass politisch engagierter Kunst gegenw{\"a}rtig ein wichtigerer Stellenwert als je zuvor beigemessen wird. {\"A}hnliches gilt auch f{\"u}r die Bestandsaufnahme, die Thomas Edlinger aktuell in der israelischen Kunstszene unternommen hat. Nicht nur machen sich dort zusehends Protest und Unmut gegen eine als immer unzumutbarer erachtete politische Realit{\"a}t breit, sondern es mehren sich auch die kritischen Ansinnen gegen eine Kunstpolitik, die in erster Linie kalmierend aufzutreten versucht.
Kurze Fallstudien in {\guillemotright}Art of Angry{\guillemotleft} sind der aktivistischen Videoszene in Syrien, der zunehmend unter Beschuss geratenden Roma-Kultur in Ungarn sowie den Ans{\"a}tzen queer-feministischer Kunst in Polen gewidmet. {\guillemotright}Emp{\"o}rt euch!{\guillemotleft} mag vor Jahren der verbindende Schlachtruf all dieser heterogenen Szenen gelautet haben. Jetzt {\textendash} und darauf zielt die Mehrzahl der hier vertretenen Beitr{\"a}ge {\textendash} geht es darum, dieser Emp{\"o}rung eine l{\"a}ngerfristige, haltbare Basis zu geben.},
	keywords = {Aktivismus, Anatoly Osmolovsky, Andrea Fraser, Cartoon, China, Doppelbilder/Double Vision, Dutch Electronic Art Festival, {\`E} per amore vostro: l{\textquoteright}altro, eine von euch, Getting It Wrong, Gina Pane, Herstory Inventory: 100 feministische Zeichnungen von 100 K{\"u}nstlerInnen, Ideal Individuals, Islands of Resistance. Between First and Second Modernity 1985{\textendash}2012, israelische Kunstszene, Jodi Dean, Kabinenschau Moja Kabina La mia cabina, Katrien Jacobs, Klangkunst, L.A. Raeven, La Triennale. Intense Proximit{\'e}, Magazin, Marina Naprushkina, Occupy-Bewegung, {\"O}ffentliche Verkehrsmittel, Oliver Ressler, politische Kritik, Projection/There{\textquoteright}s No Place Like Home, queer-feministisch, Rajkamal Kahlon, Roma, Rot Front {\textendash} Leftover, Self $\#$ governing, Sound, Sound Art, Stephan Dillemuth, syrische Online-Videoszene, Take The Square, Tanja Widmann, Tiqqun: Anleitung zum B{\"u}rgerkrieg, T{\"o}ten, Ulrike M{\"u}ller, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift, Zensur, ZKM Karlsruhe},
	issn = {978-3-85256-596-5},
	url = {https://www.springerin.at/2012/3/},
	author = {Martin Conrads and Christian H{\"o}ller and Nat Muller and Tim St{\"u}ttgen and Charlotte Bank and Mona Sarkis and Brian Holmes and Pascal Jurt and Johannes Springer and Thomas Edlinger and Herwig G. H{\"o}ller and Silviu Mihai and Katarzyna Winiecka and Harry Lehmann and Kerstin Stakemeier and Michael Hauffen and Ines Kleesattel and Nora Leitgeb and Matthias Reichelt and Sabine Dorscheid and Walter Seidl and Anna Dau{\v c}{\'\i}kov{\'a} and Patricia Grzonka and Ines Kleesattel and Nicola Hirner and Carola Platzek and Hans-Christian Dany and Susanne Karr and Martin Reiterer and Dietmar Schw{\"a}rzler},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3014,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 04/2012},
	series = {Leben im Archiv},
	volume = {18},
	year = {2012},
	note = {Z Springerin 04/2012},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Leben im Archiv

Die k{\"u}nstlerische Produktion der Gegenwart ist zu einem betr{\"a}chtlichen Teil von Archivbez{\"u}gen gepr{\"a}gt. Vielgestaltig nimmt dieser R{\"u}ckbezug seinen Lauf {\textendash} sei es im rekonstruierenden oder transformierenden Umgang mit historischen Referenzen, in der Einschreibung in bestimmte Genealogien oder in der expliziten Aufbereitung bislang unzug{\"a}nglicher oder in Vergessenheit geratener Einzelarchive. Archivarbeit, k{\"o}nnte man behaupten, ist zur unabdingbaren Voraussetzung gegenw{\"a}rtigen Schaffens, aber zugleich auch zu dessen gr{\"o}{\ss}tem Hemmschuh geworden.
Denn das {\guillemotright}Leben im Archiv{\guillemotleft}, so der Titel dieser Ausgabe, ist h{\"o}chst zweischneidig: Nicht nur stellt das st{\"a}ndige wachsende Archivkonglomerat, {\"u}ber dessen {\"U}berblick niemand mehr verf{\"u}gt, einen sich wandelnden Horizont dar, innerhalb dessen sich auch unser Verst{\"a}ndnis von Kunst unabl{\"a}ssig ver{\"a}ndert. Dar{\"u}ber hinaus wirft dies aber eine noch grundlegendere Frage auf: K{\"o}nnte es sein, dass dieser Horizont aufgrund seiner Dichte und L{\"u}ckenlosigkeit nicht immer weiter, sondern immer enger wird? L{\"a}sst die F{\"u}lle des Archivierten wom{\"o}glich immer weniger Raum, um sich individuell im historisch {\"U}berlieferten einzurichten? Ist es denkbar, dass das {\"U}berborden der Archive eine Artikulation in der Gegenwart mehr und mehr zu ersticken droht?
{\guillemotright}Leben im Archiv{\guillemotleft} bezeichnet demnach jene ambivalente Aufgabe, die sich heute jeder und jedem stellt: einerseits einen Operationsmodus zu finden, um mit diesem {\"U}berborden zurande zu kommen; andererseits diesen Modus so weit produktiv zu machen, dass er nicht in eine seltsam obsessive {\guillemotright}Retromanie{\guillemotleft} verf{\"a}llt. Die Beitr{\"a}ge dieses Hefts n{\"a}hern sich dieser Problematik aus unterschiedlichen Blickwinkeln. Nata{\v s}a Petre{\v s}in-Bachelez, Kuratorin und selbst Betreiberin eines Kunstraums, macht im Gespr{\"a}ch zwei widerstreitende Impulse in der Archivarbeit geltend: einen nostalgischen, h{\"a}ufig auch verkl{\"a}renden Zugang und, mehr im Sinne einer historisch-kritischen Ged{\"a}chtniskultur, das Ank{\"a}mpfen gegen Verdr{\"a}ngung und Vergessen. Um der Gefahr eines verdinglichenden, die Geschichte gleichsam mumifizierenden Ansatzes entgegenzuwirken, sei es laut Petre{\v s}in-Bachelez unerl{\"a}sslich, von RezipientInnenseite aus immer wieder den Versuch einer aktivierenden Vergegenw{\"a}rtigung zu unternehmen.
Der {\guillemotright}mal d{\textquoteright}archive{\guillemotleft}, die Archivkrankheit, die der Philosoph Jacques Derrida einst als (psycho-)analytisches Moment benannt hat, zeichnet sich anhand vielfacher Symptome ab: Eines davon betrifft die Definitions- und Deutungshoheit dar{\"u}ber, was {\"u}berhaupt als legitimer Archivbestand gelten darf. Simon Sheikh nimmt exemplarisch den Diskurs der Kunstgeschichte her, die lange Zeit dar{\"u}ber gewacht hat, welche Selektion, welche Querverbindungen und welche potenzielle Erweiterung ihrer ureigensten Diskurseinheiten, n{\"a}mlich den f{\"u}r wertvoll erachteten Kunstwerken, erlaubt waren. Anhand des Beispiels m{\"o}glicher (aber nicht wirklich stattgefundener) Begegnungen verschiedener K{\"u}nstler versucht Sheikh das Verdienst einer fiktiv konstruierten Geschichte zu ermessen, f{\"u}r die das Archiv eine weiterhin zu bearbeitende, st{\"a}ndig neu zu konstruierende Ausgangsmaterie darstellt. {\"A}hnliches formuliert C{\'e}dric Vincent im Hinblick auf die Geschichte des {\guillemotright}panafrikanischen Festivals{\guillemotleft}, das zwischen 1966 und 1977 dreimal stattfand. Die offiziellen Dokumente dazu, so Vincent, reichen nicht aus, um den lebendigen Impuls dieser bahnbrechenden Zusammenkommen weiterzutragen {\textendash} es m{\"u}ssten daf{\"u}r auch inoffizielle, au{\ss}erinstitutionelle und vor allem pers{\"o}nliche Quellen genutzt und aktiviert werden.
Einzelne Fallstudien erg{\"a}nzen den allgemeineren Problemaufriss dieses Hefts. Nanna L{\"u}th benennt in ihrer Auseinandersetzung mit der peruanischen K{\"u}nstlerin Teresa Burga einen wichtigen Aspekt des grassierenden Archivfiebers: Dieses sei weitgehend westlich orientiert und lasse es nur bedingt zu, dass auch nicht-westliche, ja subalterne Archive gleichwertig zur Geltung kommen. Teresa Burga habe demgegen{\"u}ber in ihrer k{\"u}nstlerischen Arbeit ihr lebensweltliches Archiv st{\"a}ndig aktualisiert und exemplifiziere mit ihrer gesamten Praxis, inwiefern sich das hegemoniale Archivdenken konterkarieren l{\"a}sst. Vergleichbares gilt f{\"u}r die historische Rekonstruktionsarbeit. So streicht Jochen Becker in seinem Beitrag {\"u}ber zwei Projekte zur jugoslawischen Moderne heraus, dass deren Aufarbeitung weit {\"u}ber ihren eigentlichen Gegenstand hinaus bis in die Gegenwart reicht; und dass das Projekt der {\guillemotright}unvollendeten Modernisierung{\guillemotleft}, wie es nach dem Zweiten Weltkrieg seinen Ausgang nahm und seither die Archive f{\"u}llt, vielleicht per definitionem unabschlie{\ss}bar bleibt. Derlei Fallstudien belegen ebenso wie die {\"u}brigen Beitr{\"a}ge dieser Ausgabe, dass die Archivproblematik heute in einer Reihe unterschiedlichster Felder virulent ist und zu keiner vorschnellen Kl{\"a}rung ({\guillemotright}closure{\guillemotleft}) gebracht werden kann.
Ausgehend von der allseitigen Verf{\"u}gbarkeit, welche die weltweiten elektronischen Speicher heute f{\"u}r uns bereithalten, stellt sich folgende, weiterhin dr{\"a}ngende Frage: Wie leben inmitten einer durch und durch archivarischen, zugleich aber auch immer st{\"a}rker geschichtsvergessenen Welt, in der immer schon alles vorweggenommen und von historischer Dichte besetzt zu sein scheint? Und wie dieser F{\"u}lle neues Leben einhauchen {\textendash} eines, das imstande w{\"a}re, dynamisch auf die Gegenwart zur{\"u}ckzuwirken?},
	keywords = {!Mediengruppe Bitnik, 2nd Ural Industrial Biennial of Contemporary Art, 7. Berlin Biennale, Agnieszka Polska, Christoph Draeger: A drift, Conzepte, Documenta 13, Erwin Thorn, Facebook Art, Geometrien des Zufalls {\textendash} vision{\"a}re Bildarchitekturen, Geschichten im Konflikt, How the Work is Done, Jay David Bolter, Kaucyila Brooke: Do You Want Me To Draw You A Diagram?, Magazin, mal d{\textquoteright}archive, Manifesta 9, Margaret Harrison: Preoccupy, Maria Theresia Litschauer: Architekturen des Nationalsozialismus, Morgan Fisher: The Frame and Beyond, Nata{\v s}a Petre{\v s}in-Bachelez, Publizieren, Realistischer Sozialismus, Reflecting Fashion {\textendash} Kunst und Mode seit der Moderne, Richard Grusin, Sergej Bratkow: Chapiteau Moscow, Simon Starling in Kollaboration mit Superflex: Reprototypen; Triangulationen und Testverfahren, Standardst{\"a}dte, Taiping Tianguo {\textendash} A History of Possible Encounters, Teresa Burga, The Aspen Complex, Tonto Comics: Noise, When it Stops Dripping from the Ceiling, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-596-5},
	url = {https://www.springerin.at/2012/4/},
	author = {Vera Tollmann and Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Franz Thalmair and Bar{\i}{\c s} Acar and Amir Vodka and Felix Stalder and J. Emil Sennewald and Simon Sheikh and C{\'e}dric Vincent and Nanna L{\"u}th and Jochen Becker and Yvonne Rainer and Monika Bernold and Alice Creischer and Andreas Siekmann and Stefanie Hoch and Sabine Rohlf and Michael Hauffen and Hedwig Saxenhuber and Quinn Latimer and Herwig G. H{\"o}ller and Kerstin Stakemeier and Monika Vykoukal and Christian H{\"o}ller and Carola Platzek and Su-Ran Sichling and Roland Sch{\"o}ny and Nina Schedlmayer and Matthias Dusini and Yuki Higashino and Martin Reiterer and Michael Hauffen},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {_kunstforum._2011-1,
	title = {Kunstforum International 207/2011},
	series = {Social Design},
	volume = {207},
	year = {2011},
	note = {Z Kunstforum 207/2011},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Social Design

Social Design als ein Arbeitsprinzip zur Realisierung einer menschengerechten Umwelt spielt auch im Kunstbetrieb eine immer gr{\"o}{\ss}ere Rolle. In Anspielung auf die Proklamation unseres {\textquotedblleft}Dasein(s) als Design{\textquotedblleft} (Henk Oosterlings) unternahm Bruno Latour j{\"u}ngst eine fundamentale Erweiterung des Design {\textendash} Begriffs: Design umfasst {\"u}ber unsere materielle Dingwelt hinausreichend Landschaft und Natur, K{\"o}rper und Gene, ja sogar immaterielle Handlungen. Sie werden {\quotedblbase}dadurch, dass sie uns {\textendash} den Menschen angehen -, zu Design-Objekten durch und durch. Peter Sloterdijk diskutiert Design im Sinne einer {\quotedblbase}nach vorne offenen Optimierungsgeschichte{\textquotedblleft} und den Beruf des Designers als den eines {\quotedblbase}Entwicklungshelfers f{\"u}r G{\"u}ter auf dem Weg zur Besserung{\textquotedblleft}. F{\"u}r ihn ist Design {\quotedblbase}in eine Art von psychopolitischer Titanenschlacht verwickelt, in der Hoffnungskr{\"a}fte und Verzweiflungskr{\"a}fte wie zwei Weltm{\"a}chte oder Gesamtatmosph{\"a}ren miteinander ringen.{\textquotedblleft} Wo aber entsteht das {\quotedblbase}Soziale{\textquotedblleft} heute bzw. wird es produziert? Ausgehend von der Manifest Biennial for Social Design in Utrecht (NL), die 2009 zum 3. Mal stattfand, er{\"o}ffnet dieser Band insgesamt f{\"u}nf, von Inhalt und Format v{\"o}llig unterschiedliche Denkr{\"a}ume, um den Problemkreis mit Essays, Berichten und Interviews zu durchleuchten.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2011-2,
	title = {Kunstforum International 208/2011},
	series = {Zeichnen zur Zeit 4},
	volume = {208},
	year = {2011},
	note = {Z Kunstforum 208/2011},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Zeichnen zur Zeit 4
Einzelportr{\"a}ts 
Eine Serie in mehreren Teilen. Teil 4
Das Atelier als Manifest

Die Werkstatt des K{\"u}nstlers als Manifest zu bezeichnen, ist so ungew{\"o}hnlich wie einleuchtend. Das Atelier ist zwar kein geschriebenes, jedoch ein gebautes, gestaltetes und r{\"a}umlich erlebbares Manifest. Wer einen Ort der Kreativit{\"a}t mietet oder besitzt und ihn als Atelier bezeichnet, erkl{\"a}rt sich durch diese Proklamation selbst zum K{\"u}nstler. Noch bevor es zum Kunstmachen kommt, ist diese Kundmachung ein offensichtliches Lebenszeichen der ganz besonderen Art: zugleich feierliche Mitteilung, Grundsatzerkl{\"a}rung, Programm und Vorhersage auf ein besseres Leben. KUNSTFORUM ist dem nachgegangen, in acht grossen Essays und 12 Portr{\"a}ts. Hunderte von Fotos zeigen die unterschiedlichsten Formen des Ateliers - bis hin zu den Refugien der aktuellen K{\"u}nstler {\textendash} und erg{\"a}nzen so die theoretischen Darstellungen.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2011-3,
	title = {Kunstforum International 209/2011},
	series = {Die heilige Macht der Sammler},
	volume = {209},
	year = {2011},
	note = {Z Kunstforum 209/2011},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Die heilige Macht der Sammler

Die Sammler gelten als die eigentliche Macht im Kunstbetrieb. Sie ern{\"a}hren K{\"u}nstler, Galeristen, Auktionsh{\"a}user und inzwischen auch die chronisch unterdotierten Museen. Von ihnen lassen sie sich ihre Sammlungen adeln, schlie{\ss}en die L{\"u}cken der Ankaufsetats oder bauen zu Ehren ihrer Konvolute kurzum eigene Museen. Mancher wird ob der ewigen Diskussionen {\"u}ber die Sammler m{\"u}de {\textendash} doch ihre Bedeutung ist seit Jahrhunderten unumstritten. Und neue Ph{\"a}nomene beeinflussen den Markt: das teilweise anonyme Eingreifen von Investmentgesellschaften mit schier unbegrenzten finanziellen Mitteln wandelt die Marktmechanismen. {\"A}ndert sich damit auch die Bedeutung des {\quotedblbase}klassischen{\textquotedblleft} Sammlers? Spannend bleibt damit die Frage, wie werden heute K{\"u}nstler und die Preise ihrer Kunst gemacht. Und spannend bleibt auch die Frage nach dem Menschen und seiner Obsession hinter der Sammlermacht. KUNSTFORUM befasst sich in zwei B{\"a}nden mit diesem Ph{\"a}nomen, bietet neben Beitr{\"a}gen zahlreicher Theoretiker ausf{\"u}hrliche Gespr{\"a}che mit circa 30 der angesagten Sammler, die offen antworten und teilweise zulassen, wie auf {\quotedblbase}der Couch{\textquotedblleft} befragt zu werden. },
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2011-4,
	title = {Kunstforum International 210/2011},
	series = {54. Biennale Venedig},
	volume = {210},
	year = {2011},
	note = {Z Kunstforum 210/2011},
	publisher = {Kunstforum International },
	organization = {Kunstforum International },
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {54. Biennale Venedig

Noch bis zum 27. November dreht sich die Kunstwelt um Venedig. Die 54. BIENNALE VENEDIG hat die Lagunenstadt wie auch die n{\"a}chste Kunstforum-Ausgabe fest im Griff. Band 210 dokumentiert die Biennale nicht nur fotografisch, sondern bietet {\"u}ber die rund 1000 Abbildungen hinaus eine F{\"u}lle von Hintergrundinformationen, Kommentaren, zusammenfassenden Essays und Interviews. Allem voran das Gespr{\"a}ch mit der k{\"u}nstlerischen Leiterin der Hauptausstellung ILLUMInazioni, Bice Curigier. Sie f{\"u}hrt, wie in den Jahren zuvor Harald Szeemann und Daniel Birnbaum, den Kunstforum-Leser instruktiv durch die von ihr kuratierte Schau. K{\"u}nstler-Stars wie Christian Boltanski, Thomas Hirschhorn, Mik Nelson, Markus Schinwald und viele andere erl{\"a}utern in weiteren Interviews ihre Arbeiten f{\"u}r die L{\"a}nderpavillons. Mit 89 nationale Beteiligungen sowie 37 weitere Ausstellungen ist die Biennale Venedig noch einmal gewachsen {\textendash} ein Grund mehr, sich mittels Kunstforum den {\"U}berblick zu schaffen: sei es als Vorbereitung f{\"u}r den Besuch oder als dauerhaftes Nachschlagewerk. },
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2011-5,
	title = {Kunstforum International 211/2011},
	series = {Die heilige Macht der Sammler 2},
	volume = {211},
	year = {2011},
	note = {Z Kunstforum 211/2011},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Die heilige Macht der Sammler 2

In Band 209 wurde die gro{\ss}e, {\"u}ber mehrere B{\"a}nde geplante Dokumentation {\"u}ber Das Sammeln heute er{\"o}ffnet. Kritiker und Theoretiker brachten in scharfen Interviews die Probleme auf den Punkt: KUNSTSAMMELN - was ist da heute anders geworden und wodurch? Da heute alles unter dem Primat des Geldmachens steht - gibt es denn diese "Verr{\"u}ckten, von Obzessionen Besessenen", {\"u}berhaupt noch? Und die "Mega-Sammler", die anonymen Fondsgellschaften bei denen Geld gar keine Rolle mehr spielt - wie haben diese den Kunstbetrieb ver{\"a}ndert oder gar zerst{\"o}rt? Haben heute und in Zukunft mittlere und kleine Galerien {\"u}berhaupt noch eine Chance? Mit 12 der renommierten Sammler (von insgesamt {\"u}ber 50) konnten erstaunlich offnene, tiefgehende Gespr{\"a}che gef{\"u}hrt werden. Diese Publikation kam im Markt wie eine Sensation an, die erste Auflage war sofort vergriffen, es mu{\ss}te nachgedruckt werden. Jetzt in Band 211 pr{\"a}sentieren wir die 2. Folge.



Biennale Venedig 2

In Band 210 publizierten wir traditionsgem{\"a}{\ss} die Biennale Venedig in einem kompletten Fotorundgang: die zentrale Hauptausstellung sowie die grossen Beitr{\"a}ge der L{\"a}nder die in den Giardini immer schon dabei waren, begleitet von Gespr{\"a}chen mit der Kuratorn der Hauptausstellung und mit den wichtigsten K{\"u}nstlern. Da die Biennale aber von Ausgabe zu Ausgabe w{\"a}chst, durch die Teilnahme von immer mehr L{\"a}ndern aus aller Welt, ist die Ausstellung, die inzwischen sogar als der spannemdere Teil wahrgenommen wird, auf die ganze Stadt hin ausgewachsen. Immer noch fanden {\"u}ber 70 L{\"a}nder passende Domizile. Diese Pr{\"a}sentatiionen im Stadtgebiet ist Thema des 2.Teils unserer Venedig-Dokumentation, besonders wertvoll vielleicht auch deshalb, weil vieles wegen der ungeheuren F{\"u}lle von den Besuchern gar nicht mehr wahrgenommen wurde, wie wir jetzt recherchieren konnten. Auch dieser Teil besteht aus einem kompletten, kommentierten Fotorundgang mit {\"u}ber 300 Bildern.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2011-6,
	title = {Kunstforum International 212/2011},
	series = {res publica 2.0},
	volume = {212},
	year = {2011},
	note = {Z Kunstforum 212/2011},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {res publica 2.0
Stadtkunst als Bild, Text, Klang

Weitet sich die Kunstszene von Atelier und White Cube auf Stadt und {\"O}ffentlichkeit aus, so vollzieht sich das in der gegl{\"u}ckten Version mit einem hohen dialogischen Spannungsanteil an {\quotedblbase}{\"o}ffentlichen Angelegenheiten{\textquotedblleft} ({\quotedblbase}res publica{\textquotedblright}). {\textellipsis} Das f{\"u}hrt zu jenem Doppelblick auf Stadt und Kunst, der nicht nach Harmonie strebt, sondern mit der Lust an der Herausforderung zu spielen wei{\ss}. {\textellipsis} Die Kunst ihrerseits setzt ihr Potenzial als St{\"o}rung, Unterbrechung, als Durchkreuzung und Verschiebung oder als Gestus des Widerspruchs ein. Der Begriff res publica 2.0 steht f{\"u}r die Vorgehensweise von B{\"u}rgern und K{\"u}nstlern, die am Lack der glatten Lebenswelten kratzen und die in den Routinen herrschender Strukturen und Umgangsformen den Grund f{\"u}r gesellschaftlichen Stillstand sehen. {\textellipsis} Karl-J{\"u}rgen Krause versammelt in seinen Notizen des {\"o}ffentlichen Raums von der Antike {\"u}ber Mittelalter, Absolutismus, Liberalismus bis hin zu neuester und heutiger Zeit ein facettenreiches Panorama juridischen, sozialen und anthropologischen Wissens, das als Fundament f{\"u}r die Etablierung einer neuen res publica und Allmende unumg{\"a}nglich ist. {\textellipsis}{\quotedblbase}An keinem anderen Ort als im {\"o}ffentlichen Raum l{\"a}sst sich das Verg{\"a}ngliche, Fl{\"u}chtige und Zuf{\"a}llige im hautnahen Erleben so gut vervielf{\"a}ltigen.{\textquotedblleft} Mit dieser Sammlung von Essays, Interviews und Bilddokumentationen in Bd.212 setzen wir in mehreren B{\"a}nden die Diskussion fort, die schon mit dem Band 81 {\quotedblbase}res publica{\textquotedblleft} begann. },
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2012,
	title = {Kunstforum International 213/2011},
	series = {Ironie},
	volume = {213},
	year = {2011},
	note = {Z Kunstforum 213/2011},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Ironie

Dem r{\"o}mischen Redner Quintilian wird eine der ersten allgemeinen Definitionen von Ironie zugeschrieben: das Gegenteil von dem sagen, was es bedeuten soll. Bereits f{\"u}nfhundert Jahre zuvor f{\"u}hrte Sokrates, der Ahnherr der Ironie, die ironische Rede ein. Sie wurde von Beginn an als eine Strategie der Doppelb{\"o}digkeit eingesetzt. Umberto Eco {\"u}bertrug 1983 die rhetorische Seite des Ironie-Begriffs auf die damalige postmoderne Gegenwart: {\quotedblbase}Die ... Antwort auf die Moderne besteht in der Einsicht, dass die Vergangenheit, nachdem sie nun einmal nicht zerst{\"o}rt werden kann, da ihre Zerst{\"o}rung zum Schweigen f{\"u}hrt, auf neue Weise ins Auge gefasst werden muss: mit Ironie, ohne Unschuld.{\textquotedblleft} Die seit einigen Jahren ge{\"u}bte Kritik am Ironischen gr{\"u}ndet vor allem in ihrer Reduzierung auf Polemik und belanglosen Humor in jener Zeit, in der nur allzu oft lediglich ein Schenkelklopfen als Resultat {\"u}brig blieb. Der Kunstforumsband Ironie untersucht aus historischer, philosophischer und k{\"u}nstlerischer Sicht die vielf{\"a}ltigen {\"a}sthetischen Tendenzen zum Thema. Dabei werden inhaltliche {\"U}bereinstimmungen zu artverwandten {\"A}sthetiken, wie Humor, Karikatur, Groteske und Satire aufgef{\"u}hrt. Der vorliegende Band kann durchaus als Fortsetzung und aktualisierte Bestandsaufnahme der beiden Kunstforumsausgaben Nr. 162 und 163 (Kunst und Humor) verstanden werden. Im ersten Beitrag bietet Oliver Zybok zun{\"a}chst einen allgemein theoretischen wie kurzen kunsthistorischen {\"U}berblick zum Thema, bevor abschlie{\ss}end die Bedeutung der Ironie f{\"u}r zeitgen{\"o}ssische K{\"u}nstler er{\"o}rtert wird. Kann wirklich von einem Ende der Ironie gesprochen, also ein postironisches Zeitalter ausgerufen werden?},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {uhrmann_schonheit_2011,
	title = {Sch{\"o}nheit und Verg{\"a}nglichkeit. Ein Kunst-Lesebuch},
	year = {2011},
	note = {AK 2011/14},
	publisher = {Sammlung Essl},
	organization = {Sammlung Essl},
	address = {Klosterneuburg},
	keywords = {Anthologie, Ausstellung, Gegenwartskunst, Klosterneuburg, Lesebuch, Sch{\"o}nheit, Verg{\"a}nglichkeit, Wien, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	isbn = {978-3902001634},
	author = {Uhrmann, Erwin and Hoffer, Andreas}
}
@book {3024,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 01/2011},
	series = {L{\textquoteright}Internationale},
	volume = {17},
	year = {2011},
	note = {Z Springerin 01/2011},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {L{\textquoteright}Internationale

Die im Kernteil dieses Hefts versammelten Beitr{\"a}ge gehen auf die im Oktober 2010 in Wien abgehaltene Konferenz {\guillemotright}Points of Connection{\guillemotleft} zur{\"u}ck, die zugleich Auftaktveranstaltung des Projektnetzwerks L{\textquoteright}Internationale war. L{\textquoteright}Internationale ist eine Gemeinschaftsorganisation von f{\"u}nf europ{\"a}ischen Museen und K{\"u}nstlerarchiven, deren Ziel es ist, auf Grundlage des wechselseitigen Zugangs zu ihren jeweiligen Sammlungen und Archiven eine l{\"a}ngerfristige Kooperation zu etablieren. Eines der Hauptanliegen ist die Anfechtung g{\"a}ngiger kunsthistorischer Kanons und Narrative mittels lokaler Vergleiche. Gegen die globalen hegemonialen Anspr{\"u}che m{\"a}chtiger Kunstinstitutionen setzt L{\textquoteright}Internationale eine Zusammenarbeit von Museen, deren Sammlungen und Geschichten unterschiedlich ausgerichtet sind, wodurch mehrstimmige {\"u}bernationale Narrative geschaffen werden sollen. Ziel ist weiters die Sichtbarmachung von {\"U}bereinstimmungen zwischen verschiedenen Sammlungen und Archiven {\textendash} {\guillemotright}Points of Connection{\guillemotleft} {\textendash}, an denen Interessen, Methoden und Visionen konvergieren. L{\textquoteright}Internationale strebt mithin eine neue, mehrstimmige Kunstgeschichte an, will gleichzeitig aber auch den Prozess ihrer Herstellung transparent machen. Die erste Konferenz galt sowohl dem Forschungsgegenstand (Avantgardekunst von 1956 bis 1986) als auch den Forschungsmethoden und den verwendeten Quellen (insbesondere in den Sammlungen und Archiven).
Den ersten thematischen Block bilden dabei die Avantgarden zwischen dem Ende des Modernismus und dem Aufstieg der Globalisierung. Dieser Zeitraum zwischen 1956 und 1986 war eine Periode, in der in vielen Teilen der Welt autorit{\"a}re Regime unterschiedlicher Ausrichtung herrschten (so unter anderem in Spanien, Portugal, Brasilien, Argentinien, Uruguay und Osteuropa). Zugleich war diese Zeit vom Glauben an eine neue Moderne gepr{\"a}gt, in der fortschrittliche Technologien eine wichtige Rolle spielen w{\"u}rden. Die Welt sollte durch neue Transport- und Kommunikationsmittel n{\"a}her zusammenr{\"u}cken, die Medien sollten mehr Macht erhalten. Dieser Glaube galt nicht nur f{\"u}r die sozialdemokratischen und liberalen L{\"a}nder im Westen, sondern auch f{\"u}r den entkolonialisierten S{\"u}den, den kommunistischen Osten und die sogenannten blockfreien Staaten. Es war die Zeit des Kalten Kriegs, des Fordismus, des Staatssozialismus und der Entkolonialisierung. Politische und {\"o}konomische Differenzen wurden von einer zunehmenden Homogenisierung in Folge der Globalisierung begleitet.
Diesbez{\"u}glich behandeln die hier enthaltenen Beitr{\"a}ge eine Reihe von Fragen: Inwieweit k{\"o}nnen die verschiedenen totalit{\"a}ren, sozialdemokratischen, kommunistischen und liberaldemokratischen Kontexte Europas sowie Nord- und Lateinamerikas miteinander verglichen werden? Welche {\"A}hnlichkeiten bestanden in der fraglichen Zeit zwischen Ost und West? Welche Themen herrschten in konkurrierenden politischen Regimes gleicherma{\ss}en vor? Wie sehr spiegelten diese Themen den Prozess der Globalisierung wider? Auf die heutige Situation bezogen kn{\"u}pft daran die Frage an, wie sich ausgehend von diesen Aspekten gemeinsame globale Interessen definieren lassen. Welche neuen Ber{\"u}hrungspunkte k{\"o}nnen als Angelpunkte f{\"u}r neue subversive Aktionen weltweit dienen? Und wie k{\"o}nnen Museumsarbeit und Kunst den Prozess der Entkolonialisierung des Wissens stimulieren?
Unweigerlich mit diesen Fragstellungen verkn{\"u}pft ist ein Umschreiben der Kanons, was die Avantgardekunst zwischen 1956 und 1986 betrifft. Bei dieser Kunst handelte es sich nicht nur um Performance, neue Medien, politischen Aktivismus und visuelle Poesie, sondern auch um Kunst mit ausgepr{\"a}gten utopischen Visionen. Verschiedene Wissensfelder miteinander zu verbinden, neue Kunstgeschichten ebenso wie den Bereich pers{\"o}nlicher Erfahrungen aus osteurop{\"a}ischen, lateinamerikanischen, westeurop{\"a}ischen und nordamerikanischen Perspektiven zu beleuchten {\textendash} dieser Aufgabe widmen sich die Heftbeitr{\"a}ge mit unterschiedlicher Gewichtung: Haben die Kunstbewegungen, die unter verschiedenen Namen in verschiedenen Teilen der Welt zugleich aufkamen, eine gemeinsame Grundlage? Stellten die Nachkriegsavantgarden eine Reaktion auf die Zersetzung oder einen Bruch innerhalb der Moderne dar? Wie machte sich dieser Bruch unter unterschiedlichen kulturellen und politischen Umst{\"a}nden bemerkbar? Viele K{\"u}nstlerarchive werden diesbez{\"u}glich zu ebenso wichtigen Teilen des Kulturerbes wie die gro{\ss}en Museumssammlungen. Wie l{\"a}sst sich Wissen aus erster Hand direkt von seinen UrheberInnen in Museumsarchive und Sammlungen transferieren?
Ein z{\"a}hlebiges Klischee {\"u}ber nicht westliche Kunst besagt, dass diese die {\"a}sthetischen Vorstellungen aus dem Westen mit einiger Zeitverz{\"o}gerung blo{\ss} kopiert h{\"a}tte. Wie k{\"o}nnen wir die weit verbreitete Idee, dass der Westen ein Vorbild oder Spiegel der Nachkriegsavantgarden in anderen Weltregionen war, heute uminterpretieren? Obwohl die Vokabulare der Nachkriegsavantgarden verschieden sind, kann man bis zu einem gewissen Grad von einer internationalen Sprache ausgehen. Ein Hauptunterschied bestand aber zweifellos darin, wie diese Avantgarden mit ihrem jeweiligen Gesellschaftsumfeld kommunizierten und unterschiedliche soziale Funktion hatten. Welche kommunikativen Ans{\"a}tze wurden in welchen Umfeldern mit welchen Zielgruppen verfolgt?
In dieser Hinsicht besch{\"a}ftigt sich L{\textquoteright}Internationale nicht nur mit der Frage, wie das Kunstsystem und seine Alternativen in der besagten Periode funktionierten, sondern m{\"o}chte auch neue, transnationale Wege der Zusammenarbeit von Institutionen aufzeigen. VertreterInnen von Institutionen versuchen in den hier versammelten Beitr{\"a}gen gemeinsam mit unabh{\"a}ngigen ExpertInnen aus den alternativen Kunstszenen von damals und heute, derlei Fragen forschend nachzugehen: Wie zirkulierten Ideen und Kunstwerke zwischen und innerhalb von West- und Osteuropa, Nord- und Lateinamerika? Wie schlossen sich K{\"u}nstlerInnen in abgelegenen Regionen zu Netzwerken zusammen und was k{\"o}nnen wir daraus heute lernen? Wie soll eine zuk{\"u}nftige internationale Zusammenarbeit zwischen Ost und West bzw. Nord und S{\"u}d aussehen?

Weitere Informationen {\"u}ber die Aktivit{\"a}ten des Projektnetzwerks L{\textquoteright}Internationale finden sich unter http://internacionala.mg-lj.si/ },
	keywords = {!Mediengruppe Bitnik, A. K. Burns, A. L. Steiner, A. M. Jehle, ABC; {\'E}cole de Paris, animierter Dokumentarfilm, Archiv, Avantgarde, Bruce Conner. Die 70er Jahre, Community Action Center, Dierk Schmidt, Forum Lenteng, Freedom of Speech, Habiter po{\'e}tiquement le monde, Heimat, Heinrich Hauser - Schwarzes Revier, Hito Steyerl - In Free Fall, Indonesien, Intermedium Records, Jef Geys, Kroatien, Les Liens Invisibles, Living Across {\textendash} Spaces of Migration, Lodz, Magazin, Mail-Art, Marko Pogacnik, Medienaktivismus, OK.Video, Peter Weibel, Riss/L{\"u}cke/Scharnier A {\textendash} Rift/Gap/Hinge A, ruangrupa, Shockworkers of the Mobile Image, Simulakrum, Torture Classics, Tucum{\'a}n Arde, {\"U}berblendungen. Das Zuk{\"u}nftige rekonstruieren, UBERMORGEN.COM, Videokunst, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-566-8},
	url = {https://www.springerin.at/2011/1/},
	author = {Julia Gwendolyn Schneider and Franz Thalmair and Thomas Edlinger and Ido Lewit and Alessandro Ludovico and Felix Stalder and Vera Tollmann and Justin Hoffmann and Immanuel Wallerstein and Piotr Piotrowski and Branka Stipancic and Je{\v s}a Denegri and Eda Cufer and Christian H{\"o}ller and Cristina Freire and Graciela Carnevale and Michael Hauffen and Elena Yaichnikova and Anja Werkl and Guillaume D{\'e}sanges and Simon Rees and J{\"o}rn Ebner and Kerstin Kellermann and Cynthia Chris and Christa Benzer and Rachel Mader and Jochen Becker and Ulrike Davis-Sulikowski and Silvia Eiblmayr and Marc Ries},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3023,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2011},
	series = {Nicht integriert},
	volume = {17},
	year = {2011},
	note = {Z Springerin 02/2011},
	publisher = {Folio erlag},
	organization = {Folio erlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Nicht integriert

Debatten um Zuwanderung, Asyl und Migration gewinnen europaweit an Brisanz. Kaum ein anderes Thema f{\"u}hrt momentan in der gesellschaftlich-kulturellen Auseinandersetzung zu derartigen Polarisierungen wie dieses. Auf der einen Seite stehen dabei reflexhafte Ressentiments und Abwehrreaktionen, die sich in den Wahlergebnissen vieler L{\"a}nder niederschlagen. Auf der anderen Seite erleben wir ein nahezu hilflos gewordenes Zelebrieren von Multikultur, das inzwischen von h{\"o}chsten politischen Stellen eine Absage erf{\"a}hrt. Selten jedoch sind in der anhaltenden Diskussion st{\"a}rkere, tragf{\"a}higere, ja ins Positive gewendete Konzepte zu vernehmen, die {\"u}ber das blo{\ss}e Abfeiern von Diversit{\"a}t hinausgehen.
Ein neuralgischer Punkt des ganzen Komplexes scheint darin zu liegen, dass selbst in aufgeschlosseneren politischen Lagern das Thema h{\"a}ufig auf die Aspekte Integration bzw. Assimilation reduziert wird. An diesem Punkt setzt auch die vorliegende Ausgabe an und wirft eine Reihe von Fragen auf, die sich quer durch die Terrains des Politischen, Sozialen, Kulturellen und im engeren Sinne K{\"u}nstlerischen ziehen: Was genau meint man, wenn vom Wunschbild {\guillemotright}gut integrierter MigrantInnen{\guillemotleft} die Rede ist? Worauf zielt die weithin erhobene Forderung nach Integrationsbereitschaft? Wird damit einzig die sprachliche Angliederung an die Mehrheitsgesellschaft verlangt oder sind damit noch weitreichendere Anliegen impliziert? Kann die Forderung nach Integration {\"u}berhaupt ein legitimer Anspruch sein angesichts weltweit zunehmend durchmischter Soziet{\"a}ten {\textendash} eine Entwicklung, die kaum vor einem Nationalstaat haltmacht?
Der Migrationsforscher Nikos Papastergiadis befasst sich schon seit L{\"a}ngerem mit diesen globalen Realit{\"a}ten und unaufhaltsam fortschreitenden Vermischungsszenarien. Sein Res{\"u}mee der Debatte, welche die letzte Dekade hindurch zus{\"a}tzlich von der grassierenden westlichen Paranoia im Gefolge von 9/11 angeheizt wurde, lautet schlicht und trefflich: Das Rad l{\"a}sst sich nicht zur{\"u}ckdrehen, vielmehr sind aufseiten der Kunst Ans{\"a}tze gefragt, die sich explizit mit Aspekten der Mobilit{\"a}t, Differenz und Zugeh{\"o}rigkeit befassen. Ein Schwerpunkt, wie ihn die Fotografin Yto Barrada l{\"a}nger schon am Beispiel der Grenzregion Marokko{\textendash}Spanien untersucht, einer jener Zonen, in denen Kontinente und Welten aufeinanderprallen. {\guillemotright}Closer to home{\guillemotleft} untersucht die Historikerin Rita Chin sowohl die historische als auch die aktuelle Rolle, welche muslimische Frauen innerhalb der Migrations- und Integrationsdebatte einnehmen. War die Generation der 1970er-Jahre-Feministinnen darum bem{\"u}ht, t{\"u}rkischst{\"a}mmige Frauen in Deutschland anhand von Sozialreportagen in ihrem sozialen und kulturellen Habitat besser verstehen zu lernen, so sind Letztere inzwischen zu einem Politikum ganz anderer Art geworden. Entz{\"u}ndet sich an ihnen doch regelm{\"a}{\ss}ig der aus westlicher {\"U}berlegenheit heraus erfolgende Ruf nach (vermeintlicher) Emanzipation und einem M{\"u}ndigwerden, mit dem auch gleich dem gesamten islamischen Hintergrund eine Abfuhr erteilt werden kann.
Um M{\"u}ndigkeit und Unm{\"u}ndigkeit und die daran festgemachten kulturp{\"a}dagogischen Konzepte dreht sich auch der Beitrag von Ljubomir Brati{\'c}. Seine Auseinandersetzung mit den Anfeindungen und Selbstbehauptungsversuchen von nach {\"O}sterreich gekommenen GastarbeiterInnen bzw. deren Nachkommen skizziert eine Reihe von Transformationen, teils bereits erfolgt, teils noch vor uns liegend, die das g{\"a}ngige Gesellschaftsbild radikal ver{\"a}ndern werden. Eine {\"a}hnliche Argumentation verfolgt Rubia Salgado, die in einem Gemeinschaftsprojekt zusammen mit Asylwerberinnen deren selbst erstrittenes {\guillemotright}Bleiberecht{\guillemotleft} artikuliert: {\guillemotright}Wir gehen nicht!{\guillemotleft}, hei{\ss}t es darin programmatisch innerhalb eines Kontexts, in dem Migration und Asyl zunehmend in den Bereich von Sicherheits- (und nicht Menschenrechts-)Diskursen verschoben zu werden drohen.
Inwiefern die {\guillemotright}Integrationsvereinbarung{\guillemotleft}, die heute politisch in aller Munde gef{\"u}hrt wird, immer schon auf zweifelhaften Voraussetzungen beruhte, beleuchten weitere Beitr{\"a}ge dieser Ausgabe: Die K{\"u}nstlerin Farida Heuck etwa befasst sich mit zwanghaft verordneter Sprachpolitik und den ungleichen Migrationspr{\"a}missen, denen zufolge {\"o}konomisch besser Gestellte eindeutig privilegiert sind. S{\"u}reyyya Evren fragt in seinem Essay nach den kulturgeografischen Koordinaten, die Europa von Asien trennen, um zugleich auf verdr{\"a}ngte sexuelle Komponenten der Migrationsdiskussion zu verweisen. Ein eigener kleiner Schwerpunkt zu Themen afrikanischer Kunst und Moderne wirft schlie{\ss}lich ein Licht darauf, wie sich integrative Belange aus der Perspektive europ{\"a}isch-afrikanischer Dialoge ausnehmen {\textendash} bzw. wie weit wir von solchen Zielvorstellungen in der Realit{\"a}t entfernt sind.
Insgesamt versucht das Heft {\guillemotright}Nicht integriert{\guillemotleft} ein Spektrum abzubilden, innerhalb dessen sich Differenz, Minorit{\"a}t und Nicht-Homogenit{\"a}t denken lassen, ohne auf assimilatorische bzw. integrative Bestrebungen verk{\"u}rzt zu werden.},
	keywords = {3-D-Kino, Afropolis, Alessandro Ludovico, Banu Cennetoglu - Guilty feet have got no rhythmColonial Modern, Birgit J{\"u}rgenssen {\textendash} Retrospektive, Etiquette, Exercises in Memory, Facebook, Farida Heuck, Gender, Gerard Byrne - A Thing Is A Hole In A Thing It Is Not, G{\"u}ls{\"u}n Karamustafa, Joseph Vogl: Das Gespenst des Kapitals, Klub Zwei, LIVE:RESPONSE, Magazin, Magische Ambivalenz, maiz, Mali, Manfred Pernice - sculpturama, Multikultur, never that{\textquoteright}s when {\textellipsis}, Paolo Cirio, Post-Anarchism, Post-Internet, Radical Light, Senegal, Songs of The Swamp, Susan Hiller, The Pirate Bay, The Renaming Machine {\textendash} The Book, transmediale.11, Weltsozialforum, When History Comes Knocking, WikiLeaks, X Freundschaftsanfragen, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-567-5},
	url = {https://www.springerin.at/2011/2/},
	author = {Felix Stalder and Vera Tollmann and Franz Thalmair and Rahma Khazam and Amir Vodka and Beate Scheder and Nikos Papastergiadis and Rita Chin and Michael Hauffen and S{\"u}reyyya Evren and Ljubomir Bratic and R{\'u}bia Salgado and Jochen Becker and Christian Hanussek and Christian Kravagna and Toni Maraini and Rachel Mader and Luisa Ziaja and Karin Jaschke and Simon Rees and Daniel Pies and Judith Fischer and Nicola Hirner and Carola Platzek and Andreas Spiegl and Vera Tollmann and Peter Kunitzky and Christian H{\"o}ller and Christa Benzer and Jens Kastner},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3022,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 03/2011},
	series = {Umbruch Arabien},
	volume = {17},
	year = {2011},
	note = {Z Springerin 03/2011},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Umbruch Arabien

Ereignisse von gro{\ss}er Wirkung: Was die Selbstverbrennung des Tunesiers Mohamed Bouazizi alles ausl{\"o}sen w{\"u}rde, war am 4. Januar dieses Jahres, dem Tag des Verzweiflungsakts, nicht absehbar. Seither {\textendash} die Fakten sind bekannt {\textendash} hat eine Welle von Aufst{\"a}nden und Revolten verschiedenste arabische L{\"a}nder erfasst. Einige davon wurden bereits im Keim erstickt, w{\"a}hrend andere in eine anhaltende Bewegung des Protests und der Regimeumwandlung m{\"u}ndeten. Was lange Zeit wie eine unverbr{\"u}chliche und weitgehend reformresistente Machtstruktur erschien, war mit einem Mal fragil und unsicher geworden und fand sich nunmehr unter Einsatz von Menschenleben umk{\"a}mpft. Dass das massenhafte Aufbegehren gegen den in der Region verbreiteten Autoritarismus nicht aus heiterem Himmel erfolgte, ja de facto auch nicht auf einzelne Akte wie eben jene Selbstverbrennung zur{\"u}ckzuf{\"u}hren ist, leuchtet intuitiv ein. Welche Ausgangslagen und Gr{\"u}nde f{\"u}r die erstarkte Bewegung aber tats{\"a}chlich existierten, vor allem auch wie tragf{\"a}hig und zukunftstr{\"a}chtig sie sich erweisen wird, harrt bislang noch genauerer Untersuchungen.

Das vorliegende Heft versucht, einige Symptomatiken der gegenw{\"a}rtig stattfindenden Umbr{\"u}che aufzugreifen. Ohne eine umfassende Darstellung und Analyse bieten zu k{\"o}nnen, setzt die Ausgabe an jenen Stellen an, die zun{\"a}chst den eigenen Standort, ja die eigenen Projektionsmechanismen betreffen. Schnell ge{\"a}u{\ss}erte Hoffnungen, dass nun in einem entfernten, wiewohl auch stark vernetzten Teil der Welt kein Stein auf dem anderen bleiben w{\"u}rde, geh{\"o}ren ebenso dazu wie {\"u}bertriebene {\"A}ngste, die von kulturellen Stereotypen und klischeehafter Schwarzmalerei herr{\"u}hren. Von welcher {\guillemotright}Positionierung{\guillemotleft} aus Kunst und kulturelle Belange den Ereignissen folgen bzw. ihnen gegen{\"u}berstehen, ist dabei ebenso Verhandlungsgegenstand wie die M{\"o}glichkeit der Einflussnahme auf die gerade stattfindenden {\"U}bergangsprozesse (wie schwach und distant sie auch sein mag).

Dass mit den Umbr{\"u}chen ein hohes Ma{\ss} an Hoffnungen wie {\"A}ngsten einhergeht, beweist ein Blick auf die t{\"a}glichen Medienkommentare. Hoffnungen, dass nun endlich eine fortw{\"a}hrende Demokratisierungswelle die lange Zeit von Despotismus gepr{\"a}gte Region erfassen m{\"o}ge; {\"A}ngste, dass m{\"o}glicherweise noch reaktion{\"a}rere oder totalit{\"a}rere Tendenzen die Oberhand gewinnen k{\"o}nnten. Der Politologe Gilbert Achcar, profunder Kenner der politischen Systeme in der arabischen Welt, spricht sich eindeutig f{\"u}r Ersteres aus: Selbst wenn vielerlei Hindernisse existieren und R{\"u}ckschl{\"a}ge nicht ausbleiben werden, d{\"a}mmert in mehreren L{\"a}ndern gerade eine Art {\guillemotright}Fr{\"u}hling der V{\"o}lker{\guillemotleft} an, so wie er sich ab 1848 langsam in Europa auszubreiten begann. Nehad Selaiha, Grande Dame des politischen Theaters in {\"A}gypten, ist demgegen{\"u}ber um einiges vorsichtiger, auch wenn sie Achcar auf die junge, aktuelle Kunst bezogen im Wesentlichen beipflichtet. Ihre autobiografische Genealogie dessen, was sie seit den 1950er-Jahren alles unter dem Signet {\guillemotright}Revolution{\guillemotleft} auf dem Kairoer Tahrir-Platz erlebt hat, m{\"u}ndet in die Einsicht, dass als eine der wichtigsten Konsequenzen aus den Aufst{\"a}nden gerade eine Neuverhandlung arabischer Identit{\"a}t stattfindet. Welche verqueren Folgen indes die verbreitete westliche {\guillemotright}Islamophobie{\guillemotleft} zeitigt, streichen Maya Mikdashi und R.M in ihrer Auseinandersetzung mit dem in Mode gekommenen Einsatz f{\"u}r Lesben- und Schwulenrechte im arabischen Raum heraus.
Kulturell pr{\"a}sentieren sich einzelne arabische Staaten, und hier vor allem die am Persischen Golf gelegenen Emirate, l{\"a}nger schon als h{\"o}chst aufgeschlossen. Nat Muller untersucht in ihrem Schwenk {\"u}ber die diesj{\"a}hrige Sharjah Biennale, die Art-Dubai-Messe und einzelne L{\"a}nderpr{\"a}sentationen auf der heurigen Venedig Biennale, inwiefern einzelne aus der Region stammende Kunstpraktiken, ungeachtet ihrer Pr{\"a}sentationszusammenh{\"a}nge, der Demokratisierungswelle zuarbeiten. Ob damit nicht in erster Linie westliche Projektionen bedient werden, wie Muller ebenfalls anklingen l{\"a}sst, steht auch in Walid Raads k{\"u}nstlerischem Beitrag im Mittelpunkt. Abu Dhabi und sein unvergleichlicher megalomaner Bau- und Kulturalisierungsboom sind Ausgangspunkt einer Arbeit, die das umstrittene Guggenheim-Projekt zusammen mit anderen Gro{\ss}architekturvorhaben ins Visier nimmt. Gleichsam erg{\"a}nzend dazu l{\"a}sst sich eine Arbeit von Alice Creischer und Andreas Siekmann betrachten, welche die Stadtentwicklung von Dubai {\"u}ber einen l{\"a}ngeren Zeitraum hinweg untersucht und sie mittels bildstatistischer Methoden aufbereitet.
N{\"a}her und direkter an die j{\"u}ngsten Ereignisse angelehnt ist der Beitrag des tunesischen K{\"u}nstlerInnenkollektivs Muzaq. Ihre Bestandsaufnahme, gleichsam aus erster Hand, was im Zuge des Umsturzes in Tunesien nunmehr k{\"u}nstlerisch alles m{\"o}glich geworden ist, unterstreicht den kulturellen Auftrieb, der sich vielerorts gerade abzeichnet. Auch wenn Daho Djerbal in seinem historisch angelegten Essay davor warnt, dass sich die Auswirkungen der langen Kolonial- und Despotismusgeschichte nicht so einfach absch{\"u}tteln lassen, blitzen so Fluchtmomente bzw. Ausblicke auf zuk{\"u}nftige Demokratisierungsszenarien auf (so verg{\"a}nglich und br{\"u}chig sie auch sein m{\"o}gen).

Ohne dass die l{\"a}ngerfristigen Entwicklungen gegenw{\"a}rtig absehbar w{\"a}ren, versucht {\guillemotright}Umbruch Arabien{\guillemotleft} {\"u}ber derlei Schlaglichter Kriterien f{\"u}r einen langsam einsetzenden Emanzipationsprozess aufzuzeigen. Und ohne dass erkennbar w{\"a}re, wie fl{\"a}chendeckend sich die angesto{\ss}ene Bewegung ausbreiten wird, m{\"o}gen diese Anzeichen und Symptome in der Tat so etwas wie erste Hoffnungsschimmer darstellen.},
	keywords = {10. Sharjah Biennale, {\"A}gypten, {\"A}gyptischer Pavillon, Ahmed Basiony, Aissa Deebi, Al Fadhil, Arabischer Fr{\"u}hling, Art Laboratory Berlin, {\"a}sthetischer Populismus, Barbara Breitenfellner - Traum einer Ausstellung, Baron Mordant, Claudia Basrawi, Curating and the Educational Turn, Dislocaci{\'o}n. Kulturelle Verortung in Zeiten der Globalisierung, Generaci{\'o}n Y, Gerd Arntz, Gilbert Achcar, Glenn Ligon {\textendash} AMERICA, Holocaust, Ibon Aranberri {\textendash} Organogramme, Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, Ion Grigorescu - Horse/Men Market, Isa Rosenberger {\textendash} Espiral, Islam, Keti Chukhrov, Magazin, Museum Yad Vashem, Nancy Holt {\textendash} Sightlines, Ole Frahm, Otto Neurath, Public-Information-Film, Queer, Rabih Mrou{\'e} {\textendash} (I; the Undersigned) The People are Demanding, Rafa{\"e}l Rozendaal, Scratching on Things I Could Disavow: A History of Art in the Arab World, Serious Games. Krieg/Medien/Kunst, Station Rose, Tunesien, {\"U}ber die Metapher des Wachstums, Walid Raad, Yoani S{\'a}nchez, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-385256-586-6},
	url = {https://www.springerin.at/2011/3/},
	author = {Julia Gwendolyn Schneider and Amir Vodka and Tanja Widmann and Christian H{\"o}ller and Rosental Calmon Alves and Alessandro Ludovico and Franz Thalmair and Nat Muller and Maya Mikdashi and Nehad Selaiha and Aur{\'e}lie Machghoul and Selma Ouissi and Daho Djerbal and Charlotte Bank and Alice Creischer and Andreas Siekmann and Naoko Kaltschmidt and Katrin Mundt and Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Judith Rebeca Manzoni and Michael Hauffen and Vera Tollmann and Christina Irrgang and J{\"o}rn Ebner and Benjamin Paul and Basak Senova and Carola Platzek and Johanna Schaffer and Martin Reiterer and Roland Sch{\"o}ny and Peter Kunitzky and Herwig G. H{\"o}ller},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3021,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 04/2011},
	series = {Ware Freundschaft},
	volume = {17},
	year = {2011},
	note = {Z Springerin 04/2011},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Ware Freundschaft

{\guillemotright}Gef{\"a}llt mir{\guillemotleft}. Dieses rasant sich verbreitende Etikett ist zum Inbegriff einer neuen Freundschafts- und Freundlichkeitskultur geworden. Gefallen an etwas finden oder haben verliert mehr und mehr den Charakter subjektiven {\"a}sthetischen Geschmacks und wird stattdessen zu einer zentralen Schnittstelle medial vermittelter Gemeinschaftlichkeit. {\guillemotright}Freundschaft{\guillemotleft} markiert in diesem Zusammenhang weniger die Verl{\"a}ngerung des individuellen Ichs in den sozialen Raum, als dass sie umgekehrt zu einer Art Relais mutiert, mittels dessen das Kulturelle (und Kulturindustrielle) seine Subjekte miteinander verschaltet. Die Anzahl von mehr als 800 Millionen aktiven BenutzerInnen des Netzwerkdiensts Facebook spricht diesbez{\"u}glich eine deutliche Sprache {\textendash} auch wenn nach wie vor ger{\"a}tselt wird, welche Art von Freundschaft hier gerade dabei ist, weltweit implementiert zu werden.

Jedenfalls scheint sich das besagte Syndrom quer durch unterschiedlichste soziale Felder auszubreiten, und das in einer Zeit, die von mehr Differenzen und Unvereinbarkeiten als je zuvor gekennzeichnet ist. Die Verbreitung medial verlinkter Peer-to-Peer-Netzwerke, gleichzeitig aber auch die damit einhergehende Herausbildung abgeschotteter Interessenzirkel, schlie{\ss}lich die Auspr{\"a}gung intensivierter Fan- und {\guillemotright}Sharity{\guillemotleft}-Aktivit{\"a}ten {\textendash} all dies l{\"a}sst zumindest ansatzweise auf das Entstehen neuer kommunit{\"a}rer Strukturen schlie{\ss}en. Aber wie ist es um den Charakter von Freundschaftlichkeit innerhalb dieser Netze wirklich bestellt? In welchem Bezug stehen sie zur Zerrissenheit der globalen Multikultur? Welcher Art von Verdinglichung oder {\guillemotright}Kommodifizierung{\guillemotleft} ist diese Form der Gesellschaftlichkeit ausgesetzt? Und schlie{\ss}lich: Welche Spuren hinterl{\"a}sst die Netzwerkkulturalit{\"a}t im aktuellen Kunstgeschehen?

Fragen wie diese bilden den Kern der Herbst-Ausgabe, die der Thematik anhand verschiedenster Schaupl{\"a}tze nachgeht. Der Philosoph und Medientheoretiker Byung-Chul Han trifft im Gespr{\"a}ch eine Unterscheidung zwischen inflation{\"a}r im Mund gef{\"u}hrter Freundschaft und {\guillemotright}Freundlichkeit{\guillemotleft}, die diesen Namen auch verdient. Nur in Letzterer sieht er eine tragf{\"a}hige Basis, um Ph{\"a}nomenen des Anderen und Fremden in einer global zusammenr{\"u}ckenden Kultur gerecht werden zu k{\"o}nnen. Komplement{\"a}r dazu verh{\"a}lt sich der Ansatz von Jan Verwoert: In seinem Pl{\"a}doyer bricht er eine Lanze f{\"u}r einen Begriff von Freundschaft, der sich jeder Form von Ausbeutung und Vereinnahmung verweigert. Wie ein Horizont, der sich um ein Gemeinsames herum auftut, funktioniere Freundschaftlichkeit, so Verwoert, und nicht wie ein Produkt, das sich technisch, medial oder sonst wie intentional herstellen und in Folge einer Wertsch{\"o}pfung zuf{\"u}hren lie{\ss}e.

Die Beitr{\"a}ge von Alessandro Ludovico und Daphne Dragona befassen sich mit sozialen Netzwerken im engeren Sinne: Ludovico geht der Frage nach, wie Identit{\"a}t in diesen Netzen neu formatiert wird, ja wie die dort praktizierten Formen der Selbstdarstellung {\textendash} sei es st{\"a}rkend, unterwandernd oder korrumpierend {\textendash} auf Identit{\"a}t zur{\"u}ckwirken. Daphne Dragona nimmt wie Ludovico verschiedene Facebook kritische Kunstprojekte als Ausgangspunkt, um ein grassierendes Ph{\"a}nomen zu umrei{\ss}en, das dem Kapitalschlagen aus Freundschaft zuarbeitet: Es geht um den Prozess der {\guillemotright}Gamifizierung{\guillemotleft}, sprich das immer st{\"a}rkere {\guillemotright}Zum-Spiel-Werden{\guillemotleft} (oder {\guillemotright}Spielcharakter-Annehmen{\guillemotleft}) von gesellschaftlichen Beziehungen, wie sie in medialen Netzwerken gepflogen werden. Dass durchaus auch Alternativen zur Praxis der gro{\ss}en Social-Media-Dienstleister vorstellbar sind, unterstreicht Jana Herwig in ihrem Beitrag, der unter anderem den Aspekt der Verwaltbarkeit von Subjektivit{\"a}t und Pers{\"o}nlichkeitsprofilen aufgreift. Diesem h{\"a}ufig erhobenen Vorwurf l{\"a}sst sich am besten so entgegentreten, dass den UserInnen {\textendash} wie immer dies zu bewerkstelligen ist {\textendash} die Kontrolle {\"u}ber ihre pers{\"o}nlichen Daten zur{\"u}ckgegeben wird.
Einen erweiterten Fokus setzt das Gespr{\"a}ch mit Ulf Wuggenig, der das Aufkommen und die Relevanz des Netzwerkbegriffs im Kunstfeld rekapituliert. Nicht nur verbergen sich hinter Euphemismen wie {\guillemotright}Networking{\guillemotleft} und {\guillemotright}Connecting{\guillemotleft} bis heute geradezu neofeudale Verh{\"a}ltnisse, sondern es ist dies auch ein Paradefall daf{\"u}r, wie sich die Sozialbeziehungen innerhalb eines gemeinsamen Felds kapitalisieren lassen. Umgekehrt belegt der Fall des polnischen Kunst- und Theoriekollektivs Krytyka Polityczna, den Herwig G. H{\"o}ller aufrollt, welche produktiven Effekte ein geballter, in kurzer Zeit expandierender Interessenverbund {\"u}ber das k{\"u}nstlerische Feld hinaus zeitigen kann.

Zusammen mit weiteren Features, etwa {\"u}ber ein norwegisches Archivprojekt, das sich Aspekten der Freundlichkeit und Nahbarkeit von Archiven widmet, sowie einem Gastbeitrag des Medienprojekts Conzepte zielt dieses Heft vorwiegend auf eines: jene Residuen nicht-warenf{\"o}rmiger Freundschafts- und Gemeinschaftsmodelle aufzuzeigen, an denen sich {\"u}ber jede Funktionalisierbarkeit hinaus Gefallen finden l{\"a}sst.},
	keywords = {Alexandra Juhasz, Beate Fricke, Bernhard Fruehwirth, Beziehungsarbeit/Kunst und Institution, Byung-Chul Han, Claudia Reiche, Communitas. Die unrepr{\"a}sentierbare Gemeinschaft, CREW, Das Pendel; die Grube und andere Absonderlichkeiten, d{\'e}sertieren, Die Chronologie der Teresa Burga. Berichte. Diagramme. Intervalle/29.9.11, Doris Salcedo, Gamifizierung, Geissler/Sann, Henrik Olesen, How Do I Make Myself a Body?, Iceploitation, In{\'e}s Lombardi, Internet, Jan {\v S}vankmajer, Katharina Pewny, Krytyka Polityczna, Learning from YouTube, Lygia Clark Art Center, Magazin, Markus Klammer, Museum of Parallel Narratives. In the Framework of L{\textquoteright}Internationale, Past Present {\textendash} Close and Distant, Plegaria Muda, Sarah Glidden, Sense and Sensibility, Stefan Neuner, Terra Nova, The Morning Line, Ulf Wuggenig, volatile smile. Ein uneinsch{\"a}tzbares L{\"a}cheln, Wolfgang M{\"u}ller, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-587-3},
	url = {https://www.springerin.at/2011/4/},
	author = {Jana Herwig and Sandra Groll and Marc Ries and Vera Tollmann and Pieter T{\textquoteright}Jonck and Max Jorge Hinderer and Roland Sch{\"o}ny and Jan Verwoert and Alessandro Ludovico and Daphne Dragona and Herwig G. H{\"o}ller and Pascal Jurt and Hanne Hammer Stien and Edit Andr{\'a}s and Juliane Debeusscher and Rachel Mader and Michael Hauffen and Christian H{\"o}ller and Julia Walln{\"o}fer and Sophie Goltz and Monika Vykoukal and Karin Jaschke and Walter Seidl and Christa Benzer and Hedwig Saxenhuber and Barbara Eder and Naoko Kaltschmidt and Martin Reiterer and Gabriele Werner and Susanne Karr},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3075,
	title = {At the Vienna Fair},
	year = {2010},
	note = {AK 2010/79
},
	publisher = {Springerin},
	organization = {Springerin},
	address = {Wien},
	keywords = {Agnieszka Polska, Erste Foundation, Geta Bratescu, Ion Grigorescu, KwieKulik, Liudvikas Buklys, Mara Mattuschka, Messe, Milo{\v s} Laky, Nadja Prlja, Open Form, Osteuropa, osteurop{\"a}ische Kunst, Przemyslaw Kwiek, Tadej Poga{\v c}ar, Viennafair, Wien, Y{\"u}skel Arslan, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zofia Kulik},
	author = {Virginija Janu{\v s}kevi{\v c}iute and Fedor Bla{\v s}{\v c}{\'a}k and Christian Kravagna and Brett Littman and Johannes Puch and Lukasz Ronduda and Georg Sch{\"o}llhammer and Alina Serban and Ulrike Payerhofer and Igor Zabel and Ion Grigorescu},
	editor = {Hedwig Saxenhuber and Christa Benzer}
}
@book {_kunstforum._2010,
	title = {Kunstforum International 200/2010},
	series = {Kunst und Wirtschaft},
	volume = {200},
	year = {2010},
	note = {Z Kunstforum 200/ 2010},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Kunst und Wirtschaft

Nicht erst seit der Finanzkrise ist die {\"O}konomie in den Fokus gesellschaftlicher aber auch k{\"u}nstlerischer Betrachtungen, Analysen und Kritik ger{\"u}ckt. In vielf{\"a}ltigen Formen und quer durch alle Medien hindurch wird dem Thema Wirtschaft nun jedoch eine Aufmerksamkeit geschenkt, wie kaum je zuvor. Wer einwendet, dass Wirtschaftsfaktoren eben noch nie solchen Einfluss aus{\"u}bten wie heute, sollte nicht vergessen, dass dieses im Spannungsfeld zwischen {\quotedblbase}Realwirtchaft{\textquotedblleft} und {\quotedblbase}Finanzwirtschaft{\textquotedblleft} oszillierende, komplexe Gef{\"u}ge aus Praxis und Theorie nicht erst seit heute die Entwicklung der westlichen Welt und dar{\"u}ber hinaus pr{\"a}gt. Die Subjektwerdung des Menschen in der Moderne etwa, seine zwischen Unsicherheit, Risiko und neuen Chancen sich ausbalancierende (gesellschaftliche) Stellung wird insbesondere und vielf{\"a}ltig durch {\"o}konomische Parameter, Regeln und Verfahren bestimmt beziehungsweise verhandelt. Es sind die Grundz{\"u}ge der Moderne, die sich im Dreigestirn Wirtschaft, Kunst und Wissenschaft auf das Engste verbinden. Hinter den Facetten des Fortschritts, der Ver{\"a}nderung, der Bem{\"a}chtigung von Welt und der Realisierung utopischer Potentiale stehend, treiben sie diese in stets unterschiedlichen Gewichtungen voran. Die Ideologien, die sich daraus entwickelt haben, sind ausgesprochen vielf{\"a}ltig und reichen von ganz auf das Individuum als Marktteilnehmer zugeschnittenen Regelungen (vgl. Margaret Thatchers Diktum {\quotedblbase}there is no such thing as society{\textquotedblleft}, 1987, das auf Milton Friedmans Monetarismus Bezug nimmt) bis hin zu Auffassungen, die (Privat)Eigentum als Diebstahl an der Allgemeinheit verstehen (vgl. Pierre-Joseph Proudhon, 1840), von der {\quotedblbase}unsichtbaren Hand{\textquotedblleft} (Adam Smith, 1776) bis zur {\quotedblbase}sch{\"o}pferischen Zerst{\"o}rung{\textquotedblleft} (Joseph Schumpeter, 1942). Diese zum Teil ausschlie{\ss}enden, zum Teil {\"u}berschneidenden Str{\"o}mungen betreffen die Welt in ihrer Gesamtheit. Wir sind in in eine die Lebenswirklichkeit aller Menschen {\textendash} ob privilegiert oder nicht {\textendash} durchdringende globale Epoche eingetreten. Die Krisen der Finanzwirtschaft seit Mitte der 1990er Jahre k{\"u}nden davon ebenso wie der weltweite {\quotedblbase}Erfolg{\textquotedblleft} des Modells Kunst, des {\quotedblbase}Formats{\textquotedblleft} K{\"u}nstlerIn. 


Zeichnen zur Zeit 3
Einzelportr{\"a}ts. Eine Serie in mehreren Teilen. Teil 3},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {3051,
	title = {Kunstforum International 201/2010},
	series = {Wirtschaft und Kunst},
	volume = {201},
	year = {2010},
	note = {Z Kunstforum 201/2010},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Wirtschaft und Kunst

Der 200. KUNSTFORUM-Band pr{\"a}sentierte aus aktuellem Anlass einen Bereich des Lebens, der wie kaum ein anderer z.Zt. - nach dem Bankencrash - f{\"u}r Angst und Schrecken, Euphorie und Depression, Ekstase und Verzweiflung verantwortlich ist. Nach Aufl{\"o}sung der ersten Schockstarre wird munter weiter gezockt und es sieht so aus, als seien wir einigen unkontrollierbaren Wahnsinnigen machtlos ausgeliefert. Das allgemeine Interesse am Ph{\"a}nomen Wirtschaft ist folglich sprunghaft angestiegen. Band 201 setzt die in Band 200 begonnene Diskussion fort. In insgesamt 38 Beitr{\"a}gen, Essays und Gespr{\"a}chen, beschreiben K{\"u}nstler, Kritiker und Wissenschaftler die Dualit{\"a}t von Wirtschaft und Kunst aus der Sicht der Kunst und erfassen damit gleichzeitig den Stellenwert der Kunst innerhalb des {\"o}konomischen Systems. },
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2010-1,
	title = {Kunstforum International 202/2010},
	series = {Fiktion der Kunst der Fiktion},
	volume = {202},
	year = {2010},
	note = {Z Kunstforum 202/2010},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Fiktion der Kunst der Fiktion

In zwei B{\"a}nden mit rund 40 Beitr{\"a}gen wird ein Grundthema der Kunst untersucht, das in der letzten Zeit immer dr{\"a}ngender in den Fokus r{\"u}ckt. {\textquoteright}Fiktion der Kunst der Fiktion{\textquoteright}- hier steht die Kunst im Mittelpunkt. Aber schon die doppelte Auff{\"u}hrung des Begriffs {\textquoteright}Fiktion{\textquoteright} l{\"a}sst einen an der zentralen Funktion der Kunst ein wenig zweifeln. Handelt es sich dabei um ein generelles Ph{\"a}nomen, in der die Kunst sich nur behaupten kann als Fiktion ihrer selbst? Denn {\textquoteright}Kunst der Fiktion{\textquoteright} wird wiederum zu einer Fiktion. Fiktionen beherrschen die Politik ebenso wie die Wissenschaft, aber sie werden selten entdeckt und zur Diskussion gestellt. Die Bildende Kunst ist da scheinbar freier. Vielleicht sollte man die Fiktion der Kunst als ein Mittel der Aufkl{\"a}rung sehen, analog der Bestimmung des Begriffs {\quotesinglbase}Fiktion{\textquoteright} aus dem Duden: {\quotedblbase}bewusst gesetzte widerspruchsvolle od. falsche Annahme als methodisches Hilfsmittel bei der L{\"o}sung eines Problems.{\textquotedblleft}},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2010-2,
	title = {Kunstforum International 203/2010},
	series = {6. Berlin Biennale},
	volume = {203},
	year = {2010},
	note = {Z Kunstforum 203/ 2010},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {6. Berlin Biennale
was drau{\ss}en wartet

Die 6. Berlin Biennale provoziert. Sie provoziert die autonome Szene von Kreuzberg ebenso wie die Kunst-Kritiker der gro{\ss}en Feuilletons und die Kunst-Konsumenten. F{\"u}hlen sich die einen durch die {\quotedblbase}Kunst-Yuppisierung{\textquotedblleft} in ihrer Existenz bedroht, sehen die anderen sich mit einer Kunst konfrontiert, die der Realit{\"a}t bedrohlich nahe kommt. {\quotedblbase}Was drau{\ss}en wartet{\textquotedblleft} hat Kuratorin Kathrin Rhomberg die Biennale {\"u}berschrieben und damit ganz klar die Blickrichtung vorgegeben: Sie bricht ein Fenster in den White Cube und blickt hinaus auf die Welt. Und bleibt doch ganz bei der Kunst. Die Berlin Biennale geh{\"o}re zu den {\quotedblbase}Leuchtt{\"u}rmen der Gegenwartskunst{\textquotedblleft} mit bundesweiter und internationaler Strahlkraft, betonte Kulturstaatsminister Bernd Neumann anl{\"a}sslich der Er{\"o}ffnung der 6. Ausgabe. 2,5 Millionen Euro stellt die Kulturstiftung des Bundes f{\"u}r die internationale Ausstellung zeitgen{\"o}ssischer Kunst in Berlin zur Verf{\"u}gung und w{\"u}rdigt damit ein Format, dem es nicht vorrangig um Repr{\"a}sentation zu tun ist, sondern das sich seinen experimentellen Charakter bewahrt hat. Grunds{\"a}tzlich versteht sich die Berlin Biennale als ein offener Ort, an dem {\quotedblbase}an einer konstruktiven Darstellung einer engagierten Zeitgenossenschaft{\textquotedblleft} gearbeitet wird, um {\quotedblbase}gemeinsam mit den K{\"u}nstlern als eine Art Seismograph die kulturellen und gesellschaftlichen Entwicklungen darzustellen{\textquotedblleft}. Diesen Anspruch verfolgt auch die 6. Ausgabe der Biennale mit dem Titel {\quotedblbase}Was drau{\ss}en wartet{\textquotedblleft}. Das von Kathrin Rhomberg entwickelte Konzept durchkreuzt konsequent die Erwartungen und Mechanismen des Kunstbetriebs. In ihrer Ausstellung will sie die Routinen gel{\"a}ufiger Kunstbetrachtung brechen, von {\"a}sthetischen und formalen Fragestellungen weg zu inhaltlichen Themen kommen. Es geht ihr um den Wirklichkeitsbezug, um die einzigartigen M{\"o}glichkeiten von Kunst, Realit{\"a}t erfahrbar zu machen. 
},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2010-3,
	title = {Kunstforum International 204/2010},
	series = {Kunst der Fiktion der Kunst},
	volume = {204},
	year = {2010},
	note = {Z Kunstforum 204/2010},
	publisher = {Kunstforum International },
	organization = {Kunstforum International },
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Kunst der Fiktion der Kunst

{\quotedblbase}Kunst der Fiktion der Kunst{\textquotedblleft} ist die Fortsetzung der mit {\quotedblbase}Fiktion der Kunst der Fiktion{\textquotedblleft} in Band 202 begonnenen Artikelserie, die in Band 203 aus aktuellem Anlass mit einer Dokumentation zur Berlin Biennale unterbrochen wurde. Hier steht die Kunst im Mittelpunkt. Aber schon die doppelte Auff{\"u}hrung des Begriffs {\textquoteright}Fiktion{\textquoteright} suggeriert Zweifel an der zentralen Funktion der Kunst. Handelt es sich dabei um ein generelles Ph{\"a}nomen, in der die Kunst sich nur behaupten kann als Fiktion ihrer selbst? Denn {\textquoteright}Kunst der Fiktion{\textquoteright} wird wiederum zu einer Fiktion. Fiktionen beherrschen die Politik ebenso wie die Wissenschaft, aber sie werden selten entdeckt und zur Diskussion gestellt. Die Bildende Kunst ist da scheinbar freier. Vielleicht sollte man die Fiktion der Kunst als ein Mittel der Aufkl{\"a}rung sehen, analog der Bestimmung des Begriffs {\quotesinglbase}Fiktion{\textquoteright} aus dem Duden: {\quotedblbase}bewusst gesetzte widerspruchsvolle od. falsche Annahme als methodisches Hilfsmittel bei der L{\"o}sung eines Problems.{\textquotedblleft} },
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2010-4,
	title = {Kunstforum International 205/2010},
	series = {Vom Ende der Demokratie},
	volume = {205},
	year = {2010},
	note = {Z Kunstforum 205/2010},
	publisher = {Kunstforum International },
	organization = {Kunstforum International },
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Vom Ende der Demokratie

{\quotedblbase}Was, wenn die Demokratie, wie wir sie verstehen, nicht l{\"a}nger eine Bedingung und ein Antrieb f{\"u}r die wirtschaftliche Entwicklung ist, sondern ein Hindernis?{\textquotedblleft} Diese rhetorische Frage stellte j{\"u} ngst Slavoj {\v Z}i{\v z}ek. Gro{\ss}e Unternehmen, die sogenannten {\quotedblbase}global player{\textquotedblleft} haben diese Frage l{\"a}ngst f{\"u}r sich entschieden und die politische Macht der nationalen, demokratisch gew{\"a}hlten Regierungen konsequent eingeschr{\"a}nkt. So entscheiden diese internationalen Unternehmen im 21. Jahrhundert zunehmend selbst, was gut f{\"u}r ihre Entwicklung ist. Die Kunst und ihr Betrieb stehen diesem Prozess einerseits sehr kritisch gegen{\"u}ber, andererseits scheint sie von den Symptomen der Postdemokratie {\"o}konomisch zu profitieren. In mehreren Essays analysieren die Autoren und K{\"u}nstler dieses Themenbandes die Entwicklung aus unterschiedlichen Perspektiven und Wissensbereichen und kommentieren deren Konsequenzen. 


Manifesta 8

Zum zweiten Mal macht die europ{\"a}ische Wanderbiennale Station in Spanien. Nach San Sebasti{\'a}n im Baskenland, das 2004 die 5. Ausgabe der manifesta beherbergte, ist im Jahr 2010 die im S{\"u}dosten der iberischen Halbinsel gelegene Region Murcia Austragungsort. Hier, {\quotedblbase}am Rand des Kontinents", werden insbesondere die heutigen Beziehungen zu Nordafrika und der Maghreb-Region thematisiert. Weitere Themen sind Migration und Wasserknappheit - zwei gro{\ss}e Herausforderungen nicht nur in der Region Murcia, sondern auch in vielen anderen europ{\"a}ischen L{\"a}ndern. KUNSTFORUM dokumentiert die Ausstellung mit einem kommentierten fotografischen Rundgang, der alle Arbeiten enth{\"a}lt.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2011,
	title = {Kunstforum International 206/2010},
	series = {Neue Abstraktion},
	volume = {206},
	year = {2010},
	note = {Z Kunstforum 206/2010},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Neue Abstraktion

Der Band 206 tr{\"a}gt einer aktuellen Entwicklung in der bildenden Kunst Rechnung: einem neuen Trend zur Abstraktion. Diese Str{\"o}mung geht durch alle Medien und scheint mehr zu sein, als eine kunstimmanente Auseinandersetzung. Doch was ist das spezifisch Neue an dieser Neuen Abstraktion? Gibt es tats{\"a}chlich ungekannte inhaltliche Ausrichtungen und Konzepte oder handelt es sich blo{\ss} um zeitgen{\"o}ssische Varianten oder Re-Interpretationen bereits bestehender k{\"u}nstlerischer Strategien. Und was besagt es, wenn die K{\"u}nstler sich erneut der Abstraktion zuwenden? Postulieren sie damit eine Abkehr von der Realit{\"a}t, eine {\"a}sthetische Weltflucht, eine Kompensation oder vermitteln sie damit vielmehr einen Gegenentwurf, eine Erneuerung und eine utopische Qualit{\"a}t? Neben den Entwicklungen in der Malerei werden auch die entsprechenden Tendenzen in den anderen Medien untersucht. 15 Monografien bieten reichlich Beispielmaterial.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {3027,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2010},
	series = {Intermedia 2.0},
	volume = {16},
	year = {2010},
	note = {Z Springerin 02/2010	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Intermedia 2.0

Medien- und sparten{\"u}bergreifende Ans{\"a}tze sind seit den 1960er-Jahren nicht mehr aus der Kunst wegzudenken. Skulptur, Klang, Film, Theater, Performance und vieles mehr sind seither mit Ans{\"a}tzen aus der bildenden Kunst unterschiedlichste Fusionen eingegangen. In letzter Zeit haben derlei Formen von {\guillemotright}Intermedialit{\"a}t{\guillemotleft} auf der Grundlage neuer Kreativit{\"a}ts- und Vermittlungsideen zus{\"a}tzlichen Auftrieb erhalten. Ein erweitertes, entlegenste Bereiche miteinander kurzschlie{\ss}endes Produzieren ist, {\"u}berspitzt formuliert, an die Stelle medienspezifischen Arbeitens getreten. {\guillemotright}Interkreativit{\"a}t{\guillemotleft}, ein zwischen den Einzeldisziplinen angesiedeltes Werk- und Arbeitsparadigma, hat traditionelle fachspezifische Kreativit{\"a}tsmodelle abzul{\"o}sen begonnen.

Das Heft {\guillemotright}Intermedia 2.0{\guillemotleft}, das in Kooperation mit der Wiener F{\"o}rderinitiative departure entstand, fragt nach den Potenzialen solcher erweiterter Medien- und Kreativit{\"a}tskonzepte. Ausgangspunkt sind ausgew{\"a}hlte Beitr{\"a}ge zu der Mitte M{\"a}rz 2010 abgehaltenen Veranstaltung {\guillemotright}Quer {\textendash} Symposium und Labor f{\"u}r Interkreativit{\"a}t{\guillemotleft}, bei der eine Reihe von internationalen TheoretikerInnen, aber auch PraktikerInnen aus unterschiedlichsten Sparten den aktuellen Mischungstendenzen in den K{\"u}nsten nachgingen. Diedrich Diederichsen etwa wirft in seinem Essay einen kritischen Blick auf die periodisch aufflammenden Auseinandersetzungen rund um das Regietheater und bringt diese in Zusammenhang mit dem Tendieren vieler Gegenwartsk{\"u}nstlerInnen zur gro{\ss}en Form der Oper und den dahinter sich manifestierenden B{\"u}rgerlichkeitsvorstellungen. Christian von Borries, selbst Praktiker im Bereich neuerer klassischer Musik und der damit einhergehenden Mischformen, l{\"a}sst eine Reihe von Projekten Revue passieren und bietet eine politische Lesart der darin stets aufs Neue auszutarierenden Ton- und Bildanteile an.

Den Sperrigkeiten und Widerst{\"a}nden, die sich beim Kurzschlie{\ss}en unterschiedlicher Disziplinen h{\"a}ufig auftun, widmen sich zahlreiche weitere Beitr{\"a}ge. Der K{\"u}nstler Markus Schinwald erl{\"a}utert, was ihn einerseits an so kunstaffinen Bereichen wie Mode, Tanz und Schauspiel fasziniert, andererseits aber immer auch die Eigengesetzlichkeit der Kunst auf den Plan treten l{\"a}sst. Jasper Sharp unternimmt ein gro{\ss}fl{\"a}chiges Mapping der weiterhin virulenten, nicht zur Ruhe kommenden Kollaborationen zwischen K{\"u}nstlerInnen und PratikerInnen anderer Disziplinen (beispielsweise ArchitektInnen), wobei er vor allem die Fragilit{\"a}t und Verg{\"a}nglichkeit von derlei Zusammenarbeit in den Blick nimmt. Anne Hilde Neset schlie{\ss}lich befasst sich mit der Frage, warum sich auf bildende Kunst spezialisierte Institutionen nach wie vor mit musikbezogenen Kunstformen so schwertun.

Umgekehrt erbringt Barbara Les{\'a}k anhand von Friedrich Kiesler den historischen Nachweis, dass die Barrieren zwischen Kunst, Design, Architektur und B{\"u}hne l{\"a}ngst erodiert sind {\textendash} vor allem dort, wo das Transgressionsansinnen immer schon ebenso k{\"u}hn wie selbstredend auf der Hand lag. Aktuelle {\"U}berschreitungs- oder besser Erweiterungsbestrebungen verfolgen zwei Projekte, die ebenfalls auf den folgenden Seiten zur (obgleich eingeschr{\"a}nkten) Darstellung kommen: Beim {\guillemotright}lied lab 2010: hugo wolf festival{\guillemotleft} versuchten sich mehrere der digitalen Kultur entstammende VisualistInnen an der bildlichen Umsetzung von live dargebotenen klassischen Kunstliedern; beim {\guillemotright}literatur lab {\textendash} Vom H{\"o}rbuch zum Sehbuch{\guillemotleft} geschah Vergleichbares im Zuge von SchriftstellerInnenlesungen. Wie zwingend damit zeitgem{\"a}{\ss}es interkreatives Arbeiten unter Beweis gestellt wird, ist auf den Seiten eines Magazins nur bedingt reproduzierbar, wird daf{\"u}r aber von vielerlei analytischen, einander erg{\"a}nzenden Blickwinkeln beleuchtet. Dass damit neue, vorwiegend elektronische Pforten aufgesto{\ss}en werden, die in noch wenig erforschte Begegnungsr{\"a}ume f{\"u}hren, daran lassen die vorgef{\"u}hrten medialen {\"U}berlagerungen kaum Zweifel aufkommen.},
	keywords = {A World Where Many Worlds Fit, Afro Modern {\textendash} Journeys through the Black Atlantic, Christa Bl{\"u}mlinger: Kino aus zweiter Hand, Gabriele Jutz: Cin{\'e}ma brut, Gender Check. Femininity and Masculinity in the Art of Eastern Europe, Jonathan Finn: Capturing the Criminal Image. From Mug Shot to Surveillance Society, Julika Rudelius - Soft Intrusion, Larissa Sansour, Lebt und arbeitet in Wien III {\textendash} Stars in a Plastic Bag, lied lab 2010: hugo wolf festival, Luis Camnitzer, Magazin, Magdy al-Shafee: Metro, Musik der 1920er Jahre, Nasreen Mohamedi. Notes. Reflections on Indian Modernism, Niet Normaal * Difference on Display, Norbert Pfaffenbichler - Silent Alien Ghost Machine Museum, Oreet Ashery, Reading Gender. Art; Power and Politics of Representation in Eastern Europe, Schw{\"a}rme {\textendash} Kollektive ohne Zentrum Eine Wissensgeschichte zwischen Leben und Information, Taswir {\textendash} Islamische Bildwelten und Moderne, The Novel of Nonel and Vovel, VJing, Wir wohnen, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-516-3},
	url = {https://www.springerin.at/2010/2/},
	author = {Christian H{\"o}ller and Alexander Horwath and Eva Fischer and Christa Benzer and Stefan Niederwieser and Timo Novotny and Florian Launisch and Victoria Coeln and Claudia Rohrmoser and Diedrich Diederichsen and Christian von Borries and Matthias Dusini and Georg Sch{\"o}llhammer and Markus Schinwald and Barbara Les{\'a}k and Jasper Sharp and Anne Hilde Neset and Thomas Keul and Kathrin R{\"o}ggla and Christoph Thun-Hohenstein and Hedwig Saxenhuber and Rachel Mader and Michael M. Thoss and Dietmar Schw{\"a}rzler and Gislind Nabakowski and Christian Kravagna and Ren{\'e} Viau and Nicola Hirner and Andrea B. Braidt and Franz Thalmair and Hedvig Turai and Jens Kastner and Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Peter Kunitzky and Gislind Nabakowski and Mona Sarkis and Marc Ries},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3026,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 03/2010},
	series = {Rechte R{\"a}nder},
	volume = {16},
	year = {2010},
	note = {Z Springerin 03/2010	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Rechte R{\"a}nder

Rechte R{\"a}nder in der Gegenwartskunst? Ein unausgesprochener Konsens besteht darin, dass ein Gutteil der zeitgen{\"o}ssischen Kunst dem linken oder linksliberalen politischen Spektrum zuzurechnen ist. Zwar halten sich parteipolitische Vereinnahmungen seit geraumer Zeit in Grenzen, doch scheint eine stille {\"U}bereinkunft nach wie vor darin zu liegen, dass die Kunst der Bef{\"o}rderung einer aufgekl{\"a}rten Gesellschaft dienlich ist. Oder, so sie dies nicht faktisch tut, doch eine offenere, ver{\"a}nderte Gesellschaft in Aussicht zu stellen.
Wie aber ist es um die rechten politischen R{\"a}nder bestellt? Um jene Ideologien, denen die Erhaltung traditioneller Werte und Ordnungsvorstellungen mehr am Herzen liegt als der Ruf nach Demokratisierung, nach mehr Gleichheit und Gerechtigkeit? Das rechte politische Spektrum erh{\"a}lt im Gefolge von Asyl-, Werte- und Sozialdebatten seit Jahren alarmierenden Zulauf, und dennoch {\textendash} ein Paradox der heutigen Zeit {\textendash} scheinen liberal orientierte Kunst und Kultur dieser Entwicklung hilflos gegen{\"u}berzustehen. Warum tut sich eine Kunstpraxis, die einem demokratischen Grundverst{\"a}ndnis verpflichtet ist, so schwer, sich eingehender auf rechtspopulistische Tendenzen einzulassen, ja diese an ihren Wurzeln zu erfassen? Welche Verst{\"a}ndnis- und Ber{\"u}hrungs{\"a}ngste bestehen im Hinblick auf eine {\guillemotright}vox populi{\guillemotleft}, die sich h{\"a}ufig alles andere denn weltoffen oder politisch liberal ausnimmt? Welche k{\"u}nstlerischen Methoden sind vorstellbar, um einem allgemeinen Rechtsruck entgegenzuwirken?
Lange Zeit dachte man, die im Gefolge der Protestkultur der 1960er-Jahre aufkeimenden gegenkulturellen Formationen, egal ob in den USA oder in Europa, seien automatisch dem linken Lager zuzurechnen. Inzwischen hat sich aber die Erkenntnis breitgemacht, dass Gegenkulturen gleichwohl auch aus dem rechten Lager erwachsen k{\"o}nnen. Lawrence Grossberg versucht ausgehend von einer Bestimmung der historischen 1960er-Counterculture, rechte und linke Dissensbewegungen der Gegenwart zu differenzieren. Der daraus resultierende Befund zeichnet ein nicht wenig alarmierendes Bild, vor allem was die politische Potenz der rechten {\guillemotright}Tea Party{\guillemotleft}-Initiative, entstanden in Reaktion auf die Pr{\"a}sidentschaft Obamas, betrifft. Grossberg n{\"a}hert sich dem Ph{\"a}nomen, wie auch der Zersplittertheit linker Gruppen, mit der gebotenen analytischen Distanz und macht darauf aufmerksam, dass es zuallererst gilt, das {\guillemotright}affektive Potenzial{\guillemotleft} dieser neuen Bewegung zu verstehen. In eine {\"a}hnliche Kerbe schl{\"a}gt Edit Andr{\'a}s, die sich im Anschluss an den k{\"u}rzlich erfolgten Rechtsruck in Ungarn mit der Frage befasst, welche k{\"u}nstlerischen Auseinandersetzungen mit reaktion{\"a}ren Tendenzen in ehemaligen Ostblockstaaten heute stattfinden. Das ern{\"u}chternde Bild, das Andr{\'a}s von der aktuellen Lage zeichnet, k{\"u}ndet unter anderem davon, wie wenig sich die Gegenwartskunst in der Lage sieht, nationalistische Tendenzen wirksam ins Auge zu fassen. Dabei w{\"a}re genau die Idee einer gemeinsamen traumatisierenden Vergangenheit ein erster Ausgangspunkt daf{\"u}r, um den politischen Verh{\"a}rtungen der Gegenwart zu entkommen.
Wie wenig die Gespenster der Vergangenheit nachhaltig zu bannen sind, zeigen zwei weitere Beitr{\"a}ge auf: Peter Friedl macht in seiner ausf{\"u}hrlichen Aufarbeitung der kolonialistischen Umtriebe Italiens darauf aufmerksam, wie eng verflochten die ehemaligen imperialen Unternehmungen auf dem afrikanischen Kontinent mit der Idee einer vorw{\"a}rts gewandten, progressiven Moderne waren. Und die Bearbeitungen, die der K{\"u}nstler Vyacheslav Akhunov seit langer Zeit im Hinblick auf zentrale kommunistische Symbole vornimmt, zeugen von einer h{\"o}chst komplexen Situierung gegen{\"u}ber der Vergangenheit: Weder nostalgisch noch revisionistisch weisen sie auf die nicht einfach zu {\"u}berwindende und auch heute noch nachwirkende machthaberische Geltung dieser ehemaligen Staatssymbole hin.
Schlie{\ss}lich befasst sich {\guillemotright}Rechte R{\"a}nder{\guillemotleft} noch mit einem zentralen Fokus gegenw{\"a}rtiger Sicherheits- und Pr{\"a}ventionspolitik. Die Figur des {\guillemotright}neuen Killers{\guillemotleft} sprich: des Selbstmordattent{\"a}ters oder der Selbstmordattent{\"a}terin nimmt Fadi Toufiq in seinem Beitrag ins Visier. Darin wird einmal mehr vor Augen gef{\"u}hrt, welche Herausforderung die von dieser Figur hervorgerufene Symptomatik an Gesellschaften stellt, die sich einst selbst als weltoffen und liberal definierten.},
	keywords = {6. Berlin Biennale, A cidade do homem nu, Angela McRobbie, Annette Wehrmann, Arjun Appadurai, Avant-garde in the Bloc, Blumen f{\"u}r Kim il Sung, Changing Channels, Darcy Lange, Die Geographie des Zorns, et al, Footnotes in Gaza, Form is a Fact of Society, Hinter der Vierten Wand. Fiktive Leben {\textendash} Gelebte Fiktionen, I Will Use This Platform, Joe Sacco, Kolonialgeschichte Italiens, KwieKulik, Les Promesses du pass{\'e}. Une histoire discontinue de l{\textquoteright}art dans l{\textquoteright}ex-Europe de l{\textquoteright}Est, Magazin, Medienaktivismus, MPA, Over the Counter, Politik der Erinnerung, Salah Saouli, Show and Tell: A Chronicle of Group Material, Steve Goodman, Territorien des In/Humanen, Top Girls, Triennale Linz 1.0, Ungarn, VVORK, Vyacheslav Akhunov, was drau{\ss}en wartet, Who knows tomorrow, William Klein, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-542-2},
	url = {https://www.springerin.at/2010/3/},
	author = {Julia Gwendolyn Schneider and Amir Vodka and Christian H{\"o}ller and Charlotte Bank and C{\'e}dric Vincent and Franz Thalmair and Lawrence Grossberg and Edit Andr{\'a}s and Peter Friedl and Fadi Toufiq and Jochen Becker and Christian H{\"o}ller and Manuela Ammer and Christoph Sch{\"a}fer and Dierk Schmidt and Vera Tollmann and S{\'a}ndor Hornyik and Walter Seidl and Cynthia Chris and Mari Laanemets and Dieter Roelstraete and Petra L{\"o}ffler and Christa Benzer and Erich Klein and Karol Sienkiewicz and Peter Kunitzy and Naoko Kaltschmidt and Martin Reiterer and Jens Kastner},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3025,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 04/2010},
	series = {Politisches Design},
	volume = {16},
	year = {2010},
	note = {Z Springerin 04/2010	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Politisches Design

Politische Umbr{\"u}che und Systemwechsel sind in den letzten Jahren zu Herzst{\"u}cken der Erinnerungskultur geworden. {\guillemotright}Magische{\guillemotleft} historische Daten wie 1989 geben in regelm{\"a}{\ss}igen Abst{\"a}nden Anlass, das Geschehene aus der Perspektive der {\"U}berlebenden, oft auch mit einer gewissen Siegermentalit{\"a}t, zu kommentieren. Die Memoiren von PolitikerInnen und SystemgewinnerInnen stellen dabei h{\"a}ufig in den Schatten, was sich auf der Ebene des Alltagslebens als z{\"a}her, langwieriger Prozess des {\"U}bergangs (mit ungewissem Ende) darstellt.
Was bislang ebenso h{\"a}ufig {\"u}bersehen wurde, ist die Rolle, die eine bestimmte Art von {\guillemotright}politischem Design{\guillemotleft}, sei es von Logos, Postern und Flugbl{\"a}ttern bis hin zu Fahnen, Druckschriften und anderen Medien, bei solchen Systemver{\"a}nderungen spielte. Dieses Segment grafischer Alltagskultur in den Mittelpunkt des aktiven Erinnerns zu r{\"u}cken, ist l{\"a}ngst {\"u}berf{\"a}llig und stellt eine wichtige Erg{\"a}nzung kritisch-materialistischer Umbruchsgeschichte dar. Ausgehend von den Transformationen, die in den letzten 30 Jahren in Osteuropa stattgefunden haben, versucht diese Ausgabe, die Relevanz und Bandbreite von {\guillemotright}politischem Design{\guillemotleft} nachzuzeichnen. Der Fokus erstreckt sich neben Osteuropa auch auf den s{\"u}d- und s{\"u}dostasiatischen Raum, wobei die Art von Mobilisierung im Mittelpunkt steht, die eine spezifische Designsprache f{\"u}r politische Bewegungen, auch neueren Datums, zu leisten imstande ist.
Die Idee zu diesem Themenschwerpunkt stammte urspr{\"u}nglich von Keiko Sei, deren konzeptuelle, vermittelnde, schreiberische und kuratorische T{\"a}tigkeit nicht nur zentral in dieses Heft eingeflossen ist, sondern auch den Ausschlag zu einer Ausstellungsreihe gab, die das Thema auf praktischer Ebene fortf{\"u}hrt. {\guillemotright}Re-Designing the East{\guillemotleft}, so der Titel der Ausstellungsreihe, entspringt einer Kooperation zwischen dem W{\"u}rttembergischen Kunstverein in Stuttgart, der Traf{\'o} Gallery in Budapest, dem WYSPA Institute of Art in Danzig und dem Total Museum in Seoul. In all diesen Institutionen wird ab Herbst 2010 zu sehen sein, was die Beitr{\"a}ge dieser Ausgabe ausschnitthaft wie paradigmatisch abhandeln.
Keiko Sei geht in ihrem einf{\"u}hrenden Essay von der Fragstellung aus, welche Art von politischer, sozialer und kultureller Situation dazu f{\"u}hrt, dass DesignerInnen sich mit einem Mal als politisch verstehen, und wie umgekehrt ihre Arbeiten zur Transformation ebendieser Situation beitragen. Sei spannt einen weiten Bogen von der Danziger Werft 1980, in deren Umfeld das ber{\"u}hmte, weltweit wirksame Solidarnosc-Logo entstand, bis hin zur aktuellen Situation in Thailand, S{\"u}dkorea and Teilen Indiens, wo eine kritische Designpraxis gleichfalls Teil von radikaldemokratischen B{\"u}rgerbewegungen geworden ist.
Einzelne AutorInnen (und zugleich KuratorInnen von {\guillemotright}Re-Designing the East{\guillemotleft}) greifen die diversen Meridiane von Seis gro{\ss}fl{\"a}chiger Kartografie auf und widmen sich den betreffenden politisch-gestalterischen Brennpunkten. So diskutieren Maks Bochenek und Aneta Szylak die bewegte Geschichte des besagten Solidarnosc-Schriftzugs, der 30 Jahre nach seiner Entstehung nicht nur f{\"u}r allerlei kommerzielle Zwecke herhalten muss, sondern auch ein begehrtes Kunstsammlerobjekt geworden ist. Tomas Pospiszyl rekapituliert in seinem Beitrag die Karriere des tschechischen Grafikers und K{\"u}nstlers Joska Skaln{\'\i}k, der eine wichtige Rolle bei der samtenen Revolution 1989 spielte, sich heute aber Vorw{\"u}rfen ausgesetzt sieht, als Polizeiagent gearbeitet zu haben.
Vergleichsweise unkompromittiert nehmen sich demgegen{\"u}ber die drei asiatischen Beitr{\"a}ge aus: Das indische Design- und Kritikerkollektiv Design \& People setzt mit seiner Initiative {\guillemotright}Creative Resistance{\guillemotleft} Akzente in Richtung unabh{\"a}ngiger sozialer, humanit{\"a}rer, {\"o}kologischer und edukativer Projekte. In dem hier enthaltenen Essay befasst sich ihr Mitbegr{\"u}nder Sethu Das mit den kolonialen Vereinnahmungen in den F{\"u}llhalterdesigns der Firma Montblanc. In Form eines Comics f{\"u}hrt der thail{\"a}ndische Kritiker und Designer Pracha Suveeranont in die Theorie des {\guillemotright}Vernacular Thai{\guillemotleft} ein {\textendash} des popul{\"a}ren thail{\"a}ndischen Alltagsdesigns, das Ausgangspunkt ist f{\"u}r schwelende Konflikte rund um Tradition, Moderne und die Definitionsmacht {\"u}ber die Gegenwart. Die s{\"u}dkoreanische Designgruppe Activism of Graphic Imagination (A.G.I.) schlie{\ss}lich liefert Beispiele aktivistischer Kampagnen, die sich der fortschreitenden Gentrifizierung und dem Stadtmarketing einer Millionenstadt wie Seoul ebenso widmen wie den lokalen Auswirkungen der Wirtschaftskrise.
Erg{\"a}nzt um weitere beispielhafte Studien, etwa die Gestaltung der Staats- und Unabh{\"a}ngigkeitssymbolik in der Ukraine, offenbart das Schwerpunktthema politisches Design symptomatische Schnittfl{\"a}chen: nicht nur was die {\"U}berlappung von k{\"u}nstlerischer Gestaltung mit gesellschaftspolitischen Agenden betrifft, sondern auch im Hinblick darauf, wie Design auf oft verbl{\"u}ffende Weise in die politische Gegenwart, ja Zukunft hineinragt.},
	keywords = {Album/Tracks B, Ana Torfs, Andrzej Szczerski, Anton Kannemeyer, Auslaufendes Rot {\textendash} Anti-Monument f{\"u}r die Rote Ruhr Armee, Christoph Sch{\"a}fer, Creative Resistance, Die Idee des Kommunismus, Documentary Forum, Excursus on Fitness, Formlose {\"A}hnlichkeit oder die Fr{\"o}hliche Wissenschaft des Visuellen nach Georges Bataille, Friedl Kubelka <> Friedl vom Gr{\"o}ller, Georges Didi-Huberman, G{\'e}rard Gasiorowski, Goodbye London: Radical Art and Politics in the Seventies, International Symposium on Electronic Art, Josef Dabernig, Joska Skaln{\'\i}k, Karl Larsson, Kino, Leif Elggren, Magazin, Marcel Broodthaers, Martin Kippenberger, Milica Tomi{\'c}, Modernisations 1918{\textendash}1939, Musik 1979{\textendash}1995, Online-Archivierung, Parrot, Partizipation. Politik der Gemeinschaft, Practicing Memory in a Time of an All-encompassing Present, Re-Designing the East, Safety on the Road, Sandra Sch{\"a}fer, Single Serving Sites, Solidarnosc, steirischer herbst, Ukraine, Vales un Potos{\'\i}, Vernacular Thai, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-542-2},
	url = {https://www.springerin.at/2010/4/},
	author = {Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Annett Busch and Naoko Kaltschmidt and Nat Muller and Christian H{\"o}ller and Alessandro Ludovico and Franz Thalmair and Keiko Sei and Iris Dressler and Hans D. Christ and Sethu Das and Pracha Suveeranont and Tomas Pospiszyl and Maks Bochenek and Aneta Szylak and Herwig G. H{\"o}ller and Gislind Nabakowski and Tim St{\"u}ttgen and J{\"o}rn Ebner and Lara Conte and Justin Hoffmann and Kamen Nedev and Walter Seidl and Daniel Pies and Lars-Erik Hjertstr{\"o}m Lappalainen and Nicola Hirner and Norbert Pfaffenbichler and Christa Benzer and Susanne Neuburger and Goschka Gawlik and Peter Kunitzky and Martin Reiterer and Marina Vishmidt},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {_kunstforum._2009,
	title = {Kunstforum International 195/2009},
	series = {Hot Spot Tropen},
	volume = {195},
	year = {2009},
	note = {Z Kunstforum 195/ 2009},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Hot Spot Tropen

Was sind die Tropen? Ein Fluchtpunkt, eine Gegenwelt, eine Wunschwelt? Zwischen den Wendekreisen des Krebses und des Steinbocks gelegen, erstrecken sich die Tropen als breiter G{\"u}rtel rund um den Erdball. Sie umfassen nur rund 35 Prozent der Erdoberfl{\"a}che, sind aber Lebensraum von rund 60 Prozent der Weltbev{\"o}lkerung. So weit die Fakten. Diesen gegen{\"u}ber stehen die Projektionen: die Tropen als Paradies, als H{\"o}lle, als Konstrukt. Seit jeher suchen Entdecker, Naturforscher, K{\"u}nstler und Aussteiger in tropischen W{\"u}sten, Dschungeln oder auf Inseln nach dem Anderen, dem (exotisch) Fremden, erhoffen sich ({\"a}sthetische) Anregungen oder wollen die handgreifliche Wirklichkeit eines topografischen Wunschortes erleben. Im Zeitalter der Globalisierung sind die Distanzen allerdings geschrumpft. Die Tropen sind uns n{\"a}her ger{\"u}ckt und stehen vor allem in Zentrum politischer Debatten um Regenwaldabholzung, IWF-Kredite und Dritte-Welt-Transfers. Paradise lost? Anlass, die Tropen unter kulturellem Blickwinkel neu zu entdecken, sie zu re-{\"a}sthetisieren, wie es Alfons Hug, Mitkurator der Ausstellung {\quotedblbase}Die Tropen{\textquotedblleft} (Martin-Gropius-Bau Berlin, 11.9.08-5.1.09) vorschl{\"a}gt? Die von Paulo Bianchi zusammengestellte Dokumentation {\quotedblbase}Hot Spot Tropen{\textquotedblleft} steigt in diese Diskussion ein und sucht an ausgew{\"a}hlten Schaupl{\"a}tzen Antworten auf die Frage nach der k{\"u}nstlerischen {\"A}sthetik und der menschlichen Identit{\"a}t in einer postkolonialen Welt. Als vielstimmige Paradiessuche in zehn Kapiteln angelegt, verdichtet sich die Dokumentation zu einem Amalgam, das ebenso die Fremdheit des Terroirs wie die Sensibilit{\"a}t der Autoren und K{\"u}nstler sp{\"u}rbar werden l{\"a}sst. Zum Thema siehe auch {\quotedblbase}Weltkunst {\textendash} Globalkultur{\textquotedblleft}, Band 118 (1992).


Biennalen in Korea

Von September bis November 2008 pr{\"a}sentierte das kleine Land S{\"u}dkorea vier (!) Kunstbiennalen gleichzeitig. Jens R{\"o}nnau hat drei von ihnen besucht: die 7. Gwangju Biennale (Kurator Okwui Enwezor), die Geumgang Nature Art Biennale in Gongju und die Busan Biennale. Sein exklusiver Bild- und Textreport dokumentiert die recht unterschiedlichen Veranstaltungen im Spannungsfeld von Fortschritt und Besinnung. In Gongju sprach R{\"o}nnau mit Seung-Hyun Ko, dem Mitbegr{\"u}nder und Hauptorganisator der Naturkunstbiennale, sowie mit der deutschen K{\"u}nstlerin Anke Mellin, die seit 1991 den internationalen K{\"u}nstleraustausch f{\"u}r die Naturkunstbiennale organisiert.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2009-1,
	title = {Kunstforum International 197/2009},
	series = {DRESSED!},
	volume = {197},
	year = {2009},
	note = {Z Kunstforum 197/ 2009},
	publisher = {Kunstforum  International },
	organization = {Kunstforum  International },
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {DRESSED! Art en Vogue

Wenn man die aktuelle Titelgeschichte {\quotedblbase}DRESSED! {\textendash} Art en Vogue{\textquotedblleft} durchbl{\"a}ttert, denkt man: schade. Schade, dass man die hier vorgestellten Kleider, Entw{\"u}rfe, Modelle und Fotos nicht im Original sehen kann. Schade, dass aus dieser Ausstellung nichts geworden ist. Denn eigentlich sollte {\quotedblbase}DRESSED! {\textendash} Art en Vogue{\textquotedblleft} im D{\"u}sseldorfer museum kunst palast stattfinden. Aus finanziellen Gr{\"u}nden wurde die Schau jedoch kurzfristig abgesagt. Die Kunstforum-Redaktion hat spontan reagiert und dem ambitionierten Projekt einen Raum im Rahmen ihrer M{\"o}glichkeiten als Kunstzeitschrift geboten. In Zusammenarbeit mit den Kuratorinnen Claudia Banz und Barbara Til hat Heinz-Norbert Jocks die imagin{\"a}re Ausstellung f{\"u}r Kunstforum aufgearbeitet. Die Pr{\"a}sentation orientiert sich an dem Konzept der Kuratorinnen, die sich bewusst gegen eine historische, stilistische oder monografische Ann{\"a}herung an das Thema entschieden haben. Sie beleuchten die vielf{\"a}ltigen Wechselwirkungen/-beziehungen zwischen K{\"u}nstlern und Couturiers vielmehr in sechs Themenblocks, die sie ausgehend von bestimmten k{\"u}nstlerischen Fragestellungen entwickelt haben: Das utopische Kleid, das politische Kleid, das technische Kleid, das bewegte Kleid, das untragbare Kleid und das verg{\"a}ngliche Kleid. {\quotedblbase}DRESSED! {\textendash} Art en Vogue{\textquotedblleft} w{\"a}re sicher eine tolle Ausstellung geworden. Jetzt ist es eine tolle Kunstforum-Titelgeschichte. },
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2009-2,
	title = {Kunstforum International 198/2009},
	series = {53. Biennale di Venezia},
	volume = {198},
	year = {2009},
	note = {Z Kunstforum 198/ 2009},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Making Worlds 
53. Biennale di Venezia

Seit 36 Jahren widmet KUNSTFORUM in schon etablierter Tradition den bedeutendsten Gro{\ss}ausstellungen wie z.B. der documenta und verschiedenen Biennalen jeweils eine Titelgeschichte oder gar ein ganzes Heft {\textendash} so auch dieses Jahr: Am 7.Juni wurde die 53. Biennale in Venedig er{\"o}ffnet (bis 22.11.), die KUNSTFORUM in einem kompletten Fotorundgang mit detaillierten Kommentaren dokumentiert, sowohl die Hauptausstellung {\quotedblbase}MAKING WORLDS{\textquotedblleft} wie auch s{\"a}mtliche L{\"a}nderpavillons in den vor 100 Jahren f{\"u}r diesen Zweck angelegten Giardini oder den von Mal zu Mal mehr werdenden im Stadtgebiet und auf den Inseln. Untermauert wird der Rundgang durch kritische Essays und durch Gespr{\"a}che mit den wichtigsten K{\"u}nstlern und Kuratoren. Auch diesmal ist es KUNSTFORUM wieder gelungen, den Kurator der Hauptausstellung, dieses Jahr Daniel Birnbaum, zu motivieren, f{\"u}r die KUNSTFORUM-Leser eine exklusive F{\"u}hrung durch seine Ausstellung zu machen.

Zeichnen zur Zeit II
Einzelportr{\"a}ts Eine Serie in mehreren Teilen. Teil 2

},
	keywords = {21. Jahrhundert, Biennale Venedig, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2009-3,
	title = {Kunstforum International 199/2009},
	series = {Existenz am Limit},
	volume = {199},
	year = {2009},
	note = {Z Kunstforum 199/ 2009},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Existenz am Limit
Kunst und Klimawandel

Der globale Klimawandel {\textendash} viele sagen bereits: die Klimakatastrophe {\textendash} wird in den n{\"a}chsten Jahrzehnten die Art und Weise, wie wir auf dem Planeten Erde leben k{\"o}nnen, entscheidend bestimmen. Dieses {\quotedblbase} Thema wird zuk{\"u}nftig zum einzigen Thema werden{\textquotedblleft} (Tim Flannery). Die Kunst ist in diesem Prozess in unterschiedlicher Weise involviert. Immer {\"o}fter treten K{\"u}nstlerinnen und K{\"u}nstler nicht nur als Beobachter, Kritiker und (provokante) Ankl{\"a}ger des Klimawandels und ihrer Ursachen auf, sondern auch als konkrete L{\"o}sungssuchende mit modellhaften Alternativvorschl{\"a}gen. KUNSTFORUM Bd 199 beleuchtet angesichts der allgemeinen, oft recht populistisch gef{\"u}hrten Diskussion, das Ph{\"a}nomen in Essays und Interviews aus k{\"u}nstlerischer, soziologischer und philosophischer Perspektive n{\"a}her und stellt beispielhafte Positionen der Kunst dazu vor. },
	keywords = {21. Jahrhundert, Klimawandel, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {3031,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 01/2009},
	series = {Art on Demand},
	volume = {15},
	year = {2009},
	note = {Z Springerin 01/2009	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Art on Demand

Der Kunstmarktboom der letzten Jahre hat, bevor noch erste Anzeichen der weltweiten Finanzkrise auf diesen Bereich {\"u}berzugreifen drohten, zu einer Reihe von virulenten Fragen gef{\"u}hrt. Nicht nur, was den Kult- und Fetischcharakter von k{\"u}nstlerischer Ware betrifft, sondern auch hinsichtlich der immer umfassenderen Funktionalit{\"a}t von Kunst scheinen diese Fragen {\"u}ber rein {\"o}konomische Erw{\"a}gungen hinauszuf{\"u}hren. Wie kommt es etwa, dass Kunst- und Kulturproduktion heute in vielerlei Lebens- und Sozialbereichen geradezu wie ein Allheilmittel betrachtet wird? Wie, dass der Kunst nicht nur die Rolle eines vermeintlich interesselosen Beh{\"u}bschungsinstruments, {\"o}ffentlich wie privat, zukommt, sondern dass auch ihr kritisches Potenzial zunehmend Verwertungsinteressen ausgesetzt ist? Wie schlie{\ss}lich unterscheiden sich klassische Auftraggeber der Moderne {\textendash} Museen, Ausstellungsh{\"a}user, Biennalen, Kunstvereine {\textendash} von den oligarchischen Gef{\"u}gen, die gegenw{\"a}rtig verst{\"a}rkt Einzug in den Kunstbetrieb halten?
{\guillemotright}Art on Demand{\guillemotleft} fragt nach den vielf{\"a}ltigen Interessenstrukturen hinter der allseitigen Kunstvalidierung, wie sie heute beobachtbar ist. Der Idee der Freiheit, sowohl was den Schaffens-, Verteilungs- als auch Rezeptionsprozess betrifft, kommt dabei immer noch eine zentrale Rolle zu. Beti Zerovc unterzieht in ihrem Beitrag das Konzept der im {\"A}sthetischen manifesten (oder darin vermuteten) Freiheit einer kritischen Analyse, nicht zuletzt im Hinblick darauf, wie dieses Ideologem, das selbst in {\guillemotright}kritischsten{\guillemotleft} Arbeiten am Werk zu sein scheint, gegenw{\"a}rtigen globalkapitalistischen Verh{\"a}ltnissen in die H{\"a}nde spielt. {\"A}hnlich gelagert ist der Ausgangpunkt von Alessandro Ludovicos {\"U}berlegungen zu Markt-, Wert- und Preisaspekten, wobei die Idee eines uneingeschr{\"a}nkten Handelsplatzes heute immer noch ein entscheidendes Kriterium f{\"u}r die freie Kunstentfaltung bildet, w{\"a}hrend eine Produktion {\guillemotright}jenseits des Marktes{\guillemotleft} schwer vorstellbar ist.
Zwei besondere geografische Schlaglichter sind in diesem Zusammenhang auf Asien und Afrika gerichtet. Anna Schneider geht in ihrer vergleichenden Studie {\"u}ber die Biennalen von Gwangju und Shanghai den unterschiedlichen Kontextualisierungsformen und politischen Einbettungen der beiden letztj{\"a}hrigen Gro{\ss}veranstaltungen im Zuge des asiatischen Biennalebooms nach. Den notorischen Problemen, Kunst aus afrikanischen L{\"a}ndern auf eine globale B{\"u}hne zu hieven, ohne dabei allzu {\guillemotright}verwestlichenden{\guillemotleft} Tendenzen zu erliegen, widmen sich Khwezi Gule und Sharlene Khan aus erg{\"a}nzenden Blickwinkeln. Die Fallen, die sich rund um sogenannte {\guillemotright}Supermarktkuratorenschaft{\guillemotleft} und eine (gewollte oder ungewollte) {\guillemotright}Gatekeeping-Mentalit{\"a}t{\guillemotleft} auftun, weisen die Validierung der davon betroffenen Kunst in den Schranken fortgesetzter Fremdrepr{\"a}sentation. Eine Reportage vor Ort, in der immer lebendiger werdenden Szene der libyschen Hauptstadt Tripolis, l{\"a}sst erkennen, welchen lokalen Anforderungen und situationsspezifischen Bedingungen eine aufkeimende Produktion unterworfen ist, was den westlichen Blick h{\"a}ufig ins Leere schweifen l{\"a}sst oder auf seine eigenen blinden Flecken zur{\"u}ckverweist.
{\guillemotright}Art on Demand{\guillemotleft} geht dar{\"u}ber hinaus aber auch den M{\"o}glichkeiten nicht-instrumenteller Vertriebs- und Rezeptionsstrukturen nach. Wie es um {\guillemotright}nicht-sammelbare{\guillemotleft} Kunst, in diesem Fall ein kunstmarktkritisches australisches Projekt, bestellt ist, kommt ebenso zur Sprache wie das wiederentdeckte Werk des {\textendash} gleichfalls schwer sammelbaren {\textendash} polnischen K{\"u}nstlers Pawel Freisler. Dass dessen zentrale Arbeiten sich um nicht-wiederholbare Aktionen, fabrizierte Legendenbildungen und undokumentierte Galeristent{\"a}tigkeiten drehten, belegt mit Nachdruck, welch kontingenten Umst{\"a}nden eine Kunst, die partout nicht einem {\guillemotright}Demand{\guillemotleft} nachkommen will, meist ausgesetzt ist.},
	keywords = {afrikanische Kunst, Artist-Citize, Bill Drummond, Blacked Out. George Cup \& Steve Elliott. Retrospektive, Bob Dylan, BOOM-BOOM, Carte Blanche {\`a} Jeremy Deller, Catherine Opie, China, Didier Lef{\`e}vre, Emmanuel Guibert, Fr{\'e}d{\'e}ric Lemercier, Gerald Raunig, Globalismus, Guy Delisle, Hito Steyerl, In der W{\"u}ste der Moderne, Libyen, Magazin, Martin Beck, Michael Ponstingl, Networked Cultures, Pawel Freisler, Postmedial, Religion, S{\"u}dkorea, Sydney, To Show Is To Preserve {\textendash} Figures and Demonstrations, Transitorische Orte und Wesen, Un-Collectable Art, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-451-7},
	url = {https://www.springerin.at/2009/1/},
	author = {Hans-Christian Dany and Franz Thalmair and Max Hinderer and Christian H{\"o}ller and Rahma Khazam and Alessandro Ludovico and Beti Zerovc and Alessandro Ludovico and Julia Gwendolyn Schneider and Anna Schneider and Khwezi Gule and Sharlene Khan and Christine Wagner and Peter Friedl and Lukasz Ronduda and Gislind Nabakowski and Yvonne Volkart and Hedwig Saxenhuber and Karin Rebbert and Georg Sch{\"o}llhammer and J{\"o}rn Ebner and Hans-Christian Dany and Ulrike M{\"u}ller and Jens Emil Sennewald and Naoko Kaltschmidt and Herwig G. H{\"o}ller and Martin Reiterer and Kathi Hofer and Jens Kastner and Tania H{\"o}lzl and Michael Manf{\'e}},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3030,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2009},
	series = {Modell Labor Tanz},
	volume = {15},
	year = {2009},
	note = {Z Springerin 02/2009	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Modell Labor Tanz

Die aktuelle Tanzszene als Labor und Modell sparten{\"u}bergreifenden Arbeitens? Als Feld, das (selbst-)kritisch {\"u}ber sich und seine Methoden, seine Institutionen und Arbeitsbedingungen sowie seinen Status zwischen anderen K{\"u}nsten reflektiert? Auf das Tanzquartier Wien (TQW), gegr{\"u}ndet im Jahr 2001, trifft diese Qualifikation allemal zu, und die Fr{\"u}hjahrsausgabe widmet sich exemplarisch den vielf{\"a}ltigen Tanz-, Performance-, Diskurs- und Crossoverpraktiken, wie sie sich an dieser bzw. rund um diese Arbeitsst{\"a}tte entwickelt haben. Ein kleiner Querschnitt durch hier entstandene oder fokusartig zusammengefasste Ans{\"a}tze soll aufzeigen, auf welche Weise sich dieser Bereich modellhaft f{\"u}r andere Kunstgattungen verstehen l{\"a}sst.
In den acht Jahren seines bisherigen Bestehens hat das Tanzquartier Wien vieles geleistet: die Befreiung der Tanzperformance aus den Korsetten der Compagnien und des produktorientierten Festivalbetriebes etwa, aber auch die Generierung eines vorbildhaften Effekts, was das institutionelle Profil vergleichbarer H{\"a}user in ganz Europa betrifft. Gemeinsam mit K{\"u}nstlerInnen und TheoretikerInnen, ProduzentInnen und AusbildnerInnen zeigte es den Weg aus dem klassischen Genrerahmen auf, ja, mehr noch: Es wurde selbst zum zentralen Angelpunkt einer internationalen Bewegung, die den neuen Geografien ebenso wie den sich {\"a}ndernden k{\"u}nstlerischen Arbeitsformen Rechnung tragen. Neue Formate, vom Labor {\"u}ber Research bis hin zum Training, tragen folgerichtig sein Entwicklungspr{\"a}dikat. Dabei fanden viele der Ans{\"a}tze, welche die Bewegungen, die Positionen von K{\"u}nstlerInnen und BetrachterInnen radikal neu zu formieren anraten, ihre Anregungen in den selbst- und genrekritischen Verfahren der Avantgarden und Neoavantgarden der bildenden Kunst, lie{\ss}en sich von deren konzeptuellen und postkonzeptuellen Str{\"o}mungen inspirieren. Grund genug also, diesen Querverbindungen einmal skizzenhaft nachzugehen.
Der Hauptteil dieser springerin spiegelt im Wesentlichen Figuren oder Gruppen, die am Tanzquartier Wien formierend wirkten. Die Texte verfolgen bestimmte Bereiche, Themenspuren in Praxisfeldern, nehmen deren Vokabulare auf, beziehen sich auf Mentalit{\"a}ten und Haltungen eines Feldes, das im doppelten Wortsinn in st{\"a}ndiger Bewegung ist. Einen Schwerpunkt bilden dabei monografische Essays {\"u}ber exemplarische K{\"u}nstlerInnen, etwa Meg Stuart oder Philipp Gehmacher, dessen Arbeit sich zentral in und mit dem Tanzquartier entwickelte. Dar{\"u}ber hinaus geben wir Ausz{\"u}ge aus einzelnen, vielerorts als ma{\ss}geblich erachteten Produktionen wieder, Tim Etchells{\textquoteright} diesj{\"a}hriger {\guillemotright}Void Story{\guillemotleft} etwa, welche selbst in einer langen Gastspielreihe von Forced Entertainment am TQW steht. Oder Rabih Mrou{\'e}s Vortragsperformance {\"u}ber politische Lesarten von Stra{\ss}enplakaten in Beirut, die auf den ersten Blick nicht viel mit dem klassischen Tanz-/Performancebereich zu tun hat, bei eingehender Betrachtung aber eine ganze Menge {\"u}ber das situative Zusammenspiel von kritischem Diskurs, lokalen Ausformungen der Visual Culture und physischer Loziertheit an einem bestimmten geopolitischen Brennpunkt offenbart. Ein drittes Schwergewicht bilden schlie{\ss}lich Texte, die Querverbindungen zu Feldern der bildenden Kunst (wie bei Annemarie Matzke) oder zu einer allgemeinen kritischen Bildungstheorie (beispielsweise bei Boyan Manchev) herstellen.
Hier wie dort schreibt sich ein disziplinen{\"u}bergreifender Diskurs nicht nur in den M{\"o}glichkeitsraum einer Institution wie dem Tanzquartier ein, sondern beginnt, aus dessen institutionellem N{\"a}hrboden heraus Form anzunehmen. In diesem Sinne ist und bleibt die Arbeit, die acht Jahre lang im TQW geleistet wurde, konstitutiv unabgeschlossen.},
	keywords = {Americus, Bahman Jalali, Daniel Garcia And{\`u}jars, Dead Reckoning, Dorit Margreiter, Fotografie und das Unsichtbare, Geert Lovink, Georgia, Gustav Deutsch / Film Curatorship / Jean Epstein, Isabelle Graw: Der gro{\ss}e Preis, Johanna Schaffer: Ambivalenzen der Sichtbarkeit, Living Together, Magazin, Meg Stuart, Michaela Meli{\'a}n - Speicher, No More Reality: Crowd and Performance, Nora Sternfeld: Das p{\"a}dagogische Unverh{\"a}ltnis, Philipp Gehmacher, Political/Minimal, Poverty Housing, Ree Morton - Rebecca Baron, Richard Kriesche - Capital + Code, San Francisco Tape Music Center, Shepard Fairey: Supply and Demand, Simon Critchley: Unendlich fordernd, SynChroniCity - Roberta Lima und Dorit Margreiter, The Deities Must be Made to Laugh, Vladimir Miller, Whatever Happened to Sex in Scandinavia, Working Documents, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-451-7},
	url = {https://www.springerin.at/2009/2/},
	author = {Yvonne Volkart and Martin Conrads and Franz Thalmair and Nat Muller and Roland Sch{\"o}ny and Christian H{\"o}ller and Bettina Hagen and Franz Anton Cramer and Tim Etchells and Rabih Mrou{\'e} and Judith Helmer and Annemarie Matzke and Boyan Manchev and Antke Engel and Hans-Christian Dany and Benjamin Paul and Magdalena Verena Felice and Walter Seidl and S{\"u}reyyya Evren and Burak Delier and Georg Sch{\"o}llhammer and Christa Benzer and Ruth Noack and Judith Fischer and Hedwig Saxenhuber and Matthias Klos and Johannes Porsch and Alexandra Seibel and Hans-Christian Dany and Peter Kunitzky and Susanne Lummerding and Carmen M{\"o}rsch},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3029,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 03/2009},
	series = {Escape Routes},
	volume = {15},
	year = {2009},
	note = {Z Springerin 03/2009	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Escape Routes

Nicht erst seit der aktuellen Wirtschafts- und Finanzkrise ist die Tragf{\"a}higkeit des globalkapitalistischen Systems ein Thema. Was scharfsinnige AnalytikerInnen von l{\"a}ngerfristigen Weltwirtschaftszyklen immer schon vorhergesagt haben, tritt momentan in t{\"a}glich neuen Schattierungen zutage. Dass dadurch eine allgemeine Krisenrhetorik bef{\"o}rdert wird, die vielerorts auch als Alibi f{\"u}r systemimmanente Rationalisierungs- und Bereinigungsprozesse herhalten muss, mag ein Ding sein. Dass die periodisch wiederkehrenden Katastrophenszenarien auch Kunst und Kultur nachhaltig, ja gleichsam von innen her affizieren, ist eine andere, nicht weniger betroffen machende Dimension dieser Situation.
Lange Zeit hie{\ss} es, es g{\"a}be zum globalkapitalistischen System und seinen gesellschaftlichen Ausformungen schlichtweg keine Alternative, und alle gegenteiligen Bestrebungen wurden im besten Fall milde (und nach 1989 auch revanchistisch) bel{\"a}chelt. Dabei regte sich vor und nach der Zeit des Mauerfalls betr{\"a}chtlicher Widerstand gegen diesen Befund. Die Entwicklung alternativer {\"O}konomien, sogenannter {\guillemotright}Sharity{\guillemotleft}- und {\guillemotright}Freeware{\guillemotleft}-Modelle, ebenso wie die Aktualisierung politischer Dissidenzhaltungen, die zuletzt mit der Beschw{\"o}rung von {\guillemotright}Exodusstrategien{\guillemotleft} einen neuen H{\"o}hepunkt fand, dies alles zielt auf Fluchtwege aus einem auf Dauer nicht lebensf{\"a}higen und vor allem nicht lebenswerten System. Die gegenw{\"a}rtige Krise mag wie ein Katalysator auf solche Exitstrategien wirken, ihren Ausgang nahmen sie lange vor dem Fast-Zusammenbruch, wie generell ihr Ansatz auf eine system{\"u}berschreitende Geisteshaltung zur{\"u}ckgeht.
Das Heft {\guillemotright}Escape Routes{\guillemotleft} fragt nach der Gangbarkeit solcher Auswegszenarien, nach ihrer theoretischen Fundierung ebenso wie nach ihren k{\"u}nstlerischen Ausformungen. Brian Holmes etwa ortet die neue Protestkultur auf einem Territorium, das sich {\textendash} experimentell und mobil {\textendash} seit den ersten globalisierungskritischen Aktionen 1999 in Seattle ausbreitet. {\guillemotright}Ist 1999 unser 1968?{\guillemotleft}, fragt er mit Blick auf eine unsichere Zukunft, deren Befreiung aus den F{\"a}ngen einer kontrollgesellschaftlichen {\guillemotright}{\"U}berkodierung{\guillemotleft} f{\"u}r ihn oberste Priorit{\"a}t hat. Der italienische Philosoph Roberto Esposito denkt die aktuelle Krise der Gemeinschaftlichkeit und des sozialen Zusammenhalts von der Ebene der Immunologie her und entwickelt hochbrisante Fragestellungen im Hinblick darauf, wie sich westliche Gesellschaften gegen ihr vermeintlich Anderes {\textendash} gleichsam {\guillemotright}auto-immunit{\"a}r{\guillemotleft} {\textendash} zu sch{\"u}tzen versuchen.
Historischen wie gegenw{\"a}rtigen Modellen von Piraterie, Freibeutertum und illegalem Personenverkehr geht eine Reihe weiterer Beitr{\"a}ge nach. Jochen Becker begibt sich auf eine geschichtliche Spurensuche bez{\"u}glich der Rolle, welche Schifffahrt und {\guillemotright}Seer{\"a}uberei{\guillemotleft} f{\"u}r die Auspr{\"a}gung des Weltwirtschaftssystems spielten. Anna Schneider durchmisst den Raum der Karibik anhand eines Kunstprojekts mit Bezug auf die instabilen Identit{\"a}tskonzepte, die das {\"U}berqueren unsichtbarer maritimer Grenzen nach sich zieht. Und im Gespr{\"a}ch mit Edgar Arandia, dem Direktor des Staatlichen Kunstmuseums in La Paz, Bolivien, kommt die langwierige Kleinteiligkeit zur Sprache, mit der der einst in Lateinamerika (und anderen Kolonien) fest verwurzelte westliche Kulturkanon heutzutage abgearbeitet werden muss.
Schlie{\ss}lich wird (etwa im Essay von Beti Zerovc) auch ein Augenmerk auf die Grenzen antikapitalistischer {\guillemotright}Sharity{\guillemotleft}-Konzepte innerhalb von Kunstr{\"a}umen gelegt, die nicht unabh{\"a}ngig vom gr{\"o}{\ss}eren {\"o}konomischen Umfeld agieren k{\"o}nnen. Im Blickfeld steht hier wie in den {\"u}brigen Beitr{\"a}gen die Frage, welches Au{\ss}en zum gegenw{\"a}rtigen System {\"u}berhaupt denkbar ist bzw. in welchem Ausma{\ss} sich dieses von innen her umgestalten l{\"a}sst.},
	keywords = {24260: The Fugitive House, Autorschaft, Bolivien, Claire Fontaine, Cornelia Sollfrank, Cybermohalla, Dashanzi, Deimantas Narkevi{\v c}ius, Edgar Arandia, Fifty Fifty. Kunst im Dialog mit den 50er Jahren, Florian Zeyfang, Green Platform {\textendash} Kunst {\"O}kologie Nachhaltigkeit, Hartmut Skerbisch, Josephine Bosma, Judith Butler, Kunstzentrum 798, Kyong Park, Magazin, Medienwerkstatt Wien, Nam June Paik. Music for all Senses, Nicolas Bourriaud: Radikant, Paolo Cirio, Parallel Chronologies - The Invisible History of Exhibitions, Peter van Dongen: Rampokan, rebelle. kunst \& feminisme 1969{\textendash}2009, Recessions, Roberto Esposito, Sharity-Blogs, Slow Narration Moving Still, Smell it! Freundschaft als Lebens-; Produktions- und AktionsformCaochangdi, Sonic Youth etc.: Sensational Fix, Staatliches Museum La Paz, The Big Plot, The Unanimous Life, Video Edition Austria {\textendash} Release 02, Vor den Augen, Wach sind nur die Geister, Wer sagt denn; dass Beton nicht brennt, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-451-7},
	url = {https://www.springerin.at/2009/3/},
	author = {Gudrun Ankele and Andreas Rumpfhuber and Alessandro Ludovico and Annett Busch and Christa Benzer and Yvonne Volkart and Franz Thalmair and Christian H{\"o}ller and Brian Holmes and Krystian Woznicki and Ana Peraica and Jochen Becker and Anna Schneider and Alice Creischer and Max Hinderer and Andreas Siekmann and Christina T{\"o}pfer and Beti Zerovc and Vera Tollmann and Werner Fenz and Doro Wiese and Mari Laanemets and Jens Emil Sennewald and Bettina Brunner and Alessandro Ludovico and Herwig G. H{\"o}ller and Marc Gl{\"o}de and Christian Egger and Manuela Ammer and Hans-Christian Dany and Naoko Kaltschmidt and Martin Reiterer and Sabine Rohlf},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3028,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 04/2009},
	series = {Wende Wiederkehr},
	volume = {15},
	year = {2009},
	note = {Z Springerin 04/2009	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Wende Wiederkehr

Seit L{\"a}ngerem ist im Kulturbetrieb von diversen Wenden {\textendash} Turns {\textendash} die Rede. Ob Cultural, Translational, Participatory oder Educational Turn, in vielerlei Teilbereichen werden heute vollmundig neue Paradigmen und Betrachtungsweisen verk{\"u}ndet. Dabei ist oft nicht klar, ob den ausgerufenen Novit{\"a}ten tats{\"a}chlich auch ein gedanklicher, ja systemischer Umbruch entspricht, oder ob hier nur bislang vernachl{\"a}ssigte oder unterbelichtete Themenbereiche in den Mittelpunkt ger{\"u}ckt werden. Besitzt die Rede von der Wende auf realpolitischer Ebene im R{\"u}ckblick auf die Jahre nach 1989 ein schier endloses Reservoir, aus dem sie sch{\"o}pfen kann, so ist die Verk{\"u}ndung diverser kultureller Wenden oft nicht mehr als ein rhetorisches Man{\"o}ver.
Grund genug, den dieser Tage so h{\"a}ufig im Mund gef{\"u}hrten Turns n{\"a}her nachzugehen. Die Kulturwissenschaftlerin Doris Bachmann-Medick, die eine Bestandsaufnahme verschiedenster {\guillemotright}kultureller Wenden{\guillemotleft} vorgenommen hat, h{\"a}lt im Interview an der Brauchbarkeit des Begriffes fest. Zwar gesteht auch sie die inflation{\"a}re Verwendung des Konzepts zu, doch macht sie sich f{\"u}r eine methodische Nutzung in Richtung einer sich st{\"a}ndig neu justierenden {\guillemotright}{\"U}bersetzungswissenschaft{\guillemotleft} stark {\textendash} zwischen den Diskursen, unterschiedlichen gesellschaftlichen Bereichen und Kulturen. Suzana Milevska fragt in Bezug auf eine konkrete soziale Symptomatik {\textendash} den nicht verschwinden wollenden Rassismus, und zwar trotz Aufkl{\"a}rung, wirtschaftlicher {\"O}ffnung (und mitunter materiellem Wohlstand) {\textendash}, was die Wende von vor 20 Jahren hier tats{\"a}chlich bewirkt hat. Lassen sich diesbez{\"u}glich Ver{\"a}nderungen zum Besseren ausmachen, hat der alte Rassismus vielleicht eine noch perfidere Qualit{\"a}t angenommen oder tritt das Alte einfach in immer neuem Gewand auf?
Damit ist das zweite Stichwort gegeben, n{\"a}mlich {\guillemotright}Wiederkehr{\guillemotleft}, die auf oft subtile Weise mit den besagten Wenden einherzugehen scheint. Als rhetorisches Motiv hielt der Begriff lange Zeit jene prominente Stelle besetzt {\textendash} sei es als Wiederkehr des Realen, des Politischen oder irgendeines anderen, vermeintlich Verdr{\"a}ngten {\textendash}, den in der Folge die Turns zu okkupieren begannen. Wirft man unter diesen Vorzeichen einen Blick auf die aktuelle Kunst, so l{\"a}sst sich auch hier die Verwobenheit der beiden Denkfiguren erkennen. Arbeitet sich diese zum einen st{\"a}rker denn je an historischen Vorgaben ab, so werden zum anderen fortw{\"a}hrend neue Wenden und Refokussierungen proklamiert. Von Wiederaneignungen und {\guillemotright}Re-Enactments{\guillemotleft} bis hin zu simplen Retroanleihen und Rekombinationen reicht die Palette der R{\"u}ckkehrstrategien, von Repolitisierung bis hin zu allerlei neu ersonnenen partizipatorischen Strukturen das Spektrum der Neuausrichtung.
Den neuen Anarchismus und die damit einhergehende aktivistische Tendenz in der Kunst nimmt S{\"u}reyyya Evren in seinem Beitrag ins Visier, um im Zuge der Auseinandersetzung auf eine eklatante Leerstelle zu sto{\ss}en. Eignete dem historischen Anarchismus, auf dessen Genealogie Evren eingeht, eine verschiedenste Bereiche durchdringende Strahlkraft, so scheint es der aktuellen {\"U}bersetzung in den Kunstbereich hinein schlichtweg an Publikum und der damit einhergehenden Verst{\"a}rkerwirkung zu mangeln. Von derlei kann hingegen im Popbereich keineswegs die Rede sein, daf{\"u}r ist der dort grassierende Retroboom, der nicht enden will (oder vielleicht auch gar nicht mehr kann), von einem h{\"o}chst plastischen Umgang mit Geschichte gekennzeichnet. Klaus Walter geht den Spuren dessen nach, was auf dem Weg zur Selbsthistorisierung und -musealisierung alles verloren geht. Beitr{\"a}ge wie dieser werden erg{\"a}nzt durch eine Bestandsaufnahme des jungen syrischen Kunstgeschehens (Charlotte Bank) und des Status quo der Moskauer Szene, die seit 1989 nicht nur eine Wende erlebt hat (Herwig G. H{\"o}ller).
Durchgehend klingt die Frage nach der m{\"o}glichen Verschr{\"a}nktheit der beiden Denkmotive an {\textendash} der Wende hin zum Neuen und der Wiederkehr des neu kontextualisierten Alten. Handelt es sich bei den beiden vielleicht um unterschiedliche Aspekte ein und derselben Symptomatik? Oder zeichnen sich in ihrer aktuellen, weitverbreiteten Streuung tats{\"a}chlich Risse in der Kultur der Gegenwart ab, die in absehbarer Zeit nicht einfach zu schlie{\ss}en sein werden?},
	keywords = {10. Lyon-Biennale, Anna Jermolaewa, Doris Bachmann-Medick, Helmut Weber, H{\"o}henrausch, Im Tag still halten, Istanbul-Biennale, J{\"o}rg Fauser: Der Strand der St{\"a}dte, Kremlin Doppelg{\"a}nger, Kunst und Revolte {\textquoteright}89, Linda Bilda: Keep it real, Lutz Bacher, Magazin, Monument to Transformation, Mute Magazine, Nationalismus, Noch mal leben. Eine Ausstellung {\"u}ber das Sterben, Olga Chernysheva, P{\'a}ll Thayer, Postanarchismus, Rassismus, Reconstructed ZONE. Aktuelle Kunst zur DDR und danach, Right, russischer Kunstbetrieb, Sabine Bitter, See This Sound, Semiotext(e) {\textendash} The German IssueDo You Love Me?, Spektakel des Alltags, Syrien, talk talk, The Death of the Audience, Timothy Brook: Vermeers Hut, to the City, Tom Holert: Regieren im Bildraum, {\"U}bersetzungsparadoxien und Missverst{\"a}ndnisse, Victor Gama, Video Data Bank Chicago, WHW, Xenophobie, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-451-7},
	url = {https://www.springerin.at/2009/4/},
	author = {Alessandro Ludovico and Max Jorge Hinderer and Franz Thalmair and Britt Schlehahn and Julia Gwendolyn Schneider and Dietrich Hei{\ss}enb{\"u}ttel and Christian H{\"o}ller and Suzana Milevska and S{\"u}reyyya Evren and Herwig G. H{\"o}ller and Klaus Walter and Petra Erdmann and Charlotte Bank and Roland Sch{\"o}ny and Elske Rosenfeld and Sophie Goltz and Walter Seidl and J. Emil Sennewald and Michael Hauffen and Nata{\v s}a Petre{\v s}in-Bachelez and Carola Platzek and Judith Fischer and Naoko Kaltschmidt and Peter Kunitzky and Petra L{\"o}ffler and Gislind Nabakowski and Martin Reiterer and Annette Weisser},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {_kunstforum._2008,
	title = {Kunstforum International 189/2008},
	series = {New York nach 9/11},
	volume = {189},
	year = {2008},
	note = {Z Kunstforum 189/2008},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {New York nach 9/11

Wie sieht es aus, das New York sechs Jahre nach dem 11.September 2001? Wie zeigen sich die gegenw{\"a}rtigen politischen und k{\"u}nstlerischen Befindlichkeiten in der Stadt, die nach wie vor die Essenz des modernen, urbanen Amerika symbolisiert? Diesen Fragen geht Magdalena Kr{\"o}ner in dieser Dokumentation nach. Die Herausgeberin besuchte Ateliers in und rund um Manhatten, in denen die gegenw{\"a}rtig relevanteste Kunst gemacht wird, und sprach mit jungen K{\"u}nstlern wie Carol Bove, Paul Chan, Stuart Elster oder Nicola L{\'o}pez. Ihr Fazit: Die aktuelle bildende Kunst New Yorks begreift sich mehr denn je als Reflektorium des Politischen {\textendash} in den unterschiedlichsten Haltungen und Genres. Befragt hat Magdalena Kr{\"o}ner auch etablierte K{\"u}nstlerpers{\"o}nlichkeiten wie Jenny Holzer und den Chinesen Cai Guo-Qiang sowie den Historiker Max Page, der die {\quotedblbase}historische Vorliebe New Yorks f{\"u}r Zerst{\"o}rungsphantasien{\textquotedblleft} erl{\"a}utert. Zum Thema Kunstszene New York siehe auch die B{\"a}nde 61 (1983), 83, 84 (1986), 92 (1987) und 143 (1998). },
	keywords = {21. Jahrhundert, New York, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2008-1,
	title = {Kunstforum International 190/2008},
	series = {Denken 3000},
	volume = {190},
	year = {2008},
	note = {Z Kunstforum 190/2008},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Denken 3000

Seit der KUNSTFORUM-Dokumentation {\quotedblbase}Aktuelles Denken{\textquotedblleft} von Gerhard Johann Lischka (Band 108, 1990), ist es um das aktuelle Denken und die zeitgen{\"o}ssische Philosophie eher ruhig geworden. Im vorliegenden Band {\quotedblbase}DENKEN 3000{\textquotedblleft} unternehmen Birgit Richard und Sven Dr{\"u}hl den Versuch, sowohl eine Art R{\"u}ckschau, als auch eine aktuelle Bestandaufnahme interessanter und aktueller Denkanst{\"o}{\ss}e vorzulegen, inklusive eines prognostizierenden Blicks, der nach m{\"o}glichen Zukunftsperspektiven des Denkens fragt. Vertreten in der Dokumentation sind allerdings weder Vertreter einer wissenschaftlichen {\quotedblbase}K{\"o}nigsdisziplin{\textquotedblleft}, wie der Philosophie, da diese kaum mehr als der Ort relevanten aktuellen Denkens erscheint, noch der Soziologie, die sich bis auf wenige Ausnahmen immer mehr in ihren eigenen disziplin{\"a}ren Nischen verliert und Spezialistenkulturen bef{\"o}rdert. Stattdessen werden 20 Theoretiker und Denker aus den unterschiedlichsten Bereichen vorgestellt, um so die Vielfalt aktuellen Denkens im beginnenden dritten Jahrtausend zu abzubilden. Dokumentiert wird auch ein Panel zum Thema {\quotedblbase}Denken 3000{\textquotedblleft}, zu dem die Herausgeber Marie-Luise Angerer, Klaus Sachs-Hombach, Hans Dieter Huber, Klaus Neumann-Braun und Michael Wetzel eingeladen hatten. Zum Thema {\quotedblbase}Philosophie{\textquotedblleft} siehe auch {\quotedblbase}Kunst und Philosophie (Band 100, 1989), {\quotedblbase}Aktuelles Denken{\textquotedblleft} (Band 108, 1990) und {\quotedblbase}Beitr{\"a}ge zum Tod von Vil{\'e}m Flusser{\textquotedblleft} (Band 117, 1992). 


Das Neue Ausstellen II
Gott ausstellen

Gib mir einen wei{\ss}en Raum, und ich zeige Dir, was Kunst ist {\textendash} dieses einfache Rezept galt unter Kennern Jahrzehnte lang als High-End professioneller Pr{\"a}sentation insbesondere zeitgen{\"o}ssischer Kunst. Doch die Zeiten haben sich gewandelt. Statt auf Reduktion setzen Ausstellungsmacher heute auf Opulenz. Auff{\"u}hrung, Inszenierung und Spektakel sind angesagt, ja der Akt der Pr{\"a}sentation wird zu einem Ereignis, das die {\"a}sthetischen Objekte erst hervorbringt. Doch ausstellen lassen sich nicht nur Bilder, Skulpturen und Zeichnungen, sondern auch Sport, Autos, Geld, Gott, Filme und vieles andere mehr. {\"U}berzeugt davon, dass die Sensibilisierung f{\"u}r die Innovationsreserven des {\quotedblbase}Mediums Ausstellung{\textquotedblleft} zu einem der wichtigsten Kulturthemen der kommenden Jahre wird, fokussiert Herausgeber Paolo Bianchi in einem zweiten Teil der Dokumentation (erster Teil in Band 186, 2007) diverse Ausstellungs-Displays. {\quotedblbase}Gott ausstellen{\textquotedblleft} ist die erste seiner Analysen {\"u}bertitelt. Eine komplexe Angelegenheit, denn wer Gott ausstellen will, muss gegen{\"u}ber den Besuchern der Ausstellung zu dem Eingest{\"a}ndnis bereit sein, dass es Gott zwar nicht zu sehen geben wird, seine Anwesenheit jedoch nicht ausgeschlossen werden kann. Zeigen l{\"a}sst sich vonseiten der Kuratoren (als Priester?) immerhin das weite Land der Religion {\textendash} mit Artefakten und Atmosph{\"a}ren. Maren Zieses Essay {\quotedblbase}Gott zwischen Kreuz und Konstruktion{\textquotedblleft} thematisiert die Wiederkehr der G{\"o}tter in Ausstellungen und fragt nach dem Umgang von Ausstellungsmachern mit dem Thema {\quotedblbase}Kunst und Religion{\textquotedblleft}. Mit seinem {\quotedblbase}ABC zu Gott{\textquotedblleft} w{\"a}hlte Paolo Bianchi eine schon mehrfach in KUNSTFORUM verwendete Form der patchworkartigen Zusammenstellung von Texten und Bildern zu einem bestimmten Themenkomplex.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2008-2,
	title = {Kunstforum International 191/2008},
	series = {Sch{\"o}nheit 1},
	volume = {191},
	year = {2008},
	note = {Z Kunstforum 191/2008},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Sch{\"o}nheit 1

In der auf zwei B{\"a}nde angelegten Dokumentation (zweiter Teil in Band 192, 2008) befassen sich Martin Seidel und J{\"u}rgen Raap mit den Bedeutungen und Bezugssystemen von {\quotedblbase}Sch{\"o}nheit{\textquotedblleft}. F{\"u}r die Herausgeber ist Sch{\"o}nheit die Kategorie, die als {\"a}sthetischer Mehrwert Kunst zur Kunst macht. Deren globales Vorhandensein, ihre unvereinnahmbare Einzigartigkeit und ihre sich weder auf Stile noch auf bestimmte Darbietungsformen festlegenden k{\"u}nstlerischen M{\"o}glichkeiten sollen in dieser Dokumentation herausgearbeitet werden. Die Beitr{\"a}ge und Interviews handeln von den vielf{\"a}ltigen Verwurzelungen der Sch{\"o}nheit in Kunst und Natur, vom Starkult und von Maskeraden, von Inszenierungsfragen in der Body Art, vom Verh{\"a}ltnis zu Gesellschaft und Politik, von {\"a}sthetischen Systemen, Hyper{\"a}sthetizismen sowie von ihren Aneignungen in den Popkulturen. Zu den Autoren z{\"a}hlen neben den Herausgebern Heinz-Norbert Jocks, Gerhard Johann Lischka und Birgit Richard. 


5. Berlin-Biennale {\textendash} {\quotedblbase}When things cast no shadow{\textquotedblleft}

Vor zehn Jahren wurde sie als {\quotedblbase}unerh{\"o}rte Behauptung{\textquotedblleft} (Klaus Biesenbach) ins Leben gerufen, inzwischen hat sich die berlin biennale ihren festen Platz im Kulturkalender der Hauptstadt gesichert. Adam Szymczyk und Elena Filipovic haben sich f{\"u}r die 5.Ausgabe der berlin biennale ein ganz besonderes Konzept ausgedacht: eine Zweiteilung der Veranstaltung in einen Tag- und einen Nachtteil. Unter dem Motto {\quotedblbase}When Things cast no Shadows{\textquotedblleft} pr{\"a}sentierten der aus Polen stammende Direktor der Kunsthalle Basel und seine amerikanische Co-Kuratorin an vier Ausstellungsorten Werke von rund 50 K{\"u}nstlern. Der Nachtteil mit allabendlichem Programm aus Filmen, Performances und F{\"u}hrungen fand an einem Dutzend verschiedener Locations statt. Susanne Boecker (Texte) und Wolfgang Tr{\"a}ger (Fotos) haben f{\"u}r KUNSTFORUM einen Rundgang {\"u}ber die Hauptschaupl{\"a}tze der Biennale (KW Institute for Contemporary Art, Neue National Galerie, Skulpturenpark) gemacht und die hier gezeigte Kunst bei Lichte betrachtet. Kein Bild machen konnten sie sich naturgem{\"a}{\ss} von dem Nachtprogramm, dessen Titel {\quotedblbase}Mes nuits sont plus belles que vos jours{\textquotedblleft} recht viel versprechend daher kam. Zur berlin biennale siehe auch die B{\"a}nde 142 (1998), 143 (1998), 169 (2004) und 180 (2006).},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2008-3,
	title = {Kunstforum International 192/2008},
	series = {Sch{\"o}nheit 2},
	volume = {192},
	year = {2008},
	note = {Z Kunstforum 192/2008},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Sch{\"o}nheit 2

In der umfangreichen, auf zwei B{\"a}nde angelegten Dokumentation (erster Teil in Band 191, 2008) befassen sich Martin Seidel und J{\"u}rgen Raap mit den Bedeutungen und Bezugssystemen von {\quotedblbase}Sch{\"o}nheit{\textquotedblleft}. Einig sind sich die Herausgeber und Autoren darin, dass Sch{\"o}nheit nicht nur {\quotedblbase}sch{\"o}n{\textquotedblleft}, nicht nur Gepl{\"a}nkel und Ausflucht, sondern wichtig, sogar lebens- und {\"u}berlebenswichtig ist. Gleichwohl herrscht kein Konsens dar{\"u}ber, was Sch{\"o}nheit ist, wo sie sch{\"o}n, bedeutend, zweckm{\"a}{\ss}ig und erlaubt, und wo sie kitschig, unbedeutend, unzweckm{\"a}{\ss}ig und unerlaubt ist. Die versammelten Beitr{\"a}ge sp{\"u}ren den vielf{\"a}ltigen Verwurzelungen und Verzweigungen von Sch{\"o}nheit in Kunst und Natur, in Kunst und Alltag nach, sie beschreiben Erscheinungsweisen und r{\"a}umen Vorurteile aus dem Weg. Zu den Autoren dieses Bandes geh{\"o}ren neben den Herausgebern Heinz-Norbert Jocks (der ein ausf{\"u}hrliches Interview mit der franz{\"o}sischen K{\"u}nstlerin Orlan f{\"u}hrte), Gerhard Johann Lischka (der {\"u}ber die {\"A}sthetik von K{\"u}hlerhauben reflektiert) und Birgit Richard (die sich der Darstellung weiblicher Sch{\"o}nheit in R{\textquoteright}N{\textquoteright}B/Hiphop Clips widmet). 


{\"A}sthetik der Fotografie
Typologie von sechs Wahrnehmungsformen von Fotografen und Fotografien

In Anlehnung an Silvio Viettas Buch {\quotedblbase}Die {\"A}sthetik der Moderne{\textquotedblleft} (2001) hat Paolo Bianchi eine kleine {\quotedblbase}{\"A}sthetik der Fotografie{\textquotedblleft} entwickelt. Darin geht es nicht um stilistische Fragen, um Genres, Techniken, Themen oder gar um das viel besungene {\quotedblbase}Ende der Fotografie{\textquotedblleft}, sondern um eine Wende in der Wahrnehmung und {\quotedblbase}Wahrgebung{\textquotedblleft} durch Fotografie. Die ist nach Ansicht des Autors n{\"a}mlich dabei, zum Modell von Realit{\"a}tserzeugung schlechthin zu avancieren. In seiner Typologie der Wahrnehmungsformen von Fotografen und Fotografien listet Bianchi folgende sechs Bildtypen auf: Imagination, Emotion, Erinnerung, Assoziation, Sensation und Reflexion. Erl{\"a}utert werden die Typen anhand einer exemplarischen Auswahl von Bildern zeitgen{\"o}ssischer Fotografen. Zum Thema siehe auch das von Andreas M{\"u}ller-Pohle entwickelte Modell zur Fotografie in {\quotedblbase}Die fotografische Dimension{\textquotedblleft}, Band 129 (1995).},
	keywords = {21. Jahrhundert, {\"A}sthetik, Fotografie, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2008-4,
	title = {Kunstforum International 193/2008},
	series = {Ankunft in Peking},
	volume = {193},
	year = {2008},
	note = {Z Kunstforum 193/2008},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Ankunft in Peking

Vor den Olympischen Spielen im Sommer 2008 {\"u}berschlugen sich s{\"a}mtliche Medien mit Berichten und Informationen {\"u}ber China. Dabei war der westliche Dauerblick gen Osten bis auf wenige Ausnahmen gepr{\"a}gt von der Angst vor der gelben Gefahr, die in Gestalt einer in den Weltmarkt einbrechenden Gro{\ss}macht auftritt. In seiner zweib{\"a}ndigen Dokumentation {\"u}ber China (zweiter Teil in Band 194, 2008) versucht Herausgeber Heinz-Norbert Jocks, sich diesem eingespielten Betrachtungsmuster zu entziehen. Der erste Teil {\quotedblbase}Ankunft in Peking{\textquotedblleft} berichtet von dem Reich der Mitte vor allem aus der Sicht der Von-Au{\ss}en-Kommenden, die diesen Kontinent aufsuchten und sich dort {\"u}berraschen lie{\ss}en. Gesprochen hat der Autor mit dem ehemaligen Bundeskanzler und heutigen ZEIT-Mitherausgeber Helmut Schmidt, mit dem Sinologen Lothar Ledderose und dem franz{\"o}sischen Philosophen Fran{\c c}ois Jullien. Von ihren Erfahrungen als Sammler und ihrer ungebrochenen Liebe zur chinesischen Avantgarde berichten der Schweizer Uli Sigg und der Belgier Guy Ullens. Der in Peking geborene Sammler Guan Yu liefert die Gr{\"u}nde daf{\"u}r, warum China dringend eine eigene Kunstgeschichte ben{\"o}tigt. Besonderheiten und Andersartigkeit chinesischer Gegenwartskunst werden aus westlicher Sicht von Andreas Schmid, Martina K{\"o}ppel-Yang und Birgit Hopfener dargelegt, w{\"a}hrend der Kritiker Li Xianting die Entwicklung aus chinesischer Perspektive betrachtet. Zum Thema chinesische Kunst siehe auch sowie {\quotedblbase}Im Blickpunkt: China{\textquotedblleft}, Band 173 (2005), {\quotedblbase}Shanghai {\textendash} Die Erfindung der Zukunft{\textquotedblleft} 183 (2006) sowie {\quotedblbase}K{\"u}nstler in Peking{\textquotedblleft} (Band 194, 2008).},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2008-5,
	title = {Kunstforum International 194/2008},
	series = {K{\"u}nstler in Peking},
	volume = {194},
	year = {2008},
	note = {Z Kunstforum 194/2008},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {K{\"u}nstler in Peking

Peking, das Zentrum der roten Macht, hat sich zu einer f{\"u}r die Zukunft ger{\"u}steten, von au{\ss}en nur schwer begreifbaren Weltmetropole der Kunst entwickelt. Im ersten Teil seiner Dokumentation {\quotedblbase}Ankunft in Peking{\textquotedblleft} (Band 193, 2008) ging es dem Herausgeber Heinz-Norbert Jocks zun{\"a}chst um eine theoretische Ann{\"a}herung an die neue Situation in China. Mit einem weitgehend von kulturellen Vorurteilen befreiten Blick schaute er von au{\ss}en auf die einmalige Entwicklung der zeitgen{\"o}ssischen Kunst. Der zweite Teil {\quotedblbase}K{\"u}nstler in Peking{\textquotedblleft} versteht sich als eine andere Art der Bestandsaufnahme: als eine exemplarische Sichtung der vitalen Kunstszene. Der Hauptteil der Dokumentation ist den in Peking ans{\"a}ssigen K{\"u}nstlern gewidmet, die Jocks zusammen mit seinem Fotografen Karsten Fassbender zu stundenlangen Gespr{\"a}chen aufsuchte. Was sie in den Ateliers erlebten, h{\"o}rten, sahen, vorfanden und erfuhren, widersprach vollkommen den von westlichen Medien verbreiteten, allgemeinen Vorstellungen {\"u}ber Kunst aus China. Zum Thema chinesische Kunst siehe auch sowie {\quotedblbase}Im Blickpunkt: China{\textquotedblleft}, Band 173 (2005), {\quotedblbase}Shanghai {\textendash} Die Erfindung der Zukunft{\textquotedblleft} 183 (2006) sowie {\quotedblbase}Ankunft in Peking{\textquotedblleft} (Band 193, 2008). 


7. Biennale Shanghai

Susanne Boecker besuchte die 7. Biennale Shanghai {\quotedblbase}Translocalmotion{\textquotedblleft}. Erarbeitet von einem internationalen Kuratorenteam (Zhang Qing, Julian Heynen und Henk Slager) traf auf dieser Biennale Westkunst (verstanden im weitesten Sinne) diametral auf chinesische Kunst. Eigentlich eine spannende Situation, die jedoch differenziert zu betrachten ist. Insbesondere westliche Besucher {\textendash} seien es nun die zahlreichen {\quotedblbase}flying curators{\textquotedblleft} und {\quotedblbase}flying critics{\textquotedblleft} oder auch die im Rahmen der zeitgleich stattgefundenen Shanghaier Kunstmesse angereisten Kunstfreunde {\textendash} zeigten sich irritiert von der platten, plakativen Bildlichkeit vieler chinesischer Arbeiten. Die war in der Tat zu bem{\"a}ngeln, sollte aber nicht zu einem vorschnellen R{\"u}ckschluss auf das Niveau zeitgen{\"o}ssischer chinesischer Kunstproduktion verleiten. Wolfgang Tr{\"a}ger hat die Biennale in einem ausf{\"u}hrlichen Fotorundgang dokumentiert, Susanne Boecker verfasste Wahrnehmungshilfen und Kommentare zu allen Arbeiten.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {2842,
	title = {MarianneMaderna. hytorysteria},
	year = {2008},
	note = {KM Maderna 2008},
	publisher = {Springer-Verlag},
	organization = {Springer-Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {... dies ist ein weltanschaulichfeminin formuliertes K{\"u}nstlerbuch in Form einer Bildgeschichte, welche MarianneMaderna als Trickserin und Jongleuse der unterschiedlichsten Medien m{\"a}ndernd mischt. Ein unkonventionell lebendiges Prinzip in Gegen{\"u}berstellung zu Macht-Konstrukten zieht sich als thematisches Leitmotiv durch die hier dargestellten Werkgruppen der K{\"u}nstlerin. Ihre Skulpturen, Zeichnungen, Fotografien, Video und Rauminstallationen sind DarstellerInnen eines dem Welttheater {\"a}hnelnden Prozesses, in das sich MarianneMaderna immer wieder als "Andere Person" und Performerin einschiebt oder dort als Kunst-Plattform-Mittlerin agiert. 

WissenschaftlerInnen, PhilosphInnen und K{\"u}nstlerInnen aus verschiedenen Disziplinen greifen die unterschiedlichen Themenbereiche der Bildgeschichten auf und flechten daraus ein f{\"a}cher{\"u}bergreifendes Netzwerk zeitgen{\"o}ssischer, feminin formulierter Fragen und Untersuchungen, Erkenntnisse, Antworten und weiterf{\"u}hrende Ideen. },
	keywords = {artist{\textquoteright}s book, Feminismus, K{\"u}nstlermonographie, {\"O}sterreich, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-211-75582-2},
	author = {Maderna, Marianne}
}
@book {3153,
	title = {Romalido},
	year = {2008},
	note = {BELL 24},
	publisher = {Bibliothek der Provinz},
	organization = {Bibliothek der Provinz},
	address = {Weitra},
	abstract = {Norbert Trummer verbindet in seiner Arbeit Zeichnung, Malerei und Trickfilm. In den Stra{\ss}en und Pl{\"a}tzen Roms sitzend, zeichnet er allt{\"a}gliche Situationen. Sein Blick erfasst Szenen \& Details aus der Wirklichkeit, die vor seinen Augen mit unterschiedlicher Geschwindigkeit ablaufen.

F{\"u}r die Zeichnungen in "Romalido" suchte ich Pl{\"a}tze abseits der touristischen Hauptattraktionen Roms aus. Dabei fand ich u.a. Orte mit so klingenden Namen wie "Piazzale dei Cavalli Marini".

Die Zeichnungen sind das Basismaterial f{\"u}r Norbert Trummers weitere Vorgangsweise: In comicstrip-artiger Abfolge gereiht ergibt sich bereits hier ein fast zwangsl{\"a}ufiger linearer Erz{\"a}hlrhythmus.},
	keywords = {21. Jahrhundert, Film, Zeichnungen, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {978-3-900000-20-2},
	author = {Norbert Trummer}
}
@book {3034,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 01/2008},
	series = {Remapping Critique},
	volume = {14},
	year = {2008},
	note = {Z Springerin 01/2008	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Remapping Critique

Kritische Perspektiven sind meist von einem eigent{\"u}mlichen Spannungsverh{\"a}ltnis gekennzeichnet. Sozial, {\"a}sthetisch wie diskursiv existieren zahlreiche Bruchstellen, was die Beziehung zwischen Kritikpositionen und den von ihnen anvisierten Objekten betrifft. Aber nicht nur die Gegenst{\"a}nde, derer sich eine avancierte Kulturkritik annimmt, sind von dieser Spannung betroffen, sondern auch die Art der F{\"u}rsprache und der Selbstpositionierung, die damit einhergeht. Oft genug werden Standpunkt und Kontext, von denen aus eine kritische Haltung propagiert wird, gro{\ss}z{\"u}gig ausgeblendet oder gar nicht erst in Betracht gezogen.

{\guillemotright}Remapping Critique{\guillemotleft} fragt nach dem spezifischen Gef{\"a}lle, das sich zwischen Kritik, Kritisiertem und den dabei h{\"a}ufig in Aussicht gestellten (positiven) Gegenbildern auftut. Ohne in endlose Relativierungen verfallen oder vorschnelle Vers{\"o}hnungen herbeireden zu wollen, gehen die Beitr{\"a}ge dieses Heftes ganz bestimmten Spannungsmomenten nach, die sich gegenw{\"a}rtig auf vielerlei Schaupl{\"a}tzen der {\guillemotright}kritischen Kultur{\guillemotleft} abzeichnen. So liest Bojana Pejic das neuerdings wiedererwachte Interesse f{\"u}r feministische Kunst und Theorie auf dessen blinde Flecken und die im Zuge dieser R{\"u}ckkehr h{\"a}ufig vergessen gemachten Genealogien hin. Nicht nur dass dabei eine historische Verschiebung von konfrontativen hin zu eher selbsttechnologischen, ja Lifestyle-orientierten Momenten zum Tragen kommt, auch der ehemals kritische Impuls f{\"a}llt dabei einer eigent{\"u}mlichen Selbstvergessenheit anheim. Einer nicht un{\"a}hnlichen Symptomatik geht Helmut Draxler anhand gr{\"o}{\ss}erer Themenkomplexe nach {\textendash} sei es in Bezug auf die vom ihm konstatierte Gefahr einer {\guillemotright}Substanzialisierung{\guillemotleft} kritischer Praxis, sei es in der Nachbetrachtung einer von ihm kuratierten Schau zu Fragen von Autorschaft und Ausstellungspraxis.

Auf welche Weise soziale Verh{\"a}ltnisse bzw. die Geschichte der {\guillemotright}Entdeckung des Elends{\guillemotleft} Einzug in den aktuellen Ausstellungsbetrieb halten, beleuchtet Jochen Becker im Rekurs auf eine gesellschaftspolitisch ausgelegte und nicht allein formal{\"a}sthetisch gewichtete Moderne. Hu Fang schlie{\ss}lich n{\"a}hert sich dem Zusammenhang zwischen gesellschaftlichen Bedingungen und den M{\"o}glichkeiten kritischer Kunst aus umgekehrter Richtung: Nicht was es hei{\ss}t, die Verh{\"a}ltnisse im heutigen China k{\"u}nstlerisch abzubilden, steht bei ihm im Vordergrund, sondern welche intellektuellen und geistesgeschichtlichen Vorarbeiten n{\"o}tig sind, um sich solchen Abbildungs- und Reflexionsprozessen {\"u}berhaupt ann{\"a}hern zu k{\"o}nnen.

Dieser und viele weitere Beitr{\"a}ge dieser Ausgabe widmen sich der schwierigen Aufgabe, kritische Herangehensweisen an Themen und Agenden der Gegenwartskunst einer Neubetrachtung zu unterziehen, ja Kriterien und Ansatzpunkte f{\"u}r eine Sch{\"a}rfung kritischer Perspektiven selbst zu finden. Ein implizites Leitmotiv, das {\"u}ber dieses Heft hinaus weiter nachwirken wird, k{\"o}nnte so zusammengefasst werden: Wie muss eine Kulturkritik beschaffen sein, die nicht {\textendash} vorn{\"u}ber gebeugt bzw. aus anderen Sph{\"a}ren {\textendash} auf das zu Kritisierende und vermeintlich Verbesserungsw{\"u}rdige herabblickt, sondern ihren Themen auf Augenh{\"o}he begegnet?},
	keywords = {Aleksandar Zograf, Aluminium, Andr{\'e} Cadere, Bellavista, Book \& Hed{\'e}n, Brigitta Kuster, Emotional Systems {\textendash} Contemporary Art Between Emotion and Reason, Erick Beltr{\'a}n, Fischbach, Geert Lovink, Gibellina, Hamed Taheri, Helmut Draxler, it{\textquoteright}s a Boy!, Jacques Ranci{\`e}re, Jean-Fran{\c c}ois Lyotard, Jochen Schmith, Kunstmaschinen, Luis Camnitzer, Magazin, Markus Schinwald, Mary-Anne Breeze, Maschinenkunst, Matts Leiderstam, Menschmaschinen, Oh Girl, Pascale Marthine Tayou, Qianmen, Renate Lorenz, Rencontres africaines de la photographie, Sabeth Buchmann, Spatiul Public Bucuresti {\textendash} Public Art Bucharest 2007, Techno Animals, The Enforced Dress, Treibsand, Ugo Rondinone, Viennale-Retro 2007, Vojin Bakic, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-387-9},
	url = {https://www.springerin.at/2008/1/},
	author = {Annett Busch and Krystian Woznicki and Franz Thalmair and Yvonne Volkart and Roman Schmidt and Klaus Walter and Christian H{\"o}ller and Bojana Pejic and Georg Sch{\"o}llhammer and Hu Fang and Wang Zi and Maya McKechneay and Jochen Becker and Nata{\v s}a Ili{\'c} and Herwig G. H{\"o}ller and Dietrich Heissenb{\"u}ttel and Christian Kravagna and Daniel Pies and Zeigam Azizov and D{\'o}ra Hegyi and Alessandro Ludovico and Hans-Christian Dany and Michael Hauffen and J{\"o}rn Ebner and Dietmar Schw{\"a}rzler and Jens Emil Sennewald and Hedwig Saxenhuber and Christiane Erharter and Kathi Hofer and Susanne Neuburger and Max Hinderer and Sabine Gebhardt Fink and Martin Reiterer and Tim St{\"u}ttgen},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3033,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2008},
	series = {Secret Publics},
	volume = {14},
	year = {2008},
	note = {Z Springerin 02/2008	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Secret Publics

{\"O}ffentlichkeit organisiert sich zunehmend entlang fragmentarischer Linien. An die Stelle der einen, allumfassenden {\"o}ffentlichen Sph{\"a}re ist l{\"a}ngst, auch im Kunstfeld, die Aufspaltung in teils {\"u}berlappende, teils divergierende Teil{\"o}ffentlichkeiten getreten. Oftmals sind es unfreiwillige Beschr{\"a}nkungen, die das {\"U}berschreiten einer bestimmten Aufmerksamkeitsschwelle verhindern, oftmals aber auch selbst gew{\"a}hlte Zirkelbildungen, die ihr Zielpublikum in ganz bestimmten, partikularen Interessensgruppen suchen. Einen Sonderstatus nimmt dabei das Ph{\"a}nomen {\guillemotright}heimlicher {\"O}ffentlichkeit{\guillemotleft} ein, deren Bandbreite, durchaus weitgesteckt, von selbstorganisierten Partizipationsforen bis hin zu klandestinen Gemeinschaftsformen reicht. {\guillemotright}Secret Publics{\guillemotleft} widmet sich der Erscheinungsvielfalt solch minorit{\"a}rer Teil- und Gegen{\"o}ffentlichkeiten, die {\textendash} gezwungenerma{\ss}en oder intendiert {\textendash} unter der allgemeinen Wahrnehmungsgrenze operieren.
Eine dieser unfreiwilligen {\guillemotright}heimlichen {\"O}ffentlichkeiten{\guillemotleft} hat sich Sharon Daniel als Ziel ihres aktivistischen Ansatzes erkoren: Weibliche Gef{\"a}ngnisinsassen in den USA machen nicht nur eine immer gr{\"o}{\ss}ere Bev{\"o}lkerungsgruppe aus, sondern sind aufgrund ihres rechtlichen Status auch jeglicher {\"O}ffentlichkeitsplattform beraubt. Darin klingt bereits die allgemeinere Problematik so genannter {\guillemotright}subalterner{\guillemotleft} oder minorit{\"a}rer Bev{\"o}lkerungsteile an, deren M{\"o}glichkeit der Selbstartikulation entweder radikal beschr{\"a}nkt ist oder aber nicht den herrschenden Diskursregeln entspricht. Dipesh Chakrabarty, einer der Hauptproponenten der indischen Subaltern-Studies-Gruppe, l{\"a}sst im Gespr{\"a}ch die Genese dieses Forschungs- und Theorieansatzes Revue passieren und erw{\"a}gt im Anschluss daran die M{\"o}glichkeiten eines strategischen Universalismus {\textendash} einem theoretischen Horizont, der nicht auf eurozentristischen Grundlagen beruht. Eine neue Form von Universalismus, noch dazu betont {\guillemotright}affirmationistisch{\guillemotleft}, vertritt der franz{\"o}sische Philosoph Alain Badiou, dessen j{\"u}ngste Ausf{\"u}hrungen zum Thema Hans-Christian Dany auf die Aufst{\"a}nde von Jugendlichen in den Pariser Vorst{\"a}dten umlegt. Auch hier hat sich eine Art Geheimgesellschaft formiert, deren Nicht-Akkommodierbarkeit innerhalb westlicher Wertesysteme von PolitikerInnen aller Couleurs beschworen wird.
K{\"u}nstlerische Ans{\"a}tze, die vorwiegend im {\guillemotright}Geheimen{\guillemotleft} operieren, analysieren C{\'e}dric Vincent, der die Implikationen von Fake-Strategien anhand eines s{\"u}dafrikanischen Projekts abwiegt, oder Christina T{\"o}pfer, die den {\textendash} vor allem in den USA beliebten {\textendash} Interventionen in einem schwindenden {\"o}ffentlichen Raum nachgeht. Weitere Kurzfeatures widmen sich Taktiken der Selbstorganisation im Kunstfeld, etwa dem Johannesburger Market Photo Workshop, oder User-initiierten Internetexperimenten wie dem Department of Reading, das Wege der dialogischen Diskursproduktion im semivirtuellen Raum erprobt. Ein {\"U}berblick {\"u}ber die in letzter Zeit neu entstandenen Off-Spaces in Wien kartografiert die realen r{\"a}umlichen und organisatorischen Gegebenheiten, denen die Schaffung einer Kunst{\"o}ffentlichkeit {\guillemotright}von unten{\guillemotleft} heute unterliegt.},
	keywords = {Bodypoliticx, Department of Reading, Derek Jarman: A Brutal Beauty, Dipesh Chakrabarty, Felicity D. Scott, Forms of Resistance, Gayatri Chakravorty Spivak, Gef{\"a}ngnis, G{\"u}nter Amendt, Hans Christian Dany, Heidrun Holzfeind, I am not afraid, Josephine Meckseper, Katerina {\v S}ed{\'a}, Katrina Daschner - Alles ist Dildo; alles ist Loch; alles ist Clitoris, Les Inquiets, Lisl Ponger, Lust am Verrat, Magazin, Manfred Kuttner, Marc Adrian, Merkw{\"u}rdige Maschinen, New York Noise, No Wave, {\"O}kologie, {\"o}komediale Kunst, Orients sans fronti{\`e}res; sur les traces de la Croisi{\`e}re Jaune, Paola Pivi, Patriotismus, Sound Art, Subaltern Studies, transmediale.08, Wiener Off-Spaces, Wilhelm Reich {\textendash} Sex! Pol! Energy!, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-387-9},
	url = {https://www.springerin.at/2008/2/},
	author = {Rachel Mader and Alessandro Ludovico and Tim St{\"u}ttgen and Vera Tollmann and Roland Sch{\"o}ny and Christian H{\"o}ller and Catherine Halpern and Sharon Daniel and Patricia Grzonka and Hans-Christian Dany and Jens Emil Sennewald and Christina T{\"o}pfer and C{\'e}dric Vincent and Jochen Becker and Herwig G. H{\"o}ller and Christian Kravagna and Peter Weibel and Naoko Kaltschmidt and Jens Kastner and Gislind Nabakowski and Nicola Hirner and J{\"o}rn Ebner and Jens Emil Sennewald and Christa Benzer and Dietmar Schw{\"a}rzler and Judith Fischer and Michael Hauffen and Christa Benzer and Jens Emil Sennewald and Susanne Lummerding and Sebastian Sierra Barra and Matthias Dusini and Sabine Rohlf and Martin Beck and Matthias Dusini},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3032,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 04/2008},
	series = {My Religion},
	volume = {14},
	year = {2008},
	note = {Z Springerin 04/2008	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {My Religion

Einer der best{\"a}ndigsten Mythen der westlichen Moderne besagt, dass die S{\"a}kularisierung der Lebenswelten unaufhaltsam fortschreite. Die Frontlinie, welche dieser Bewegung allenfalls entgegenstehe, sei jene zwischen Islam und Moderne. Doch dem islamischen steht l{\"a}ngst ein christologischer Fundamentalismus gegen{\"u}ber, der nicht nur in der teils erbittert gef{\"u}hrten anti-evolution{\"a}ren Abwehroffensive der Kreationisten im {\guillemotright}Bibel-G{\"u}rtel{\guillemotleft} der USA oder in den evangelikalen Massenbewegungen Westafrikas oder S{\"u}damerikas Zulauf findet. Ein erstarkender katholischer Antiliberalismus in S{\"u}d- und Ost-Europa, der wachsende politische Einfluss der Orthodoxie in Russland und die Konjunktur diverser Sekten allenthalben {\textendash} die Wiederkehr religi{\"o}ser Fundamentalismen ist nicht nur ein mediales Schlagwort.
Reflexen dieser Entwicklung, die im und gegen das Kunstfeld vielf{\"a}ltig sichtbar werden, widmet sich das Heft {\guillemotright}My Religion{\guillemotleft}. Sven L{\"u}tticken setzt in seinem Beitrag bei einem der sichtbarsten {\textendash} und kontroversesten {\textendash} Symptome der neueren {\guillemotright}Religions-Clashes{\guillemotleft} an, dem Schleier. Nicht an einer Ergr{\"u}ndung der damit einhergehenden kulturellen Symbolik ist ihm gelegen, sondern an der Frage, welche verborgenen fundamentalistischen Tendenzen die Auseinandersetzung darum auf Seiten der vermeintlichen Aufkl{\"a}rung, des sich liberal gebenden Westens, zu Tage f{\"o}rdert. Eignet der Spektakelkultur per se ein Hang zur bedingungslosen Sichtbarmachung an, so besteht die Kehrseite davon in einer Art abstrahierenden Verschleierung, die den Status und die voranschreitende Degradierung der {\guillemotright}lebendigen Waren{\guillemotleft} verdeckt. Nicht der impliziten Verblendung, sondern der ganz bewussten Verkn{\"u}pfung von Politik, Religion und neuer oligarchischer Elite in Russland geht Keti Chukhrov in ihrer Diskussion aktueller Sakralisierungstendenzen nach. Welche Inanspruchnahme die orthodoxe Kirche in diesem Zusammenhang erf{\"a}hrt, ist insofern aufschlussreich, als es dabei weniger um eine ideologische Abgleichung als vielmehr um eine Kompensationsfunktion im Hinblick auf Spiritualit{\"a}t und Profit geht.
Der Kirche, in diesem Fall der armenisch-apostolischen, als einer fundamentalen Verb{\"u}ndeten der nationalistischen Regierung widmet sich der Beitrag von Vardan Azatyan. Selbst in neoavantgardistischen K{\"u}nstlerzirkeln ist man bislang gewillt, diese Verbindung als gegeben hinzunehmen, so dadurch der alte Erzfeind, die Sowjetkultur, nachtr{\"a}glich in seine Schranken gewiesen wird. Mit einem ganz anderen Verm{\"a}chtnis des Sowjetimperiums, und zwar der erzkatholischen Reaktion in Polen, besch{\"a}ftigt sich Piotr Piotrowski. Der Anlass sind mehrere Zensurf{\"a}lle der letzten Jahre, bei denen die Freiheit der Kunst zugunsten der Achtung religi{\"o}ser Ansinnen aufgehoben erschien. Piotrowski legt jene Diskursschichten frei, auf denen der autorit{\"a}re bis feindselige Umgang mit Kunst beruht, ohne dass das Projekt einer gesamtgesellschaftlichen Demokratisierung, so es {\"u}berhaupt noch von jemandem ernsthaft in Anspruch genommen wird, dem gro{\ss} etwas entgegenhalten k{\"o}nnte.
Dieser und weitere Beitr{\"a}ge, etwa {\"u}ber das vertrackte Verh{\"a}ltnis zwischen Kultur und Kirche in S{\"u}damerika, machen deutlich, dass das westlich-liberale S{\"a}kularisierungsdenken immer wieder mit Kehrseiten konfrontiert ist, die es nicht so leicht loswird. Ob dies letztlich mit einer strukturellen Blindheit im Kern dieses Denkens selbst zu tun hat, ist eine Fragestellung, die {\"u}ber den Themenbereich dieses Heftes weit hinausgeht.},
	keywords = {48 K{\"o}pfe aus dem Mercurov Museum, Ana Lupas, Anna Artaker, Aufkl{\"a}rungsfundamentalismus, Avantgarde in Armenien, Byron Coley, David Weiss, Fr{\'e}d{\'e}ric Bruly Bouabr{\'e}, Geta Bratescu, Global Security Alliance, G{\"u}ls{\"u}n Karamustafa, Harry Lehmann, Harvey Pekar, Heather Roberson, heterophone Dauer, Isa Rosenberger, Isabella Hollauf, Jochen Becker, Judith Butler, Liberation, Luca Frei, Magazin, Marine Hugonnier, Mikl{\'o}s Erhardt, Neue Sicherheitskultur, Nov{\'y} Most, Open Sky {\textendash} R{\"a}ume jenseits ihrer Praxis, Peter Fischli, Planetary Consciousness, Polen, S{\"a}kularisierung, Schleier, Sean Snyder, Sichtbarmachung, Suche Bauplatz f{\"u}r Moschee, Temporary Settings, The Story of the Supremes from the Mary Wilson Collection, Thurston Moore, Tony Chakar, Tony Conrad, {\"U}berwachung, {\"U}berwachungs{\"a}sthetik, Un Coup de D{\'e}s., Verh{\"u}llung, Vojin Bakic, Webcra.sh/2800, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-451-7},
	url = {https://www.springerin.at/2008/4/},
	author = {Yvonne Volkart and Roland Sch{\"o}ny and Amir Vodka and Christina Nemec and Franz Thalmair and Christian H{\"o}ller and Sven L{\"u}tticken and Klaus Ronneberger and Eva Kernbauer and Keti Chukhrov and Vardan Azatyan and Piotr Piotrowski and Ellen Mara De Wachter and C{\'e}dric Vincent and Adriana Loyola and Tim St{\"u}ttgen and Jan Verwoert and Annette Wehrmann and Julia Walln{\"o}fer and Carola Platzek and Ivona Jelcic and Carsten Probst and Christian Egger and Stefan R{\"o}mer and Nicola Hirner and Christa Benzer and Susanne Neuburger and Annett Busch and Michael Hauffen and Martin Reiterer and Dietrich Heissenb{\"u}ttel},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {redekker_hangart-7._2007-1,
	title = {Hangart-7. Edition 7. Una Excursi{\'o}n Mexicana. Zeitgen{\"o}ssische Kunst aus Mexiko},
	year = {2007},
	note = {BL 2007/20},
	publisher = {Red Bull Hangar-7},
	organization = {Red Bull Hangar-7},
	address = {Wien},
	keywords = {Ausstellung, Mexiko, Salzburg, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	editor = {Redekker, Lioba and Weissacher, Doris}
}
@book {_kunstforum._2007-1,
	title = {Kunstforum International 184/2007},
	series = {Der Geist der Schwelle. H{\"a}user 2},
	volume = {184},
	year = {2007},
	note = {Z Kunstforum 184/2007},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Der Geist der Schwelle. H{\"a}user II

Ausgangspunkt von J{\"u}rgen Raaps Untersuchung zum Thema {\quotedblbase}Haus{\textquotedblleft} ist die H{\"a}uslichkeit als zentrales Merkmal menschlicher Existenz. Befasste sich der erste Band der zweiteiligen Dokumentation {\"u}ber H{\"a}user als {\quotedblbase} dritte Haut{\textquotedblleft} mit kulturgeschichtlichen und psychologischen Aspekten der Behausung (Band 182, 2006), fokussiert der zweite Band vor allem soziologische Aspekte des Themas. {\quotedblbase}Mobilit{\"a}t{\textquotedblleft} lautet das Stichwort, das die Lebens- und Wohnbedingungen der Menschen heutzutage ma{\ss}geblich beeinflusst. Zwar dient das {\quotedblbase}Prinzip Eigenheim{\textquotedblleft} noch immer als Projektionsmuster traditioneller Lebensentw{\"u}rfe, jedoch nimmt die Zahl der {\quotedblbase}Nomaden der Neuzeit, die statt dessen Mobilit{\"a}t als Lebensentwurf und Schicksal begreifen, stetig zu. Zahlreiche K{\"u}nstler reflektieren diesen Trend mit provisorischen Architekturen, mit k{\"u}nstlerischen Konzepten von Kiosken, Baracken und Containern. Andere setzen sich kritisch mit verkitschten, anonymen, austauschbaren, historischen und anderen {\quotedblbase}Wohnwelten{\textquotedblleft} auseinander. In einem Essay {\"u}ber Mobilit{\"a}t, Nomadentum und Wohnwelten fasst Heinz-Norbert Jocks diese Tendenzen noch einmal aus seiner Sicht zusammen. Mit sehr speziellen Wohnformen befassen sich drei Interviews: Jean-Pierre Raynaud hat die Innenw{\"a}nde seines Hauses vollst{\"a}ndig verkachelt; Joep van Lieshout errichtete und unterhielt mit seinen Mitbewohnern im Rotterdamer Hafen eine K{\"u}nstlerkolonie; der Sammler und Schlossherr Axel Verwoordt schlie{\ss}lich entwickelte eine eigene Philosophie, wie man in gro{\ss}en und wie in kleinen H{\"a}usern lebt. },
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2007-2,
	title = {Kunstforum International 185/2007},
	series = {Parasit{\"a}re Strategien},
	volume = {185},
	year = {2007},
	note = {Z Kunstforum 185/2007},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Parasit{\"a}re Strategien

Parasiten als Modell und Metapher f{\"u}r das intervenierende Andere {\textendash} diesem ebenso komplexen wie spannenden Thema widmet sich Sabine Fabo in dieser Dokumentation. Als Ausgangspunkt w{\"a}hlte die Herausgeberin die von Michel Serres 1980 formulierte Kommunikationstheorie des Parasit{\"a}ren, der zufolge der Parasit den Zustand eines Systems schrittweise destabilisieren und ver{\"a}ndern kann. In letzter Konsequenz verdanken sich nach Serres alle Entwicklungsprozesse einem parasit{\"a}ren Impuls: Der Schmarotzer als Agens der Evolution. Parallel und erg{\"a}nzend zu diesem Ansatz ber{\"u}cksichtigt die Herausgeberin auch die seit den 80er und 90er Jahren popul{\"a}r gewordene Virusmetapher (Computerviren). Die Beitr{\"a}ge der Dokumentation gehen das Thema aus verschiedenen Perspektiven an. So verhandelt beispielsweise Florian R{\"o}tzer den Parasiten als Gegenstand unserer gegenw{\"a}rtigen Informationskultur, Jana Balkwitz untersucht parasit{\"a}re Strategien im Rahmen der Werbung und diskutiert das Ph{\"a}nomen des viralen Marketings, Ulf Jonak sp{\"u}rt dem Parasit{\"a}ren als einer Haltung der Architektur sowohl in utopischen Entw{\"u}rfen als auch in realisierten Geb{\"a}uden nach und Sabine Fabo pr{\"a}sentiert verschiedene parasit{\"a}re Praktiken aus Kunst, Design und Mode. 


2. Moskau Biennale f{\"u}r Zeitgen{\"o}ssische Kunst
FOOTNOTES on geopolitics, markets and amnesia

Im Jahr 2005 ging die Moskau Biennale f{\"u}r zeitgen{\"o}ssische Kunst mit dem Motto "Dialektik der Hoffnung" an den Start. Ein passender Titel, denn diese Biennale war nach vielen Jahren das erste Ausstellungsprojekt mit zeitgen{\"o}ssischer Kunst, das in den Genuss einer f{\"u}r russische Verh{\"a}ltnisse beachtlichen staatlichen F{\"o}rderung kam. Eine kleine kulturpolitische Revolution war das, angetreten mit dem Anspruch "Teil eines politischen Ansatzes zur Erneuerung des Landes zu werden". Susanne Boecker besichtigte mit Wolfgang Tr{\"a}ger (Fotos) die zweite Ausgabe der Moskau Biennale {\quotedblbase}FOOTNOTES on geopolitics, market and amnesia{\textquotedblleft}, bei der Joseph Backstein erneut mit bekannten Gr{\"o}{\ss}en des internationalen Kuratoren Jet-Sets kooperiert hatte: Daniel Birnbaum (Frankfurt), Iara Bubnova (Sofia/ Moskau), Nicolas Bourriaud (Paris), Rosa Mart{\'\i}nez (Istanbul), Hans Ulrich Obrist (London).Zur Verst{\"a}rkung neu hinzugekommen waren Fulya Erdemci (Istanbul) und Gunnar B. Kvaran (Oslo). },
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2007-3,
	title = {Kunstforum International 186/2007},
	series = {Biennalen},
	volume = {186},
	year = {2007},
	note = {Z Kunstforum 186/2007},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Biennalen
Die 8. Biennale von Sharjah, 1. Biennale in Ushuaia

Tanja Klemm, die bereits {\"u}ber die 3.Ausgabe der Sharjah international Biennial berichtete, reiste 2007 erneut in die Vereinigten Arabischen Emirate.{\quotedblbase}Still Life.Art, Ecology and the Politics of Change{\textquotedblleft} lautete das Thema der Biennale, das Direktorin Hoor al Qasimi gemeinsam mit dem k{\"u}nstlerischen Leiter Jack Persekian umgesetzt hat. Den Fotorundgang besorgte Wolfgang Tr{\"a}ger. (Zur Shrajah Biennale siehe auch die B{\"a}nde 165 (2003) und 176 (2005). Bis ans {\quotedblbase}Ende der Welt{\textquotedblleft} reisen musste Peter Funken, der in diesem Biennale-Special {\"u}ber die 1. Ausgabe der Biennale in Ushuaia in Feuerland, Argentinien, berichtet. Veranstaltet wurde die Biennale als argentinisch-brasilianisches Gemeinschaftsprojekt anl{\"a}sslich des Internationalen Polar-Jahres 2007-2008. Nach dem Motto "Am Ende der Welt dar{\"u}ber nachdenken, welche andere Welt m{\"o}glich ist", setzten sich K{\"u}nstler aus 22 L{\"a}ndern Amerikas und Europas in der s{\"u}dlichsten Stadt der Welt mit der Kommunikation zwischen S{\"u}d- und Nordpol, {\"o}kologischen Dringlichkeiten und Grenzerfahrungen von Raum und Zeit auseinander. 


Das Neue Ausstellen
Ausstellungen als Kulturpraktiken des Zeigens I

Die von Paolo Bianchi herausgegebene Dokumentation widmet sich Ausstellungen als Kulturpraktiken des Zeigens. Ein nach Ansicht des Autors topaktuelles Thema, denn die Sensibilisierung f{\"u}r die Innovationsreserven des {\quotedblbase}Mediums Ausstellung{\textquotedblleft} wird zu {\quotedblbase}einem der wichtigsten Kulturthemen der kommenden Jahre{\textquotedblleft} werden: Ausstellen kann man schlie{\ss}lich alles, und die ausstellenden Institutionen werden immer zahlreicher. Das {\quotedblbase}Neue Ausstellen{\textquotedblleft} ist eine Untersuchung {\"u}ber die Umsetzung kuratorischer Modelle im Ausstellungswesen. Traditionell bekannt sind Wunderkammer, Kunsthalle, Oberlichtsaal, White Cube oder Archiv. Neuere Modelle benutzen die Metapher des Schneeballs, der Monstranz oder Wolke. Der erste Teil der Dokumentation (zweiter Teil in Band 190, 2008) versammelt Beitr{\"a}ge verschiedener Autoren zu theoretischen Aspekten des Themas wie {\quotedblbase}Ausstellen als Kulturpraxis{\textquotedblleft}, {\quotedblbase}Was ist eine (gute) Ausstellung?{\textquotedblleft} oder {\quotedblbase}Kuratoren-Ausbildungen{\textquotedblleft}.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2007-4,
	title = {Kunstforum International 187/2007},
	series = {Documenta 12},
	volume = {187},
	year = {2007},
	note = {Z Kunstforum 187/2007},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Documenta 12

Dieser Band steht ganz im Zeichen der Documenta 12. Um dem Gro{\ss}ereignis gerecht zu werden, wurden die sonst gewohnten Rubriken auf den n{\"a}chsten Band verschoben und das gesamte Heft f{\"u}r Dokumentation und Diskussion zur Verf{\"u}gung gestellt. Da die d12 extrem kontroverse Urteile zur Folge hatte, hoffte die Redaktion, mit dem hier gelieferten Basismaterial und mit den Argumenten und Informationen aus den Essays und Gespr{\"a}chen die teilweise polemisch gef{\"u}hrte, Meinungsbildung zu versachlichen. Mit kritischen Beitr{\"a}gen von Michael H{\"u}bl, Amine Haase, Viola Michely, Ingo Arend, Dirk Schwarze und Hans Belting sowie sieben K{\"u}nstlerinterviews. Der ausf{\"u}hrliche Fotorundgang (Dieter Schwerdtle) wurde von Susanne Boecker erg{\"a}nzt durch Wahrnehmungshilfen und Kommentaren zu den einzelnen K{\"u}nstlern. },
	keywords = {21. Jahrhundert, Documenta 12, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2007-5,
	title = {Kunstforum International 188/2007},
	series = {52. Biennale Venedig},
	volume = {188},
	year = {2007},
	note = {Z Kunstforum 188/2007},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {52. Biennale Venedig

Michael H{\"u}bl stellt seine Anmerkungen zur 52. Biennale di Venezia unter die {\"U}berschrift {\quotedblbase}{\"U}ber dem Abgrund lauert die Harmonie{\textquotedblleft}. Mit dem Direktor Robert Storr unterhielt sich Heinz-Norbert Jocks, der auch den Kurator des deutschen Pavillons, Nicolas Schafhausen, sowie neun Biennale-K{\"u}nstler interviewte. Der ausf{\"u}hrliche Fotorundgang durch die Hauptausstellungen und alle nationalen Pavillons (Wolfgang Tr{\"a}ger) wurde von Susanne Boecker erg{\"a}nzt durch Wahrnehmungshilfen und Kommentaren zu den einzelnen K{\"u}nstlern. 


Skulptur-Projekte M{\"u}nster 2007

Die vierte Ausgabe der im 10-Jahres-Rhythmus stattfindenden Skulptur.Projekte in M{\"u}nster haben Hermann Pf{\"u}tze und Annelie Pohlen zum Anlass genommen, noch einmal grunds{\"a}tzlich {\"u}ber das Verh{\"a}ltnis von Kunst und {\"o}ffentlichem Raum zu reflektieren. War doch die 1977 als Versuchslabor f{\"u}r die Revitalisierung der Innenstadt gestartete Veranstaltung 2007 {\quotedblbase}aus der Sicht der Stadtpolitiker da angekommen, wo sie Kultur am liebsten sehen und wovon die vielfach geschm{\"a}hten Avantgarden gesellschaftsrelevanter Kunst wohl eher nicht getr{\"a}umt haben: Im globalen Marketing der Wirtschafts- und Tourismusg{\"u}ter, die sich wunderbar in das Register der Auszeichnungen einf{\"u}gen lassen.{\textquotedblleft} Initiator und Kurator Kasper K{\"o}nig sah es daher als Aufgabe, sich dem Patriotismus und der Liebe der M{\"u}nsteraner {\quotedblbase}zu entziehen, um erneut eine Herausforderung zu schaffen{\textquotedblleft}. Seine diesbez{\"u}glichen Versuche dokumentiert der ausf{\"u}hrliche Fotorundgang (Wolfgang Tr{\"a}ger) mit Wahrnehmungshilfen (Susanne Boecker). Zu {\quotedblbase}Skulptur.Projekte in M{\"u}nster{\textquotedblleft} siehe auch Band 138 (1997). },
	keywords = {21. Jahrhundert, Biennale Venedig, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {spindler_power_2007,
	title = {Power Play. Karina Nimmerfall},
	year = {2007},
	note = {BL 2007/05},
	publisher = {Landesgalerie Linz},
	organization = {Landesgalerie Linz},
	keywords = {Architektur, Ausstellung, Fotografie, Installation, Linz, Raum, Videokunst, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	author = {Spindler, Gabriele}
}
@book {3045,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 01/2007},
	series = {Andere Modernen},
	volume = {13},
	year = {2007},
	note = {Z Springerin 01/2007	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Andere Modernen

Die Debatte {\"u}ber das Verm{\"a}chtnis der Moderne scheint in der aktuellen Kunst, aber auch im sozialen wie politischen Leben ungebrochen anzuhalten. Glaubte man vor{\"u}bergehend, in ein postmodernes Zeitalter eingetreten zu sein, so haben sich die Zeichen die letzte Dekade {\"u}ber zu wandeln begonnen. Leben wir vielleicht doch inmitten einer Art Rest-Moderne, so fragmentiert und {\"u}berformt diese sein mag? Zumindest {\"a}sthetisch bzw. lebensweltlich scheint dies nicht ganz von der Hand zu weisen zu sein. Oder ist gar eine Zweite Moderne angebrochen, wie dies bisweilen im sozialwissenschaftlichen Diskurs behauptet wird? Zus{\"a}tzlich ist in letzter Zeit die Frage nach anderen, alternativen Konzeptionen von Moderne in den Mittelpunkt des Interesses ger{\"u}ckt. Andere Modernen w{\"a}ren demnach die historisch unterbelichteten bzw. unerforschten M{\"o}glichkeiten, die es retrospektiv, aber auch zukunftsgerichtet aufzuarbeiten gilt.

In diesem Sinn greift das Winter-Heft ein Leitmotiv der documenta 12 {\textendash} {\guillemotright}Ist die Moderne unsere Antike?{\guillemotleft} {\textendash} auf und versucht, es entlang globaler Parameter weiterzudenken. Das indische Raqs Media Collective etwa begreift die Moderne als eine Art Warteraum, in dem unz{\"a}hlige andere als die tats{\"a}chlich realisierten Narrative auftauchen oder zum Vorschein gebracht werden k{\"o}nnen. Die Idee gespensterhafter Parallelgeschichten bzw. einer {\guillemotright}Off-Moderne{\guillemotleft} findet ihren Widerhall in Lawrence Grossbergs theoretischem Expos{\'e} alternativer, ja multipler Modernen. Andreas Fogarasis Rechercheprojekt zu ungarischen Kultur- und Bildungsh{\"a}usern der Nachkriegszeit sowie ein Kurzfeature {\"u}ber den serbischen K{\"u}nstler Nesa Paripovic runden diesen ersten Themenblock ab.

Dass die Befreiung der Moderne aus einer vereinheitlichenden, ja totalisierenden Sichtweise stark mit einer {\"A}nderung von Repr{\"a}sentationsparametern zusammenh{\"a}ngt, belegt eine Reihe weiterer Beitr{\"a}ge: Markus Miessen befasst sich in seinem Essay mit der Frage, wie ein nicht-konsensuelles, sondern konfliktbeladenes Verst{\"a}ndnis von Partizipation, der Teilnahme an politischen und kulturellen Prozessen, aussehen k{\"o}nnte. Sergio Bologna setzt sich im Interview mit Darstellungsproblemen im Hinblick auf aktuelle Arbeitsverh{\"a}ltnisse auseinander. Und Suzana Milevska widmet sich am Beispiel eines Films {\"u}ber die Roma-Minderheit in Mazedonien der Thematik, welche Einschr{\"a}nkungen und Potenziale in der Repr{\"a}sentation {\guillemotright}nackten Lebens{\guillemotleft} zum Tragen kommen. Eine Frage, die angesichts aktueller Fl{\"u}chtlingsproblematiken nicht so schnell an Dringlichkeit verlieren wird {\textendash} weshalb sie in der n{\"a}chsten Nummer in erweitertem Rahmen fortgef{\"u}hrt wird.},
	keywords = {Andreas Fogarasi, Autorit{\"a}t, Bild-Blog, Blogosph{\"a}re, B{\"u}rgerrechte, Cooling Out - Paradoxien des Feminismus, Dani{\`e}le Huillet, Espace Masolo, Felix Gonzalez-Torres, GSA {\textendash} Global Security Alliance, Images of the Middle East, Jiri Kovanda Versus Rest Of The World, Kultur und Freizeit, Lowtech, Magazin, Markus Krottendorfer, Mumok, Nesa Paripovic, Nomaden der Zeit, Peter Whitehead, Playback_Simulierte Wirklichkeiten, Post Porn Politics, Raqs Media Collective, Sergio Bologna, steirischer herbst 2006, Stock Cars, Tanzquartier Wien, und so hat Konzept noch nie Pferd bedeutet, wieder und wider, Wizards of OS 4, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift, Zelko Wiener},
	issn = {978-3-85256-365-9},
	url = {https://www.springerin.at/2007/1/},
	author = {Vill{\"o} Huszai and Martin Conrads and Alessandro Ludovico and Christa Benzer and Hias Wrba and Krystian Woznicki and Christian H{\"o}ller and C{\'e}dric Vincent and Lawrence Grossberg and Georg Sch{\"o}llhammer and Suzana Milevska and Markus Miessen and Dietrich Heissenb{\"u}ttel and Sabine Grimm and Klaus Ronneberger and Jochen Becker and Arye Wachsmuth and Benjamin Paul and Nicolas Siepen and Kathi Hofer and Nat Muller and Michael Hauffen and Hedwig Saxenhuber and Jens Kastner and Tanja Widmann and Susanne Karr and Martin Reiterer and J{\"o}rn Ebner and Gislind Nabakowski and Carmen M{\"o}rsch},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3044,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2007},
	series = {Leben/{\"U}berleben},
	volume = {13},
	year = {2007},
	note = {Z Springerin 02/2007	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Leben/{\"U}berleben

Im Herbst 2006 begannen wir eine Auseinandersetzung mit Fragestellungen, die in den Leitmotiven der documenta 12 mit angelegt sind. Nicht um direkte Antworten ging es dabei, als vielmehr um Ann{\"a}herungen, Umschreibungen und Paraphrasen {\textendash} Vorarbeiten gewisserma{\ss}en, welche Themenkomplexe wie Moderne oder blo{\ss}es Leben abstecken helfen.
{\"A}hnlich wie die Hefte {\guillemotright}Taktiken/Topografien{\guillemotleft} und {\guillemotright}Andere Modernen{\guillemotleft} nimmt auch die vorliegende Ausgabe mit dem Titel {\guillemotright}Leben/{\"U}berleben{\guillemotleft} diesen indirekten Zugang auf und versucht, ein Feld zu kartografieren, das auf vielf{\"a}ltige Weise von diesen beiden Schl{\"u}sselbegriffen gepr{\"a}gt ist.
{\guillemotright}Was ist das blo{\ss}e Leben?{\guillemotleft} ist eine Frage, welche die Kunst und Theorie der letzten Jahre zentral besch{\"a}ftigt hat. Nicht nur tritt die Verletzlichkeit und Fragilit{\"a}t menschlichen Lebens im global-medialen Zusammenhang immer deutlicher zutage, sondern sie ist fast so etwas wie eine allt{\"a}gliche Begleitung geworden. Gleichzeitig wird so aber auch die Relevanz von {\"U}berlebensstrategien bis hin zu kleinen, oftmals unscheinbaren {\"U}berlebenstechniken vor Augen gef{\"u}hrt.
Rosi Braidotti packt den Bereich Biopolitik, die immer l{\"u}ckenlosere und hoch technologische Verwaltung von Leben und Sterben, am neuralgischen Punkt des in ihn eingelassenen Nihilismus an. In Abgrenzung davon versucht sie, das positive Bild eines neuen Vitalismus und einer damit einhergehenden Ethik zu skizzieren.
Am eigenen Leib erfahren hat der libanesische K{\"u}nstler und Intellektuelle Tony Chakar letzten Sommer, was es hei{\ss}t, pl{\"o}tzlich auf die Funktion des blo{\ss}en {\"U}berlebens zur{\"u}ckgeworfen zu sein. Seine Reaktion auf die israelischen Luftangriffe macht vielf{\"a}ltigen Gebrauch von literarischen Bildern {\textendash} nicht zuletzt, um dem Ort der Katastrophe eine f{\"u}r das Bewusstsein ertr{\"a}gliche Dimension zu verleihen.
Der spezifischen Repr{\"a}sentationsproblematik in Bezug auf das {\guillemotright}nackte Leben{\guillemotleft} geht Tom Holert in seinem Essay {\"u}ber ausgew{\"a}hlte Dokumentarfilme nach. Fl{\"u}chtlingsproblematik und Migration sind im Film zu beliebten Themen geworden, vielleicht auch, weil sie den repr{\"a}sentierenden Subjekten den Aspekt der {\guillemotright}Lebendigkeit{\guillemotleft} hautnah vor Augen f{\"u}hren. Um diese fundamentale Ressource drehen sich auch einige weitere Beitr{\"a}ge, die, sei es angesichts von Filmen {\"u}ber das Sterben (Judith Fischer) oder, g{\"a}nzlich anders gelagert, Investitionen in die Gesundheitsindustrie (Hans-Christian Dany), der Umk{\"a}mpftheit des Terrains nachgehen.
Einen abschlie{\ss}enden Schwerpunkt bilden die Neo-Avantgarden der 1960er und 1970er Jahre. Scheinbar weit vom Kontext des blo{\ss}en Lebens entfernt, finden sich in den Bewegungen dieser Dekaden, sei es in Polen (Luiza Nader) oder Jugoslawien (Je{\v s}a Denegri), eine Reihe von Hinweisen, wie es um das k{\"u}nstlerische {\"U}berleben unter
erschwerten Umst{\"a}nden bestellt ist.},
	keywords = {!REVOLUTION?, 1;2;3 {\textellipsis} Avant-Gardes, Architektur in W{\"o}rtern, Biomacht, Brian Jungen, Christian Philipp M{\"u}ller, Christoph Draeger, Dokumentarfilm, Exil des Imagin{\"a}ren. Politik {\"A}sthetik Liebe, Flucht, From Egypt With Love, Jerko Denegri, Magazin, Marcel Broodthaers, Migration, Nachhaltigkeit, Normal Love, Peter Piller, polnischen Avantgarde, Reise, Section Cin{\'e}ma, Shandyismus. Autorschaft als Genre, The Artist{\textquoteright}s Village, The Feminist Future: Theory and Practice in the Visual Arts, This will not happen without you, Time of Closure, Urheberrecht, Verju, Zeit des Abschieds, Zeit zu gehen, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-367-1},
	url = {https://www.springerin.at/2007/2/},
	author = {Julia Gwendolyn Schneider and Vera Tollmann and Ana Peraica and Felix Stalder and Jochen Becker and Christian H{\"o}ller and Rosi Braidotti and Tony Chakar and Tom Holert and Judith Fischer and Thomas Edlinger and Peter Weibel and Stevan Vukovic and Luiza Nader and Hans-Christian Dany and Edith Krebs and Naoko Kaltschmidt and Antke Engel and Anne Krause and Herwig G. H{\"o}ller and Nicola Hirner and J{\"o}rn Ebner and Mechtild Widrich and Nat Muller and Ulrike Matzer and Dirck M{\"o}llmann and Christa Benzer and Jens Kastner and Gislind Nabakowski and Susanne Lummerding},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3036,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 03/2007},
	series = {Lernen von ...},
	volume = {13},
	year = {2007},
	note = {Z Springerin 03/2007	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Lernen von ...

Fragen der {\"a}sthetischen und transdisziplin{\"a}ren Bildung durchziehen das Kunstfeld auf vielf{\"a}ltige Weise: Welche Wissensformen sind f{\"u}r die Gegenwartskunst ma{\ss}geblich? Wie bilden aktuelle Produktionen ihr Publikum? Welche p{\"a}dagogischen Modelle werden daf{\"u}r herangezogen? Welche Lernprozesse lassen sich, auch in globaler Hinsicht, von lokal situierten Praktiken ansto{\ss}en?
Das Sommerheft widmet sich dem dritten Leitmotiv der documenta 12 {\textendash} {\guillemotright}Was tun?{\guillemotleft} {\textendash} und bringt damit eine Auseinandersetzung zum (vorl{\"a}ufigen) Abschluss, die schwerpunktm{\"a}{\ss}ig vor drei Heften begonnen wurde. Waren es zun{\"a}chst Fragen nach den spezifischen Topografien und {\"a}sthetischen Taktiken, die sich im Zuge der heute allgegenw{\"a}rtigen R{\"u}ckgriffe auf die Geschichte der Moderne abzeichnen, so gilt das aktuelle Interesse den besonderen Bildungsprozessen, die davon mit angeregt werden. {\guillemotright}Lernen von {\textellipsis}{\guillemotleft} meint in dieser Hinsicht mehr als eine beliebig aktualisierbare R{\"u}ckbez{\"u}glichkeit, ja verwehrt sich gegen eine vorschnelle Festschreibung des nachzuholenden oder neu zu verabreichenden Bildungsgutes. Das genaue Objekt dieser Wissensvermittlung bleibt insofern unbestimmt als es stets auch von der Art des Zugriffs mitgeneriert und revaluiert wird.
In demokratiepolitischer Hinsicht l{\"a}sst sich diese Form der Objektverschiebung bzw. Neugenerierung an vielerlei Symptomen ablesen. Jacques Ranci{\`e}re hat sie als grassierende Demokratieskepsis diagnostiziert, und im Interview legt er dar, welche unerwarteten Wendungen ein Lernen von den {\guillemotright}demokratischen Exzessen{\guillemotleft} der Vergangenheit aktuell nehmen kann. Nicht nur ger{\"a}t im Zuge dieser Revision jedes emanzipatorische Ansinnen zunehmend in Verruf, sondern es wird auf diese Weise auch jedes ernstzunehmende Politikverst{\"a}ndnis sukzessive verabschiedet.
Irit Rogoff {\"u}berlegt demgegen{\"u}ber, welche Verschiebung im Begriff der Bildung selbst die gegenw{\"a}rtigen Verh{\"a}ltnisse nahe legen. Weg von Marktg{\"a}ngigkeit, Verwertbarkeit und Effizienz, hin zu Aspekten wie Zugang, Dringlichkeit und Potenzialit{\"a}t {\textendash} so nimmt sich Rogoffs Prop{\"a}deutik einer neuen Wissenslehre in Zeiten instrumentellen Kreativdenkens aus. Indirekte Unterst{\"u}tzung findet sie im Beitrag von Beti {\v Z}erovc, die sich mit Ausbildungsprogrammen f{\"u}r KuratorInnen und deren verst{\"a}rkter neoliberaler Verfasstheit besch{\"a}ftigt.
Schlie{\ss}lich gehen zahlreiche Beitr{\"a}ge den konkreten Versprechungen eines {\guillemotright}Lernens von {\textellipsis}{\guillemotleft} nach. Ob am Beispiel der Debatte um Mahnmale f{\"u}r vergangene und gegenw{\"a}rtige Kriege (Tony Chakar), des k{\"u}nstlerischen Umgangs mit Nationalsozialismus und Vernichtung (Susanne Neuburger, Hedwig Saxenhuber) oder anhand der Nachwirkungen ehemaliger kulturrevolution{\"a}rer Anliegen (Nicolas Siepen, Benjamin Paul, Christa Benzer) {\textendash} stets schiebt sich die Frage in den Mittelpunkt, welche Form von Aktualisierung und welche spezifische Widerst{\"a}ndigkeit der R{\"u}ckgriff auf die Vergangenheit nach sich zieht.
Damit schlie{\ss}t sich ein thematischer Kreis, ohne dass die Offenheit dieses Lernens zu einem Abschluss gebracht oder seine Fluchtpunkte ein f{\"u}r allemal determiniert w{\"a}ren.},
	keywords = {7000 Eichen, Anna Oppermann, Breaking Step - Displacement, Charlotte Salomon, Compassion and Humour in Recent Art from Britain, fabrics interseason, Freedom Theatre, Gerard Byrne, History Will Repeat Itself, Ingo Giezendanner, Jacques Ranci{\`e}re, Johannes Schweiger, Jospeh Beuys, Juliano Mer-Khamis, Kamen Stoyanov - Roma Open Air Museum, Kempelen-Rekonstruktion, Kuratieren im Internet, Leben? Oder Theater?, Les disques du cr{\'e}puscule, Magazin, Memorial to the Iraq War, MindFrames, Moira Zoitl, New Directions from China - Medienkunst aus China, Peggy Meinfelder, Peter Watkins, Philip Scheffner, Politisierung der Gegenwartskunst, Ricarda Denzer, Robert Young Pelton, Ryan Gander, The Halfmoon Files - A Ghost Story, Wally Salner, Wesley Willis, William Pope, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift, ZKM Karlsruhe, [plug.in]},
	issn = {978-3-85256-386-2},
	url = {https://www.springerin.at/2007/3/},
	author = {Yvonne Volkart and Franz Thalmair and Julia Gwendolyn Schneider and Vill{\"o} Huszai and Rainer Bellenbaum and Krystian Woznicki and Christian H{\"o}ller and Irit Rogoff and Walter Seidl and Beti Zerovc and Dietrich Heissenb{\"u}ttel and Susanne Neuburger and Hedwig Saxenhuber and Tony Chakar and Benjamin Paul and Nicolas Siepen and Christa Benzer and Jochen Becker and Suzana Milevska and Angelika Richter and Bert Rebhandl and Christian Egger and J{\"o}rn Ebner and Michael Hauffen and Tan W{\"a}lchli and Yvonne P. Doderer and Kathi Hofer and Christiane Erharter and Eric Kluitenberg and Jens Kastner and Thomas Raab},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3035,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 04/2007},
	series = {Journal Welt},
	volume = {13},
	year = {2007},
	note = {Z Springerin 04/2007	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Journal Welt

Ein Jahr ist es her, dass an dieser Stelle schwerpunktm{\"a}{\ss}ig von theoretischen Leitmotiven der documenta 12 die Rede war. Ein Jahr, dass Fragestellungen in Bezug auf Moderne, Subjektstatus und Bildung mitunter auch eklatante Verschiebungen erfahren haben. Seither sind hier zahlreiche Beitr{\"a}ge zum Zeitschriftenprojekt der documenta 12 erschienen, und es wurde umgekehrt der Austausch mit anderen daran beteiligten Publikationen gesucht.

An dieser Stelle soll eine Art vorl{\"a}ufige Bilanz dieser Mehrwegkommunikation und ein aktualisierter Querschnitt aus den weltweit verstreuten Magazinen pr{\"a}sentiert werden. {\guillemotright}Journal Welt{\guillemotleft} geht dabei selbst spezifischen Motiven nach, so wie dies im offenen und verzweigten Pool des Magazinprojekts von Anfang an vorgesehen war. Die Frage des Publizierens etwa taucht in Bezug auf mehrere, nicht immer von Meinungsfreiheit gekennzeichnete Kontexte auf. So l{\"a}sst der Abriss {\"u}ber Online-Medien in S{\"u}dostasien (Keiko Sei) erkennen, welche Beitr{\"a}ge zu einem gr{\"o}{\ss}er angelegten und l{\"a}nger w{\"a}hrenden Demokratisierungsprozess kritische Kulturjournale insgesamt zu leisten imstande sind. Retrospektiv erschlie{\ss}t sich in dem Beitrag {\"u}ber die Magazinlandschaft in der T{\"u}rkei (S{\"u}reyyya Evren), welche vielf{\"a}ltigen Stadien selbstorganisiertes Publizieren in den knapp zwanzig Jahren, in denen dort von {\guillemotright}Gegenwartskunst{\guillemotleft} die Rede ist, durchlaufen hat.

Eine Art Submotiv, das sich konstant in unterschiedlichsten Zeitschriftenzusammenh{\"a}ngen findet, ohne eigens als solches hervorgehoben zu werden, betrifft die aktuelle Ausformung feministischer Praxisanbindung. Drei Schlaglichter auf diese global sehr ungleich und kontextsensitiv gef{\"u}hrte Diskussion sind hier wiedergegeben: zun{\"a}chst ein Debattenbeitrag zur Schleiermode in einem weitgehend muslimischen Land wie Indonesien (Nuraini Juliastuti), die mitnichten nur einem despotischen Islam geschuldet ist; eine soziografische Betrachtung zur Situation arbeitender Frauen in Nordkorea (Gwi-ok Kim), von wo selten genug detailgenaue Reportagen dieser Art zu vernehmen sind; und schlie{\ss}lich eine Medienanalyse der Darstellung {\guillemotright}leidender Frauen{\guillemotleft} in Algerien (Ghania Mouffok), wo die Schwelle erreicht scheint, Frau endlich auch im Singular wahrzunehmen.

{\guillemotright}Journal Welt{\guillemotleft} geht {\"u}ber die B{\"u}ndelung solch verwandter, entlegenen Magazinen entstammender Motive noch hinaus. So verdeutlicht sich in der eingehenden Studie eines Kunstwerks im {\"o}ffentlichen Raum der kamerunischen Stadt Douala (Christian Hanussek), welch subtile soziale Bruchlinien sich mitunter an einer einzelnen Arbeit festmachen lassen. Gesellschaftliche Vielheit als nicht mehr einholbarer Komplex ist es schlie{\ss}lich auch, welcher als Herausforderung f{\"u}r eine zeitgem{\"a}{\ss}e Kunstproduktion weiterhin ma{\ss}gebliche Fragen aufwirft (Marco Scotini).

{\guillemotright}Journal Welt{\guillemotleft} geht zuletzt ganz pers{\"o}nlichen Weltjournalen nach, sei es dem mittlerweile {\"u}ber f{\"u}nf Dekaden umfassenden Archiv des Filmemachers Chris Marker, aus dem hier Ausz{\"u}ge pr{\"a}sentiert sind, oder dem Werk des im August dieses Jahres verstorbenen slowakischen Konzeptualisten Juli{\'u}s Koller, an dessen singul{\"a}re k{\"u}nstlerische Weltsicht hier noch einmal eindringlich erinnert sei.},
	keywords = {3. Biennale f{\"u}r Videokunst, 9 Scripts from a Nation at War, Algerien, Andrea Geyer, Ashley Hunt, Chris Marker, Date Line {\textendash} Zeitgen{\"o}ssische Kunst des Pazifik, David Joselit, David Thorne, Emergency Biennale in Chechnya, Gesellschaftsbilder. Zeitgen{\"o}ssische Malerei, Hanna Hacker, Indonesien, J{\'u}lius Koller, Katya Sander, Kolonialisierung, Kunst im {\"o}ffentlichen Raum Afrikas, Magazin, Magazin{\"o}konomie, Marie-Luise Angerer, Mario Garcia Torres, muslimische Mode, Nachvollziehungsangebote, Nordkorea, Peter Friedl, postmodernes Mexiko, Punk, Romantischer Konzeptualismus, Sharon Hayes, Talking Pictures, Tue Greenfort {\textendash} Medusa, Wolfgang Tillmans, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-85256-387-9},
	url = {https://www.springerin.at/2007/4/},
	author = {Keiko Sei and Fran Ilich and Alessandro Ludovico and Nat Muller and Mariann Unterluggauer and Christian H{\"o}ller and Marco Scotini and Cynthia Chris and A. Morrisson and Nuraini Juliastuti and Gwi-ok Kim and Ghania Mouffok and S{\"u}reyyya Evren and Roland Sch{\"o}ny and Christian Hanussek and Ian H. Magedera and Georg Sch{\"o}llhammer and Julia Gwendolyn Schneider and Rainer Bellenbaum and Jens Kastner and Georg Sch{\"o}llhammer and Nat Muller and Michael Hauffen and Jens Emil Sennewald and Christian Egger and Christa Benzer and Andr{\'e} Rottmann and Susanne Lummerding and Ulrike Bergermann},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {zschocke_irritierte_2006,
	title = {Der irritierte Blick. Kunstrezeption und Aufmerksamkeit},
	year = {2006},
	note = {THE 09},
	publisher = {Wilhelm Fink},
	organization = {Wilhelm Fink},
	address = {M{\"u}nchen},
	abstract = {Uneindeutige, instabile und unplausible visuelle Ph{\"a}nomene werden als beunruhigende {\quotedblbase}Wahrnehmungsst{\"o}rungen{\textquotedblleft} oder visuelle {\quotedblbase}R{\"a}tsel{\textquotedblleft} empfunden und irritieren als solche. Im Kontext k{\"u}nstlerischer Wirkungsstrategien r{\"u}ckt die {\quotedblbase}visuelle Irritation{\textquotedblleft} nun ins Blickfeld kunstwissenschaftlicher Auseinandersetzung. Nina Zschocke legt erstmals eine Reflexion der j{\"u}ngsten Befunde der Neurowissenschaften auf hohem wahrnehmungs{\"a}sthetischen Niveau vor. Ihre Werkanalysen, die sich an den Theorieteil anschlie{\ss}en, beweisen die Triftigkeit der Fragestellung und die Anwendbarkeit des Ansatzes. Die Irritation als Folge eines k{\"u}nstlerisch intendierten Konfliktes im Prozess der visuellen Verarbeitung und Bedeutungszuschreibung charakterisierend, er{\"o}ffnet der Text eine aufschlussreiche Perspektive auf die vorgestellten Kunstwerke und dar{\"u}ber hinaus auf zentrale Positionen und Fragestellungen der modernen und zeitgen{\"o}ssischen Kunst.},
	keywords = {Anish Kapoor, Betrachter, Erleben, Fotografie, Irritation, James Turrell, Joan Fontcuberta, Josef Albers, k{\"u}nstlerische Strategie, Moderne Kunst, Op-Art, Sehen, Sonja Braas, Thomas Demand, visuelle Irritation, visuelle Ph{\"a}nomene, visuelle Wahrnehmung, Wahrnehmung, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {3-7705-4157X},
	author = {Nina Zschocke}
}
@book {redekker_hangart-7._2006-1,
	title = {Hangart-7. Edition 4. New York Contemporary: Art Times Squared},
	year = {2006},
	note = {BL 2006/13},
	publisher = {Red Bull Hangar-7},
	organization = {Red Bull Hangar-7},
	address = {Wien},
	keywords = {Ausstellung, New York, Salburg, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	editor = {Redekker, Lioba and Weissacher, Doris}
}
@book {_kunstforum._2006,
	title = {Kunstforum International 179/2006},
	series = {Zur Aktualit{\"a}t des Idyllischen 1},
	volume = {179},
	year = {2006},
	note = {Z Kunstforum 179/2006},
	publisher = {Kunstforum International },
	organization = {Kunstforum International },
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Zur Aktualit{\"a}t des Idyllischen 1

Eine Hochkonjunktur f{\"u}r Idylle konstatieren die Herausgeber dieser zweib{\"a}ndigen Dokumentation. Nach der Bl{\"u}te des bereits in der Antike begr{\"u}ndeten Konzepts des Idyllischen im 17.und 18.Jahrhundert zeichnet sich in der Gegenwartskunst eine verst{\"a}rkte Auseinandersetzung mit der Thematik ab, die von den Anfang 2000 in hoher Konjunktur stehenden neoromantischen Konzeptionen jedoch zu unterscheiden ist. In seinem einleitenden Beitrag skizziert Oliver Sybok die Entwicklung des Idyllischen von der Antike bis zur Gegenwart. Dem speziellen Ph{\"a}nomen der Idylle-Ironisierung in der Gegenwartskunst widmet sich Sven Dr{\"u}hl. Es folgt ein Block von vier Interviews: Markus Draper thematisiert gebrochene Idyllen, bei denen das Scheitern oder die Zerst{\"o}rung mit eingeschrieben sind. Lothar G{\"o}tz dagegen untersucht unter dem Blickwinkel des Idyllischen das Wechselspiel von {\"O}ffentlichkeit und Privatheit. Stefan K{\"u}rten fokussiert den R{\"u}ckzug ins Private und operiert motivisch an der Schwelle zum Schw{\"u}lstigen und Kitschigen. Mit den Kuratoren Max Hollein und Martina Weinhart werden die Begriffe Idylle und Romantik diskutiert in Hinblick auf die Ausstellung {\quotedblbase}Wunderwelten. Neue Romantik in der Kunst der Gegenwart{\textquotedblleft} in der Frankfurter Schirn Kunsthalle (12.5.-28.8.2005). Abschlie{\ss}end widmet sich Magdalena Kr{\"o}ner einer jungen deutschen Fotografen-Generation, die ihre Motive in der expliziten Hinwendung zu anti-idyllischen und banalen Orten findet. Zweiter Teil der Dokumentation in Band 180 (2006). },
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2006-1,
	title = {Kunstforum International 180/2006},
	series = {Zur Aktualit{\"a}t des Idyllischen 2},
	volume = {180},
	year = {2006},
	note = {Z Kunstforum 180/2006},
	publisher = {Kunstforum International },
	organization = {Kunstforum International },
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Zur Aktualit{\"a}t des Idyllischen 2

Der zweite Band der Dokumentation zum Thema {\quotedblbase}Aktualit{\"a}t des Idyllischen{\textquotedblleft} (erster Teil der Dokumentation in Band 179, 2006) stellt unter diversen Blickwinken k{\"u}nstlerische Ausarbeitungen vor und untersucht den Einfluss des Idyllischen in artverwandten Gebieten wie Literatur, Architektur, Musik, Computerspiel und Werbung. Den Einstieg liefert Markus Lohoff mit einem Beitrag {\"u}ber die motivgeschichtliche Ambivalenz von Idylle und Katastrophe in Fotografie, Film und Neuen Medien. Tilmann Baumg{\"a}rtel weist in der Motivik von Computerspielen zahlreiche Idylle-Bez{\"u}ge nach. Sven Dr{\"u}hl untersucht den Topos der Berglandschaft seit der Fr{\"u}hromantik. Gesonderte Beitr{\"a}ge widmen sich K{\"u}nstlern aus der Schweiz und aus Skandinavien sowie dem Idyllischen im Kontext zeitgen{\"o}ssischer Architektur und in der Alltags{\"a}sthetik. Wie sich der Begriff des {\quotedblbase}Idyllischen{\textquotedblleft} in der klassischen Musik niedergeschlagen hat und welche Auswirkungen sich im 1970er Krautrock und den elektronischen Experimenten von {\quotedblbase}The Orb{\textquotedblleft} nachweisen lassen, erl{\"a}utert Honke Rambow. Doris Hildesheim konzentriert sich im Bereich der Literatur auf das Werk Friedrich Schillers. Und weil die Idylle eng mit Gl{\"u}cksvorstellungen verbunden ist, fragt Oliver Zybok abschlie{\ss}end: {\quotedblbase}Was ist Gl{\"u}ck?{\textquotedblleft} 


4. Berlin Biennale

Ausf{\"u}hrlich widmet sich dieser Band der 4. berlin biennale. Von der Bundeskulturstiftung mit 2.5 Millionen Euro gef{\"o}rdert, pr{\"a}sentierte das Kuratorentrio Massimiliano Gioni, Ali Subotnick und Mauricio Cattelan {\quotedblbase}Von Menschen und M{\"a}usen{\textquotedblleft} an verschiedenen Orten in der Stadt. Wolfgang Tr{\"a}ger hat die Ausstellung mit der Kamera besucht, Thomas Wulffen Kommentare zu den K{\"u}nstlern und der Gesamtveranstaltung verfasst. Ihre Einsch{\"a}tzung dieser Biennale, auch im Kontext anderer Biennalen, geben K{\"u}nstler, Sammler, Kuratoren und Kritiker in einer abschlie{\ss}enden Kurzbefragung. Zur berlin biennale siehe auch die B{\"a}nde 142 (1998), 143 (1998), 169 (2004) und 191 (2008). 
},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2006-2,
	title = {Kunstforum International 181/2006},
	series = {Die Kunst der Selbstdarstellung},
	volume = {181},
	year = {2006},
	note = {Z Kunstforum 181/2006},
	publisher = {Kunstforum International},
	organization = {Kunstforum International},
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Die Kunst der Selbstdarstellung

Auf Andy Warhols pointierten Ausspruch {\quotedblbase}Jeder Mensch kann f{\"u}r 15 Minuten ein Star sein{\textquotedblleft} folgte ein bis heute ungebrochener Herdentrieb an Aufmerksamkeitssucht nach Ruhm, Ehre und Karriere. Ob eitle Bohemiens, mittelm{\"a}{\ss}ige Schauspieler, ruhms{\"u}chtige {\quotedblbase}Superstars{\textquotedblleft} oder dumpfe Kleinb{\"u}rger {\textendash} alle zappeln sie an den kurzen F{\"a}den der herrschenden Medienverh{\"a}ltnisse. Vom Zeitgeist verf{\"u}hrt, bleibt f{\"u}r die Selbstdarsteller in Film, Literatur, Pop, Politik, Lifestyle, Mode oder Kunst heute nur noch die Frage nach der richtigen Selbstinszenierung. Gegen{\"u}ber diesem Massenph{\"a}nomen will der von Paolo Bianchi herausgegebene Band {\quotedblbase}Die Kunst der Selbstdarstellung{\textquotedblleft} die qualitative Potenzierung des Ph{\"a}nomens zur Sprache bringen. Ausgehend von der Annahme, dass Selbstdarstellungen ohne Kunst nichts anderes als Eitelkeit und Egozentrik ergeben, lautet seine Frage: Liegt einer Selbstdarstellung die Kunst zugrunde? Neben theoretischen Beitr{\"a}gen wie Jean Baudrillards {\quotedblbase}Lob der Singularit{\"a}t{\textquotedblleft}, Irene Schubigers Aufsatz {\"u}ber {\quotedblbase}Selbstdarstellung in der Videokunst der 70er und 80er Jahre{\textquotedblleft} oder Hans-J{\"u}rgen Wirths Ausf{\"u}hrungen {\"u}ber {\quotedblbase}Die Macht und das Selbst{\textquotedblleft} werden einzelne k{\"u}nstlerische Positionen vorgestellt. Gemeinsam mit Gerhard Johann Lischka hat der Herausgeber zudem Statements zum Selbst von 22 Autoren zusammengetragen. Zum Thema siehe auch {\quotedblbase}Das Selbstportr{\"a}t{\textquotedblleft} (Band 14, 1975). 


Die Genres der Fotografie 2

Die mehrteilige Reihe {\quotedblbase}Die Genres der Fotografie{\textquotedblleft} ist angelegt als eine Serie von Gespr{\"a}chen mit Fotografen, die ihr Metier jeweils ganz anders interpretieren und auch verschiedene {\quotedblbase}Genres der Fotografie{\textquotedblleft} bedienen. Interviewt hat Heinz-Norbert Jocks f{\"u}r die vorliegende Folge den ber{\"u}hmten Reportagefotografen Robert Lebeck, der einst im Auftrag des STERN um den ganzen Globus reisend, das Gl{\"u}ck des Zufalls herausforderte. In Paris traf der Autor die konzeptuell arbeitende Fotografin Sophie Ristelhueber, die von Bombardierungen gezeichnete Landschaften oder die Verwundungen menschlicher Haut festh{\"a}lt. Schlie{\ss}lich sprach er mit dem Fotografen und Filmemacher Jaroslav Poncar, der in Afrika und arabischen L{\"a}ndern Menschen und Landschaften fotografierte und in Asien diverse Projekte zur Dokumentation von Kulturdenkm{\"a}lern durchf{\"u}hrte. Zur Reihe {\quotedblbase}Die Genres der Fotografie{\textquotedblleft} geh{\"o}ren die B{\"a}nde 175 (2005) und 182 (2006).},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2006-3,
	title = {Kunstforum International 182/2006},
	series = {Die dritte Haut: H{\"a}user 1},
	volume = {182},
	year = {2006},
	note = {Z Kunstforum 182/2006},
	publisher = {Kunstforum International },
	organization = {Kunstforum International },
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Die dritte Haut: H{\"a}user 1

In dieser auf zwei B{\"a}nde angelegten Dokumentation (siehe auch Band 184, 2007) widmet sich Herausgeber J{\"u}rgen Raap nicht der Haus-Kultur im architektonischen Sinne. Ja, der bauk{\"u}nstlerisch-gestalterische Aspekt bleibt in den vorliegenden Darstellungen ausdr{\"u}cklich ausgeklammert. Ausgangspunkt von Raaps Untersuchung zum Thema {\quotedblbase}Haus{\textquotedblleft} ist vielmehr die H{\"a}uslichkeit als zentrales Merkmal menschlicher Existenz. Denn ein Haus ist mehr als nur eine praktisch nutzbare architektonische H{\"u}lle: K{\"u}nstler haben immer wieder utopische Visionen artikuliert und phantastische Gebilde geschaffen, die allenfalls begehbar, aber nicht bewohnbar oder lediglich als Skulptur gedacht sind. Angesprochen werden in dieser Dokumentation daher Themen wie die sakrale Bedeutung, das Verh{\"a}ltnis von Mensch und Raum, oder die Poetisierung des Bauens. Der kunstgeschichtliche Bogen reicht von sakralen kultischen Objekten bis hin zu den gestaltpsychologischen und konstruktivistisch-formal{\"a}sthetischen Konzeptionen in der zeitgen{\"o}ssischen Bildhauerei und Installationskunst. 


Die Genres der Fotografie 3

Die von Heinz-Norbert Jocks herausgegebene Reihe {\quotedblbase}Die Genres der Fotografie{\textquotedblleft} ist angelegt als eine Folge von Gespr{\"a}chen mit Fotografen, die ihr Metier jeweils ganz anders interpretieren und auch aus unterschiedlichen Gr{\"u}nden zur Fotografie gekommen sind. Um die Komplexit{\"a}t des fotografischen Blicks nicht auf den so genannten k{\"u}nstlerischen zu reduzieren, bezieht die Serie s{\"a}mtliche {\quotedblbase}Genres der Fotografie{\textquotedblleft} mit ein. F{\"u}r die dritte Folge der Serie interviewte Heinz-Norbert Jocks William Klein, G{\"u}nther Uecker und Rosemarie Laing. Zur Reihe {\quotedblbase}Die Genres der Fotografie{\textquotedblleft} geh{\"o}ren die B{\"a}nde 175 (2005) und 181 (2006). 


Quadriennale D{\"u}sseldorf

Die Quadriennale D{\"u}sseldorf ist ein ambitioniertes Projekt, mit dem die Rheinmetropole, die mit 16 Museen und Ausstellungsh{\"a}usern sowie ihrer renommierten Kunstakademie die nach eigenen Angaben {\quotedblbase}weltweit gr{\"o}{\ss}te Dichte{\textquotedblleft} an Museen und Kulturinstituten besitzt und in der Kunst, Mode, Werbung und Wirtschaft zu einer einzigartigen Mischung zusammengefunden haben, auf ihr Potenzial in Sachen Kunst aufmerksam machen will. Im Mittelpunkt der ersten Quadriennale 2006 steht der {\quotedblbase}K{\"o}rper{\textquotedblleft}. Amine Haase hat sich die vier Hauptausstellungen von Caravaggio, Francis Bacon, Bruce Nauman und Teresa Margolles angesehen und reflektiert unter der {\"U}berschrift {\quotedblbase}Das Sch{\"o}ne und das Monstr{\"o}se{\textquotedblleft} {\"u}ber die Aspekte Gewalt, Schmerz, Trauer und Tod im Werk der K{\"u}nstler. Mit der Mexikanerin Teresa Margolles f{\"u}hrte die Autorin zudem ein Gespr{\"a}ch {\"u}ber den Themenkomplex.},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {_kunstforum._2007,
	title = {Kunstforum International 183/2006},
	series = {Biennalen},
	volume = {183},
	year = {2006},
	note = {Z Kunstforum 183/2006},
	publisher = {Kunstforum International },
	organization = {Kunstforum International },
	address = {Ruppichteroth},
	abstract = {Biennalen
Shanghai, Singapur, S{\~a}o Paulo

Der weltweite Biennale-Boom ist ungebrochen. Immer neue Gro{\ss}ausstellungen werden aus der Taufe gehoben, so dass oft eine Er{\"o}ffnung auf die andere folgt. W{\"a}hrend anfangs der 90er Jahre Profis der Kunstszene noch problemlos alle bedeutenden Biennalen besuchen konnten, ist dies heute selbst mit bestem Zeitmanagement nicht mehr m{\"o}glich. Vor diesem Hintergrund gewinnen substanzielle Dokumentationen von Biennalen zunehmend an Bedeutung. Zwar werden die internationalen Gro{\ss}ausstellungen immer wieder aus den verschiedenen Gr{\"u}nden kritisiert (so etwa als austauschbar oder {\quotedblbase}Ausstellungen von Kuratoren f{\"u}r Kuratoren{\textquotedblleft}), doch der differenzierte Blick auf die einzelnen Veranstaltungen vermittelt ein anderes Bild. In diesem Band sind umfangreiche Berichterstattungen in Text und Bild von gleich vier Biennalen zu finden: der Shanghai Biennale, der Premiere der Singapur Biennale, der zweiten, von Okwui Enwezor kuratierten Biennale von Sevilla sowie der altehrw{\"u}rdigen, aber mit der 27. Ausgabe neu strukturierten Biennale von S{\~a}o Paulo. Schlie{\ss}lich berichtet Susanne Boecker von der 3.Konferenz {\quotedblbase}Biennalen im Dialog{\textquotedblleft}. Zu vorherigen Konferenzen siehe die B{\"a}nde 152 (2000) und 161 (2002). 


Shanghai {\textendash} Die Erfindung der Zukunft

Boomtown oder Babel {\textendash} Shanghai hat sich zu einer rasant wachsenden Metropole voller Gleichzeitigkeiten und Widerspr{\"u}che entwickelt. Nicht zuletzt durch den Erfolg der chinesischen Gegenwartskunst ist die Stadt mehr und mehr in den Fokus der internationalen (Kunst-)Aufmerksamkeit ger{\"u}ckt. F{\"u}r KUNSTFORUM Anlass genug, der Kunstszene der asiatischen Metropole eine Titel-Dokumentation zu widmen. In ihrem Essay {\"u}ber Shanghai als Matrix kultureller Produktion richtet Herausgeberin Magdalena Kr{\"o}ner den Blick auf die Stadt vor dem Hintergrund historischer, politischer und urbaner Ver{\"a}nderungen. In einem zweiten Block fokussiert sie die aktuelle Kunstszene Shanghais. Speziell f{\"u}r KUNSTFORUM kamen erstmalig die Leiter der wichtigsten Museen f{\"u}r zeitgen{\"o}ssische Kunst in der Stadt zusammen. Das kontroverse Roundtable-Gespr{\"a}ch zur Situation stellte f{\"u}r alle Beteiligten eine Premiere dar. Unternommen hat die Herausgeberin nat{\"u}rlich auch einen ausgiebigen Rundgang durch Galerien, Off-R{\"a}ume und zu unabh{\"a}ngigen K{\"u}nstlerzusammenschl{\"u}ssen. Den Schwerpunkt der Dokumentation bilden K{\"u}nstlerinterviews, wobei neben internationalen Stars auch junge Nachwuchsk{\"u}nstler vorgestellt werden. Zwei Essays {\"u}ber Shanghai als Filmstadt und Filmtopos sowie {\"u}ber Literatur made in Shanghai runden das Bild der Stadt als Kulturmetropole ab. Zum Thema chinesische Kunst siehe auch {\quotedblbase}Im Blickpunkt: China{\textquotedblleft}, Band 173 (2005) sowie {\quotedblbase}Ankunft in Peking{\textquotedblleft} (Band 193, 2008) und {\quotedblbase}K{\"u}nstler in Peking{\textquotedblleft} (Band 194, 2008).},
	keywords = {21. Jahrhundert, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	author = {Dieter Bechtloff Hg.}
}
@book {grzinic_mind_2006,
	title = {Mind the map! History is not given},
	year = {2006},
	note = {THE 659},
	publisher = {Revolver},
	organization = {Revolver},
	address = {Frankfurt am Main},
	abstract = {This book is published on the occasion of the international and interdisciplinary symposium "Mind the Map! - History Is Not Given" that took place in Leipzig from 13th - 16th October 2005. "Mind the Map! - History Is Not Given" is a project by the Institute of Theater Studies of the University of Leipzig, initiated by Irwin, Slovenia, and "relations". 

The symposium  "Mind the Map! - History Is Not Given" is also a part of the East Art Map project by Irwin (for Irwin Miran Mohar, Andrej Savski and Borut Vogelnik).},
	keywords = {Concept-art, Gesellschaft, Kongress, Kunstkritik, Kunsttheorie, Leipzig, Politik, politische Kunst, Postkommunismus, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {3-86588-165-3},
	author = {Klingan, Katrin and W{\'o}jtowicz, Ewa and Stamenkovic, Marko and Grabner, Roman and Tatlic, Sefik Seki and Dietze, Antje and Wehren, Michael and Peitler, Mirjana and Cvejic, Bojana and Mayer, Ralo and Haupt, Philipp and Zydorowicz, Jacek and Koch, Alexander and Kaluza, Karoline and Winterhagen, Marc Tobias and Wilton, Rebecca and von Wedemeyer, Clemens and Vujanovic, Ana and Vogelnik, Borut and Vishmidt, Marina and Suvakovic, Misko and Stefanowa, Maya and Rossmanith, Florian and Rogozinska, Anna and Reinartz, Manuel and Reimann, Fabian and Prager, Willy and Plischke, Thomas and Pasquinelli, Matteo and Odazhieva, Mila and Naujoks, Christian and Mohar, Miran and Mathias, Emanuel and Lotz, Hans-Christian and Koehn, Maria Magdalena and Koch, Alexander and Klingan, Katrin and Kireev, Oleg and Kaluza, Karoline and Heeg, G{\"u}nther and Grzinic, Marina and Grumm, Lina Maria and Govedic, Natasa and Goutos, Konstantinos A. and Gbadamosi, Raimi and Gancheva, Greta and Frassanito Network and Forkert, Kirsten and Fenz, Werner and Fehr, Michael and Etc{\'e}tera and Dziamski, Grzegorz and Dre{\ss}en, Markus and Doebelt, Sylvia and Dietze, Anja and Deufert, Kattrin and Degot, Ekaterina and Cvejic, Bojana and Chukhrov, Keti and Bunta, Ales and von Bismarck, Beatrice and Amiel, Diane},
	editor = {Grzinic, Marina and Heeg, G{\"u}nther and Darian, Veronika}
}
@book {3047,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 03/2006},
	series = {Working Poor},
	volume = {12},
	year = {2006},
	note = {Z Springerin 03/2006	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Working Poor

Armut und soziale Benachteiligung geh{\"o}ren allenfalls zu den thematischen Randbereichen der Gegenwartskunst. Zwar hat die Repolitisierungswelle der letzten Dekade vielerlei sozial engagierte Ans{\"a}tze hervorgebracht. Doch ergehen sich diese meist eher in einer Art Wohlfahrtskunst anstatt analytische, k{\"u}nstlerische-ALS-politische Kategorien zu entwickeln. Selten nur kommen dabei die gesellschaftlichen Verh{\"a}ltnisse en gros, geschweige denn die Lebensumst{\"a}nde des unteren Drittels der arbeitenden Bev{\"o}lkerung in den Blick.

Die vorliegende Ausgabe fragt nach der Relevanz der Kategorie {\guillemotright}Working Poor{\guillemotleft} {\textendash} nicht nur im Hinblick auf gesamtgesellschaftliche Produktionsverh{\"a}ltnisse, sondern speziell auch in Bezug auf ihre kulturellen Verk{\"o}rperungen. Gerne ist heute von der {\guillemotright}Prekarisierung{\guillemotleft} aller sozialen Sicherheiten die Rede, doch was bedeutet dies f{\"u}r die davon innerhalb wie au{\ss}erhalb des Kulturbereichs Betroffenen? Der italienische Theoretiker Paolo Virno befasst sich l{\"a}nger schon mit der
laufenden Umstrukturierung der Arbeitsbeziehungen, und im Interview mit Klaus Ronneberger erkl{\"a}rt er, wie aus der gerne beschworenen {\guillemotright}prekarisierten Multitude{\guillemotleft} ein z{\"u}ndender
politischer Funke entstehen k{\"o}nnte. Beitr{\"a}ge zum Wandel des
Bildes ehemals sozialistischer ArbeiterInnen sowie die anstehende Aktualisierung der Frage {\guillemotright}Was tun?{\guillemotleft}, in diesem Fall veranschaulicht durch eine Aktion der russischen K{\"u}nstlerInnen-Gruppe Chto delat, runden diese Sektion ab.

{\guillemotright}Working Poor{\guillemotleft} als Ausgangspunkt f{\"u}hrt unweigerlich zu der Frage nach den Parametern einer Kunst, die sich der umrissenen Thematik ohne Anma{\ss}ung und Sozialromantik stellt. S{\"u}reyyya Evren f{\"u}hrt im R{\"u}ckgriff auf Foucault eine Reihe von Kriterien an, die eine solche {\textendash} schwer zu realisierende {\textendash} Kunst idealerweise kennzeichnen. Begleitend gibt es Features zu Projekten {\"u}ber die neue venezolanische Arbeiter-Selbstverwaltung, {\"u}ber afro-europ{\"a}ische Beziehungen auf revidierter wirtschaftlicher Basis sowie zu einem stadtteilbezogenen Computerspiel mit dem Fokus Migration. Schlie{\ss}lich dokumentiert die Fotostrecke {\guillemotright}Jax Carwash{\guillemotleft} von Annette Weisser und Ingo Vetter, inwiefern sich die Arbeitsverh{\"a}ltnisse in einer ehemaligen Hochburg des industriellen Kapitalismus (dem US-amerikanischen Detroit) verfl{\"u}ssigt haben.

Das Syndrom {\guillemotright}Working Poor{\guillemotleft} macht aber nicht Halt bei ehemals abgesicherten sozialen Positionen, und so ergibt der Blick {\"u}ber die hier diskutierten Kunstprojekte hinaus, dass die Kategorie l{\"a}ngst nicht mehr milieum{\"a}{\ss}ig einzugrenzen ist.},
	keywords = {40jahrevideokunst.de, 5 Fabriken, An American Family, Bernd Krau{\ss}, Blows into microphone: It is all right? Voice off mike: It{\textquoteright}s all right. Pause. h.f, Canada Dreaming, Clemens von Wedemeyer, Daria Martin, Dario Azzellini, Dave Hullfish Bailey, D{\'e}berlinisation, Edward Krasinski, Jason Simon, Jeroen de Rijke, Jo Spence, Kontakt, La Fiambrera Obrera, Linder, Magazin, MAN OS 1 / extraordinateur, Mansour Ciss, Mario Navarro, MOSZ, Oliver Ressler, Paolo Virno, Periferic 7 - Focussing Iasi, Radical Closure, russische Revolution, Sexy Mythos, Soros-Realismus, Sozialistischen Realismus, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {3-85256-355-0},
	url = {https://www.springerin.at/2006/3/},
	author = {Vera Tollmann and Alessandro Ludovico and Marina Grzinic and Christina Nemec and Petra Erdmann and Christiane Fricke and Christian H{\"o}ller and Klaus Ronneberger and Dmitri Vilensky and David Riff and Klaus Ronneberger and Ana Peraica and Monika Vykoukal and S{\"u}reyyya Evren and Jens Kastner and Dietrich Heissenb{\"u}ttel and Krystian Woznicki and Annette Weisser and Ingo Vetter and Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Christopher Williams and Manuela Sch{\"o}pp and Elena Zanichelli and Ruth Sonderegger and Cosmin Costina{\c s} and Cordula Daus and Alexander Koch and Hias Wrba and Cynthia Chris and Tanja Widmann and Dietmar Schw{\"a}rzler and Ileana Pintilie and Christa Benzer and Victoria Romei and Thomas Edlinger and Judith Fischer and Martin Reiterer and Jens Kastner},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {3046,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 04/2006},
	series = {Taktiken/Topografien},
	volume = {12},
	year = {2006},
	note = {Z Springerin 04/2006	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Taktiken/Topografien

Taktik, schrieb der franz{\"o}sische Philosoph Michel de Certeau einmal, ist {\guillemotright}ein Kalk{\"u}l, das nicht mit etwas Eigenem rechnen kann und somit auch nicht mit einer Grenze, die das Andere als eine sichtbare Totalit{\"a}t abtrennt{\guillemotleft}. Taktiken, ob als k{\"u}nstlerischer Ansatz oder politisches Prozedere verstanden, m{\"u}ssen sich demnach dem Vorhandenen stellen, m{\"u}ssen mit gegebenen Zeit- und Raumbedingungen Vorlieb nehmen, ohne dass die Bereiche von Identit{\"a}t und Differenz dabei klar voneinander getrennt w{\"a}ren. Fragen von Bereichsgrenzen bzw. deren {\"U}berschreitung k{\"o}nnen folglich erst relevant werden, sobald ein taktisches Kalk{\"u}l auf ein bestimmtes Raum-Zeit-Gef{\"u}ge Anwendung findet.
Das Heft {\guillemotright}Taktiken/Topografien{\guillemotleft} greift diesen Gedanken de Certeaus auf und versucht, ihn entlang politischer und kultureller Dimensionen weiterzudenken. In Bezug auf ersteren Aspekt {\"u}berrascht es beispielsweise nicht wenig, dass taktische Vorgehensweisen, etwa gegen Terror und {\"a}u{\ss}ere Bedrohungen, heute mit umso letalerer Pr{\"a}zision operieren, je {\guillemotright}humanit{\"a}rer{\guillemotleft} sich ihr Anliegen geriert. Eyal Weizman belegt dies detailgenau mit einem Auszug aus seinem aktuellen Rechercheprojekt zur israelischen Sicherheits- und Territorialpolitik.
Demgegen{\"u}ber haben k{\"u}nstlerische Landvermessungen, etwa wenn es um historisch vorbelastete Orte geht, stets einen Blick f{\"u}r das Besondere, Singul{\"a}re zu entwickeln versucht. Die Fotografien des 2003 verstorbenen Schriftstellers Heimrad B{\"a}cker f{\"u}hren dies in Bezug auf das Konzentrationslager Mauthausen markant vor Augen, wobei gerade deren {\guillemotright}nachgehende Form{\guillemotleft}, die Spuren- und Umrisssuche im Hinblick auf eine todbringende Moderne, frappieren.
Den Formenvokabularen der Moderne bzw. ihrer heutigen Anwendbarkeit geht eine Reihe weiterer Beitr{\"a}ge nach, sei es in Bezug auf den russischen Revolutionsfilm oder die Widerst{\"a}nde, die sich der Musealisierung eines Auteurs wie Jean-Luc Godard entgegenstellen. Ein spezielles Zeitfenster er{\"o}ffnet das Feature {\"u}ber das marokkanische Magazin {\guillemotright}Souffles{\guillemotleft}, das in den sp{\"a}ten 1960er Jahren eines der f{\"u}hrenden Organe der maghrebinischen Intelligenzija war. Als kulturelles {\guillemotright}Topogramm{\guillemotleft} veranschaulicht es nicht nur die spezifische Situiertheit des damit assoziierten K{\"u}nstlerInnen-Kreises, sondern auch die Beharrlichkeit, mit der taktische Ans{\"a}tze sich den misslichen Gegebenheiten ihres Umfeldes zu stellen haben.
Mit {\guillemotright}Taktiken/Topografien{\guillemotleft} beginnen wir schwerpunktm{\"a}{\ss}ig eine Auseinandersetzung mit zentralen Leitmotiven der documenta 12, in diesem Fall der Frage {\guillemotright}Ist die Moderne unsere Antike?{\guillemotleft}, die in der n{\"a}chsten Ausgabe unter dem Motto {\guillemotright}Andere Modernen{\guillemotleft} weitergef{\"u}hrt wird.},
	keywords = {Cadaquez/Spain, Christoph Wachter, Club Mediterran{\'e}, Das Achte Feld, Digitale Kunst, Dziga Vertov, EASTinternational 2006, Eske Schl{\"u}ters, Eyal Weizman, Interferenze-Festival 2006, Isa Genzken, James Cauty, Jean-Luc Godard, Kunstraum Innsbruck, Kurt Kren, Lee Lozano, Magazin, Mathias Jud, Melik Ohanian, paraflows 06, Penelope Georgiou, R{\'o}za El-Hassan, Rumor, Soleil Noir. Depression und Gesellschaft, Souffles, Stefanie Seibold, Verborgene Geschichte/n - remapping Mozart, Walter Benjamin, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift, Zone*Interdite},
	issn = {3-85256-356-9},
	author = {Thomas Edlinger and Vill{\"o} Huszai and Alessandro Ludovico and Christa Benzer and Herwig G. H{\"o}ller and Benjamin Paul and Christian H{\"o}ller and Eyal Weizman and Georg Sch{\"o}llhammer and Beti Zerovc and Hedwig Saxenhuber and Dietmar Schw{\"a}rzler and Jason Simon and Christa Bl{\"u}mlinger and Martin Beck and Toni Maraini and Jochen Becker and Markus Weisbeck and D{\'o}ra Hegyi and Yvonne P. Doderer and Monika Vykoukal and Martin Beck and Max Hinderer and Christa Benzer and Petra L{\"o}ffler and Susanne Neuburger and Annett Busch and Annett Busch and Jens Kastner and Gislind Nabakowski and Andr{\'e} Rottmann and Krystian Woznicki},
	editor = {Christian H{\"o}ller and Hedwig Saxenhuber and Georg Sch{\"o}llhammer}
}
@book {_uta_2005,
	title = {Art now. The new directory to 136 international contemporary artists},
	year = {2005},
	note = {THE 473},
	publisher = {Taschen},
	organization = {Taschen},
	address = {K{\"o}ln},
	keywords = {21. Jahrhundert, Biographie, Geschichte 2000-2004, Kunst, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	editor = {Uta Grosenick}
}
@book {3146,
	title = {ich war{\textasciiacute}s. Tagebuch 1900-1999},
	year = {2005},
	note = {BELL 14},
	publisher = {Revolver},
	organization = {Revolver},
	abstract = {Das Projekt ich war{\textquoteright}s von Daniela Comani existiert in zwei Varianten: der vorliegenden Publikation sowie einer Audioinstallation. Die beiden unterschiedlichen Artikulations- bzw. Publikationsformate repr{\"a}sentieren zwei verschiedene k{\"u}nstlerische Umgangsweisen mit einem identischen Text.

Jener Text basiert auf einer Zusammenstellung von bereits ver{\"o}ffentlichtem Material. F{\"u}r jeden Tag eines imagin{\"a}ren Jahres hat Daniela Comani Vermerke {\"u}ber ein jeweils spezifisches Ereignis aus dem Zeitraum eines Jahrhunderts (1900 {\textendash} 1999) zusammengetragen. Diese 365 Notizen sind den Daten 1. Januar bis 31. Dezember zugeordnet. Die Ereignisse, von denen viele historisch relevant sind, andere wiederum auf allt{\"a}gliche Lebenszusammenh{\"a}nge verweisen, werden sprachlich in der ersten Person Singular vorgetragen. Dadurch erh{\"a}lt der gesamte Text die Anmutung eines pers{\"o}nlichen Tagebuchs, das sich {\"u}ber den
Zeitraum eines Jahres erstreckt.

Die Reihenfolge der Jahre und der Ereignisse ist nicht chronologisch. Ein {\"U}berblick der realen Reihenfolge der Jahre k{\"o}nnen einer Chronologie im Anhang des Buches entnommen werden.

Die Auswahl der Ereignisse folgt keinen Kriterien offizieller Geschichtsschreibung, sondern ist sehr pers{\"o}nlich. Durch die individuell motivierte Auswahl der Fakten entsteht eine Art Wirbel der Ereignisse. Namen, Orte {\"a}ndern sich, Handlungen wiederholen sich: Entdeckungen, Erfindungen, Wahlen, Regierungswechsel, gef{\"u}hrte Kriege, Ermordungen, Neugeborene, Menschenraube, etc. {\textellipsis} Der Ich-Erz{\"a}hler, bzw. die Ich-Erz{\"a}hlerin l{\"a}uft fast wie au{\ss}er Atem {\textendash} als T{\"a}ter und als Opfer {\textendash} durch die Geschichte eines Jahrhunderts, Ihres Jahrhunderts.},
	keywords = {21. Jahrhundert, Audioinstallation, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {3-86588-138-6},
	author = {Daniela Comani}
}
@book {3048,
	title = {Springerin. Hefte f{\"u}r Gegenwartskunst 02/2005},
	series = {Freund Feind},
	volume = {11},
	year = {2005},
	note = {Z Springerin 02/2005	
},
	publisher = {Folio Verlag},
	organization = {Folio Verlag},
	address = {Wien},
	abstract = {Freund Feind

{\guillemotright}Freund{\guillemotleft} und {\guillemotright}Feind{\guillemotleft} als operative Gr{\"o}{\ss}en in der Kunst? Selten werden die Verh{\"a}ltnisse so deutlich beim Namen genannt, selten auch werden Feind- oder Freundbilder zu expliziten Bestandteilen k{\"u}nstlerischer Verfahren. Genauso wenig versucht man sich dar{\"u}ber zu verst{\"a}ndigen, welche kulturellen Allianzbildungen bzw. unausgesprochenen Animosit{\"a}ten Grundlagen der Kunstbetrieblichkeit bilden {\textendash} zumindest jener, der prim{\"a}r an der Verteidigung bestimmter Privilegien gelegen ist.
{\guillemotright}Freund{\guillemotleft} und {\guillemotright}Feind{\guillemotleft} einmal weniger als grundlegend politische, sondern vielmehr kulturbetriebliche Prinzipien? Viel ist heute wieder vom {\guillemotright}Ausnahmezustand{\guillemotleft} die Rede als jener neuen alten politischen Realit{\"a}t, die Freund- und Feindschaft im fortw{\"a}hrenden Souver{\"a}nit{\"a}tsbestreben zu definieren versucht, ja die Welt nach diesen Kriterien neu aufteilt. Aber welche Resonanzen findet dies im kulturellen Feld {\textendash} Resonanzen, die mehr als blo{\ss} moralisch-reaktiv sind, die sich vielmehr einer {\"u}bergreifenden R{\"a}son bedienen und dem Souver{\"a}nit{\"a}tsansinnen entgegenarbeiten?
Die Beitr{\"a}ge dieses Heftes gehen dieser neuen Art von kritischer R{\"a}son auf vielf{\"a}ltige Weise nach, ja widmen sich explizit den Freund- und Feindschaftskonstruktionen, wie sie selbst im liberalsten Kultursektor am Werk sind. Gefragt wird nicht nur nach den Einschlie{\ss}ungs- und Ausschlie{\ss}ungsprinzipien im neuen Europa bzw. welche Rolle eine {\guillemotright}Europa-freundliche{\guillemotleft} Kunst f{\"u}r den Integrationsprozess spielt, sondern auch, mit welchen Projektionen und Bevormundungen Szenen, die an der Schwelle zu diesem Europa stehen (etwa die t{\"u}rkische), zu k{\"a}mpfen haben. Dass ehemals {\guillemotright}osteurop{\"a}ische{\guillemotleft} Kunst nicht alleine mit patriarchalen Zuschreibungen aus dem Westen, sondern verst{\"a}rkt auch gegen innernationale Hindernisse zu k{\"a}mpfen hat, wird ebenso abgehandelt wie das neu erwachte Interesse f{\"u}r Ph{\"a}nomene des {\guillemotright}Populismus{\guillemotleft} diesseits und jenseits der alten Demarkationslinien.
Ein eigener kleiner Fokus dieses Heftes gilt der Kunstszene Beiruts. In einer Reportage vor Ort sowie einem ausf{\"u}hrlichen Bildbeitrag des Beiruter K{\"u}nstlers Akram Zaatari bildet sich eine komplexe kulturelle Gemengelage ab, die immer noch von Bedrohungsbildern aller Art gekennzeichnet ist. Auch hier stellt sich als Kernfrage: Welche Alternativen, welche Ausstiegsszenarien zum allseits beschworenen Ausnahmezustand k{\"o}nnen Kunst und Kultur anbieten? Wie hartn{\"a}ckig behaupten sich Freund- und Feindbilder {\textendash} gerade solche, die man l{\"a}ngst f{\"u}r {\"u}berwunden hielt?},
	keywords = {51. Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, Akram Zaatari, Alexander Stublic, bankleer, Bilder verkehren, core, Corinna Schnitt, cube, Dirty Old Women, Dolores, Enthusiasm, Geschichte Geschichte, Gustav Metzger, Hans Nev{\'\i}dal, Heike Wiermann, Herman Melville, Holger Mader, How to fix the World, Ines Doujak, Jacqueline Goss, J{\'u}lius Koller, Katrina Daschner, Kirsten Pieroth, Little Warsaw, Magazin, Marysia Lewandowska, Musik, Neil Cummings, Non Stop, Phil Collins, Populismus, Prima Leben, Projektionen zum 10. Mai, RAF, Softwarekunst, Therefore Beautiful, t{\"u}rkische Kunstszene, yeah.....you; baby you, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {3-85256-305-4},
	url = {https://www.springerin.at/2005/2/},
	author = {Nat Muller and Vera Tollmann and Yvonne Volkart and Patricia Dr{\"u}ck and Christian H{\"o}ller and Jens Kastner and Ariane M{\"u}ller and Nicolas Siepen and Ana Peraica and Edit Andr{\'a}s and Jan Verwoert and Ines Doujak and Gislind Nabakowski and Dietrich Heissenb{\"u}ttel and Jir{\'\i} Olic and Doro Wiese and Melanie Ohnemus and Christa Benzer and Yvonne P. Doderer and Georg Sch{\"o}llhammer and Christian Kravagna and J{\"o}rn Ebner and Barbara Wurm and Hedwig Saxenhuber and Thomas Edlinger and Nicola Hirner and Ronald D{\"u}ker and Krystian Woznicki and Christian H{\"o}ller Hg. and Hedwig Saxenhuber Hg. and Georg Sch{\"o}llhammer Hg.}
}
@book {groys_uber_????,
	title = {ARTIS. Zeitschrift f{\"u}r Neue Kunst},
	series = {Geh ins Museum!},
	volume = {Jahrgang 52, Heft 105},
	year = {2004},
	note = {Z Sonstige 01},
	publisher = {Artis Verlag},
	organization = {Artis Verlag},
	edition = {Sonderausgabe f{\"u}r das Museum der bildenden K{\"u}nste Leipzig},
	address = {Berlin},
	abstract = {{\"U}ber die Gegenwartskunst},
	keywords = {ausstellen, Ausstellung, Duchamp, Gegenwartskunst, Johan van Geluwe, Kunstmuseum RD, Kuratieren, Kurator, Kuratorin, museale Praxis, Museum, Peter Niemann, Readymade, The Museum of Museums, Ware, Yoko Ono, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {3-86060-015-X},
	author = {Boris Groys}
}
@book {ulrich_mit_2000,
	title = {Mit dem R{\"u}cken zur Kunst. Die neuen Statussymbole der Macht},
	year = {2000},
	note = {THE 20},
	publisher = {Klaus Wagenbach},
	organization = {Klaus Wagenbach},
	address = {Berlin},
	abstract = {Wolfgang Ullrich untersucht die merkw{\"u}rdigen Folgen und Nebenwirkungen eines allzu hohen Kunstbegriffs.

Wo F{\"u}hrungskr{\"a}fte sich noch vor zwanzig Jahren in gediegenem Mobiliar und mit ebenso gediegenen {\"O}lgem{\"a}lden abbilden lie{\ss}en, stehen sie heute vor moderner Kunst.
Moderne Kunst im Umfeld von Geld und Macht: Wie konnte sie zu einem der wichtigsten Statussymbole unserer Zeit werden? Und was sagt dies {\"u}ber die Kunst selbst aus {\textendash} sowie {\"u}ber diejenigen, die sich ihrer bedienen?},
	keywords = {Betriebswirtschaft, Ikonographie, Kapitalismus, Kunsthandel, Kunstmarkt, Macht, Management, Manager, Marke, Markenprodukt, Marketing, Moderne Kunst, {\"O}konomie, Selbstproduktion der Kunst, Selbstrepr{\"a}sentation der Kunst, Statussymbol, Wert, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {3-8031-5164-3},
	author = {Wolfgang Ulrich}
}
@book {lypp_erschutterung_1991,
	title = {Die Ersch{\"u}tterung des Allt{\"a}glichen. Kunst-Philosophische Studien},
	year = {1991},
	note = {THE 22},
	publisher = {Carl Hanser Verlag},
	organization = {Carl Hanser Verlag},
	address = {M{\"u}nchen/Wien},
	abstract = {Kant, H{\"o}lderlin, Hegel, Nietzsche, Heidegger, Adorno: herausragende Protagonisten der kunstphilosophischen Diskussionen in den letzten zweihundert Jahren. Bernhard Lypp beschreibt an ihnen das {\guillemotright}Philosophisch-Werden{\guillemotleft} der Kunst und das {\guillemotright}Zur-Kunst-Werden{\guillemotleft} der Philosophie.},
	keywords = {Adorno, {\"A}sthetik, {\"a}sthetische Indifferenz, Einbildungskraft, Gegenwartskunst, Hegel, Heidegger, H{\"o}lderlin, Idealismus, Kant, Kunst und Leben, Kunst-Philosophie, Nietzsche, Ornament, Philosophie, Philosophie der Kunst, zeitgen{\"o}ssische Kunst},
	issn = {3-446-15903-7},
	author = {Bernhard Lypp}
}
