@book {3183,
	title = {Texte zur Kunst. Figuration},
	year = {2021},
	note = {Z Texte zur Kunst 122/2021},
	publisher = {textezurkunst},
	organization = {textezurkunst},
	address = {Berlin},
	abstract = {
Im Zentrum dieser Juni-Ausgabe von Texte zur Kunst steht die Auseinandersetzung mit dem Figurativen in der Kunst. Zweifellos geh{\"o}ren der menschliche K{\"o}rper und die Figur zu den am h{\"a}ufigsten dargestellten Motiven in der Kunstgeschichte. Sehen wir uns heute die Ausstellungsprogramme von Museen und Galerien an, ist ein regelrechter Boom des Fig{\"u}rlichen und figurativer Rhetoriken zu konstatieren. Gemeinsam mit der Herausgeberin Isabelle Graw und der K{\"u}nstlerin Jutta Koether hat die Redaktion ein Heft konzipiert, in dem Figuration sowohl buchst{\"a}blich als das Sujet der fig{\"u}rlichen Darstellung in Malerei, Performancekunst, Theater und Social Media als auch im weiteren Sinne der Gestaltwerdung, n{\"a}mlich des Auftauchens und Begreifens von gesellschaftlichen Ph{\"a}nomenen, diskutiert wird. Klassische Figur-Grund-Relationen in der Malerei werden hier beispielsweise ebenso untersucht wie die massenmediale Produktion der Star-Figur oder identit{\"a}tspolitische Fragen der Repr{\"a}sentation im Kontext von Black Figuration.
},
	keywords = {Black Figuration, Figur, Figuration, fig{\"u}rlich, Gestaltwerdung, K{\"o}rper, Malerei, Performancekunst, Social Media, Theater, Theorie, zeitgen{\"o}ssische Kunst, Zeitschrift},
	issn = {978-3-946564-20-1},
	author = {Isabelle Graw and Annette Weisser and Amelia Jones and Jutta Koether and Ekkenhard Kn{\"o}rer and Robert Slifkin and Amy Sillman and Sonja Eismann and Stefan Neuner and Moritz Ba{\ss}ler and Hein Dr{\"u}gh and Regine Ehleiter and Coco Fusco and Katharina Hausladen}
}
@book {2892,
	title = {BioMachtTheater. Performance-Strategien im politischen Feld},
	year = {2020},
	note = {THE 606
},
	publisher = {DE GRUYTER},
	organization = {DE GRUYTER},
	address = {Boston },
	abstract = {Performancestrategien im politischen Feld

Ist der darstellerische Akt ein urspr{\"u}ngliches Bed{\"u}rfnis des Menschen? Woher kommt der Drang in uns, Theater zu schaffen? Die Religionen aller Welt bedienen sich der Macht des Rituals. Spiele besch{\"a}ftigen den Menschen von der Geburt bis in den Tod in all ihren Variationen und Formen. Selbst den Tod kann man sich nicht anders erkl{\"a}ren als {\"u}ber eine Inszenierung. Welcher Impuls in uns ist es, der uns dazu bringt, zu spielen? Und wie kann heutzutage kritisch gespielt, inszeniert, gestaltet werden?

Dieses Buch ist eine kritische Besch{\"a}ftigung mit Spiel und Theater anhand von historischem Material und im Kontext von Foucaults Begriff {\quotedblbase}Biomacht" {\textendash} gerade in Zeiten, in denen biopolitisch Macht durch das Steuern von Lebensprozessen ausge{\"u}bt wird, ist dies ein wichtiges philosophisches Unternehmen.

Ein Muss f{\"u}r jeden, der sich mit dem zeitgen{\"o}ssischen Umgang dramatischer Formen in Spiel und Theater auseinandersetzen will.
Behandelt den von Michel Foucault entwickelten Begriff der Biomacht und seine R{\"u}ckwirkung auf Drama- und Textstrategien.},
	keywords = {Performance, Theater},
	issn = {9783110678345},
	author = {Reyer, Sophie}
}
@book {2422,
	title = {Performance und Praxis. Praxeologische Erkundungen in Tanz, Theater, Sport und Alltag},
	year = {2017},
	note = {THE 450
},
	publisher = {transcript},
	organization = {transcript},
	address = {Bielefeld},
	abstract = {{\guillemotleft}Performance{\guillemotleft} und {\guillemotright}Praxis{\guillemotleft} sind sp{\"a}testens seit dem practice turn und dem performative turn zentrale Konzepte und Theoriefelder der Kultur- und Sozialwissenschaften. Die in diesem interdisziplin{\"a}ren Sammelband geb{\"u}ndelten Texte betrachten {\guillemotright}Performance{\guillemotleft} und {\guillemotright}Praxis{\guillemotleft} in ihrem Zusammenspiel und untersuchen die Relevanz des Performativen an Ph{\"a}nomenen aus Tanz, Theater, Sport und Alltag. Im Fokus stehen vier Spannungsfelder: Routine und Instabilit{\"a}t, Normativit{\"a}t und Entgrenzung, Transformation und Best{\"a}ndigkeit, Politisches und {\"A}sthetisches.
Mit Beitr{\"a}gen u.a. von Thomas Alkemeyer, Sabine Huschka, Gabriele Klein, Sibylle Peters, Larissa Schindler und Ana Vujanovic. },
	keywords = {Kunstproduktion, Performance, Tanz, Theater, Theorie},
	issn = {ISBN: 978-3-8376-3287-3},
	author = {Gabriele, Klein and Hanna Katharina, G{\"o}bel}
}
@book {2607,
	title = {Joined Forces. Audience Participation in Theatre. Performing Urgency $\#$3},
	year = {2016},
	note = {THE 514},
	pages = {200},
	publisher = {Alexander Verlag},
	organization = {Alexander Verlag},
	address = {Berlin},
	abstract = {Das neunzehnte Jahrhundert war ein Jahrhundert der Schauspieler. Das zwanzigste Jahrhundert war ein Jahrhundert der Regisseure. Das einundzwanzigste Jahrhundert ist ein Jahrhundert der Zuschauer. Mit Jacques Ranci{\`e}res Der emanzipierte Zuschauer (2009), dem meistdiskutierten Theatertext des letzten Jahrzehnts, w{\"a}chst das wissenschaftliche und kuratorische Interesse an dem geheimnisvollen, potenziell gef{\"a}hrlichen und in der Tat wichtigsten Teilnehmer der Auff{\"u}hrung, der stumm, regungslos und im Dunkeln verborgen bleibt: dem Publikum. In {\"a}hnlicher Weise w{\"u}nschen sich die K{\"u}nstler, den Zuschauern endlich "zu begegnen": sie zu Wort kommen zu lassen, mit ihnen in einen Dialog zu treten, sie einzuladen, sich an der Auff{\"u}hrung zu beteiligen. Das Publikum soll befreit werden.

Es gibt viele verschiedene Faktoren, die zu dieser unerwarteten Wendung beitragen. Der wohl wichtigste ist die Bedeutung des politischen Theaters in der heutigen Zeit: K{\"u}nstler besch{\"a}ftigen sich mit aktuellen sozialen und politischen Themen, und Wissenschaftler betonen die performativen Aspekte des politischen Lebens und die politischen Aspekte von Theaterauff{\"u}hrungen. In einer Welt, in der Demokratie, Aktivismus und Redefreiheit zu immer wichtigeren (und immer mehr gef{\"a}hrdeten) Werten werden, sollte das Theater kein Ort sein, an dem man passiv und schweigend bleiben und alles hinnehmen soll, was gesagt wird. Ganz im Gegenteil: Theater hat das Potenzial, zu einer Art "Proberaum" f{\"u}r Demokratie zu werden, ein Ort, an dem man nicht nur zum Beobachten, sondern auch zum kritischen, aktiven und verantwortlichen Handeln ermutigt wird (wie in Bertolt Brechts "Lehrst{\"u}cken" und in Augusto Boals Idee der "spect-actors"). Anstelle des traditionellen Theaters, das sich auf die Vorstellung von passiven Menschen konzentrierte, deren Schicksal von den G{\"o}ttern bestimmt wurde (wie Marionetten an F{\"a}den, die von K{\"u}nstlern von oben gesteuert werden), verlangt die zeitgen{\"o}ssische Welt nach einem anderen Modell: den Menschen zu zeigen, dass sie das Schicksal selbst in der Hand haben und die Handlung ihres Lebens (und die Welt) in jedem Moment ver{\"a}ndern k{\"o}nnen. Genauso wie sie die Form der Auff{\"u}hrungen, an denen sie teilnehmen, ver{\"a}ndern k{\"o}nnen.

Aber es gibt auch noch andere wichtige Faktoren. Einer davon ist, wie die neuen Medien die Art und Weise ver{\"a}ndert haben, wie Informationen empfangen werden - auf interaktive, selektive und dialogische Weise. Der Unterschied zwischen den "altmodischen" Zuschauern, die vor dem Radio oder dem Fernseher sitzen, und den heutigen Videospielern und Internetnutzern ist enorm - die neuen Konsumenten von Informationen und Unterhaltung nehmen die Dinge buchst{\"a}blich selbst in die Hand, indem sie die bevorzugten Inhalte ausw{\"a}hlen, die Geschichte im nichtlinearen Netzwerkstil verfolgen, kommentieren und eigene Inhalte hinzuf{\"u}gen.

Auch in der Theorie hat sich ein deutlicher Wandel vollzogen, der das Publikum ins Rampenlicht r{\"u}ckt. Die Performance Studies haben die Bedeutung des Wortes "Performance" weit {\"u}ber das traditionelle Theater mit B{\"u}hne und Publikum hinaus ausgedehnt, indem sie Ideen der zeitgen{\"o}ssischen Anthropologie, Soziologie und Sprachphilosophie in die Theaterwissenschaft einflie{\ss}en lie{\ss}en und bewiesen, dass wir in unserem Alltag alle gleichzeitig Darsteller und Zuschauer sind. Auch das postdramatische Theater - wie von Hans-Thies Lehmann (2006) beschrieben - verlangt von den Zuschauern sehr oft, dass sie zu aktiven Mitschreibern der Auff{\"u}hrung werden.

Eine der st{\"a}rksten Waffen des politischen Theaters (vom Kabarett des Fin-de-Si{\`e}cle {\"u}ber Dadaisten, Futuristen und Bertolt Brecht bis hin zu Christoph Schlingensief) war lange Zeit die Beleidigung des Publikums (um den Titel eines St{\"u}cks von Peter Handke aus dem Jahr 1966 zu zitieren). Emp{\"o}rt versuchten linke K{\"u}nstler, das konservative b{\"u}rgerliche Publikum zu provozieren, nach dem Prinzip "{\'e}pater le bourgeois". Heute sind die Strategien anders: Immer mehr K{\"u}nstler versuchen, das Publikum - vor allem diejenigen, die aus irgendeinem Grund (wirtschaftlich, rassisch, kulturell, religi{\"o}s, geschlechtlich, sprachlich usw.) von der Gesellschaft ausgeschlossen sind, keine politische Macht haben und keine M{\"o}glichkeit, sich Geh{\"o}r zu verschaffen - zum gemeinsamen Theaterspielen einzuladen. Kunst wird viel m{\"a}chtiger, wenn sich Darsteller und Zuschauer zusammentun. Daher auch der Titel des Buches.

Joined Forces: Publikumsbeteiligung im Theater stellt verschiedene Beispiele f{\"u}r Publikumsbeteiligung im Theater vor und verbindet sie mit Problemen der Beteiligung in der Demokratie und mit sozial engagierter Kunst. Theatermachen ist immer auch ein politisches Statement - die Frage nach den Praktiken der Publikumsbeteiligung ist eine Frage nach den M{\"o}glichkeiten, Ver{\"a}nderungen sowohl in der Kunst als auch in der Politik zu bewirken.

Der Hauptteil des Buches besteht aus 11 Essays und Interviews. K{\"u}nstler aus verschiedenen L{\"a}ndern wurden gebeten, {\"u}ber die Idee der Partizipation nachzudenken, ihre Erfahrungen zu teilen und {\"u}ber ihre Erfolge und Misserfolge, Hoffnungen und Zweifel zu schreiben. Es ist zwar unm{\"o}glich, eine Landkarte der partizipatorischen Kunst zu erstellen, aber die Auswahl von (fast) einem Dutzend verschiedener repr{\"a}sentativer und bemerkenswerter Beispiele kann dazu beitragen, die Situation des zeitgen{\"o}ssischen politischen, publikumswirksamen Theaters aus der Sicht seiner Sch{\"o}pfer selbst zu umrei{\ss}en.

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The nineteenth century was a century of actors. The twentieth century was a century of directors. The twenty-first century is a century of spectators. With Jacques Ranci{\`e}re{\textquoteright}s The Emancipated Spectator (2009) being the most discussed theatre-related text of the last decade, there is an increase in scholarly and curatorial interest in the most mysterious, potentially dangerous and, in fact, most important participant of the performance, who stays silent, motionless, and hidden in darkness: the audience. And similarly, artists desire to finally {\textquoteleft}meet the spectators{\textquoteright}: to let them speak, get into a dialogue with them, invite them to involve themselves in pursuing the performance. To liberate the audience.

There are many different factors that contribute to this unexpected turn. Probably the most important one is the importance of political theatre today: artists engage in contemporary social and political issues, and scholars highlight performative aspects of political life and political aspects of theatre performances. In the world where democracy, activism, and freedom of speech become more and more important (and more and more endangered) values, theatre shouldn{\textquoteright}t be a place where one is supposed to remain passive and silent and to accept everything that is said. Just the opposite: theatre has the potential to become a kind of {\textquoteleft}rehearsal space{\textquoteright} for democracy, a place where one{\textquoteright}s encouraged not only to observe, but to be critical, active, and responsible for what is happening (like in Bertolt Brecht{\textquoteright}s {\textquoteleft}Lehrst{\"u}cke{\textquoteright} ({\textquoteleft}Learning Plays{\textquoteright}) and in Augusto Boal{\textquoteright}s idea of {\textquoteleft}spect-actors{\textquoteright}). Instead of traditional theatre that focused on the idea of passive people whose fate and destiny was decided by the gods (like puppets on strings controlled from above by artists), the contemporary world demands a different model: showing people that fate and destiny is their hands and they can change the plot of their lives (and change the world) in each moment. Just as they can change the shape of performances participating in them.

But there are other important factors as well. One of them is how new media have changed the way information is received {\textendash} in interactive, selective, and dialogical ways. The gap between {\textquoteleft}old-fashioned{\textquoteright} spectators sitting in front of the radio or television and today{\textquoteright}s video game players and internet users is huge {\textendash} new consumers of information and entertainment literally take matters into their own hands, choosing preferred content, navigating the story in non-linear, network style, commenting, and adding their own content.

There{\textquoteright}s also been a significant shift in theory that has put the audience into the spotlight. Performance studies stretched the meaning behind the word {\textquoteleft}performance{\textquoteright} far beyond traditional theatre with stage and audience, incorporating ideas of contemporary anthropology, sociology, and philosophy of language into theatre studies, proving that in our everyday life we are all performers and spectators {\textendash} at the same time. Also postdramatic theatre {\textendash} as described by Hans-Thies Lehmann (2006) {\textendash} very often requires the spectators to become active co-writers of the performance.

For a very long time, one of the most powerful weapons of political theatre (from fin-de-si{\`e}cle cabaret through Dadaists, Futurists, and Bertolt Brecht to Christoph Schlingensief) was offending the audience (to quote the title of the Peter Handke{\textquoteright}s play from 1966). Revolted, left-wing artists tried to provoke conservative middle class audiences in the principle of {\textquoteleft}{\'e}pater le bourgeois{\textquoteright}. Now strategies are different: more and more, artists try to invite members of audience {\textendash} especially those who are for some reason (economic, racial, cultural, religious, gender, language, etc.) excluded from society, have no political power and no chance to make their voices heard {\textendash} to make theatre together. Art becomes much more powerful when performers and spectators join forces. Hence the title of the book.

Joined Forces: Audience Participation in Theatre presents various examples of audience participation in theatre linking them to problems of participation in democracy and to socially engaged art. Making theatre is always a political statement {\textendash} asking about audience participation practices is asking about the possibilities of making changes both in art and in politics.

The core part of the book consist of 11 essays and interviews. Artists from different countries were asked to reflect on the idea of participation, to share their experiences and write about their successes and fails, hopes and doubts. While it{\textquoteright}s impossible to create a map of participatory art, choosing (nearly) a dozen various representative and remarkable examples can help to outline the situation of contemporary political, audience-engaging theatre as seen by its creators themselves.

},
	keywords = {Performance, Publikum, Theater, Theorie, Zusammenarbeit},
	issn = {978-3-89581-427-3},
	author = {Ophelia Patricio Arrabal and Elena Basteri and Lotte van den Berg and Roger Bernat and Justine Boutens and Anna R. Burzynska and Adam Czirak and Johanna Freiburg and Helgard Haug and Stefan Kaegi and Tobi M{\"u}ller and Dominique Nduhura and Antoine Pickels and Adelheid Roosen and Tom Sellar and Roberto Fratini Serafide and Jan Sowa and Bastian Trost and Miriam Tscholl and Tea Tupaji{\'c} and Ana Vujanovi{\'c} and Daniel Wetzel and Wojtek Ziemilski},
	editor = {Anna R. Burzynska}
}
@book {2236,
	title = {Postdramatic Theater},
	year = {2016},
	note = {THE 377},
	publisher = {Routledge },
	organization = {Routledge },
	address = {New York},
	abstract = {Dies ist eine hervorragende {\"U}bersetzung von Hans-Thies Lehmanns bahnbrechender Studie {\"u}ber die neuen Theaterformen, die sich seit den sp{\"a}ten 1960er Jahren entwickelt haben und die zu einem wichtigen Bezugspunkt in der internationalen Diskussion {\"u}ber das zeitgen{\"o}ssische Theater geworden ist.
Lehmann betrachtet die Entwicklungen seit den sp{\"a}ten 1960er Jahren im Zusammenhang mit der Dramentheorie und der Theatergeschichte, als erfinderische Antwort auf das Aufkommen neuer Technologien und als historischen {\"U}bergang von einer textbasierten Kultur zu einem neuen Medienzeitalter von Bild und Ton.
Das Buch befasst sich mit Theoretikern des "Dramas" von Aristoteles und Brecht bis hin zu Barthes und Schechner und analysiert die Arbeit neuerer experimenteller Theatermacher wie Robert Wilson, Tadeusz Kantor, Heiner M{\"u}ller, die Wooster Group, Needcompany und Societas Raffaello Sanzio.
Illustriert durch eine F{\"u}lle praktischer Beispiele und mit einer Einf{\"u}hrung von Karen J{\"u}rs-Munby, die n{\"u}tzliche theoretische und k{\"u}nstlerische Kontexte f{\"u}r das Buch liefert, ist Postdramatic Theatre ein historischer {\"U}berblick, der fachkundig mit einem einzigartigen theoretischen Ansatz kombiniert wird, der den Leser durch diese neue Theaterlandschaft f{\"u}hrt.

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Newly adapted for the Anglophone reader, this is an excellent translation of Hans-Thies Lehmann{\textquoteright}s groundbreaking study of the new theatre forms that have developed since the late 1960s, which has become a key reference point in international discussions of contemporary theatre.
In looking at the developments since the late 1960s, Lehmann considers them in relation to dramatic theory and theatre history, as an inventive response to the emergence of new technologies, and as an historical shift from a text-based culture to a new media age of image and sound.
Engaging with theoreticians of {\textquoteright}drama{\textquoteright} from Aristotle and Brecht, to Barthes and Schechner, the book analyzes the work of recent experimental theatre practitioners such as Robert Wilson, Tadeusz Kantor, Heiner M{\"u}ller, the Wooster Group, Needcompany and Societas Raffaello Sanzio. 
Illustrated by a wealth of practical examples, and with an introduction by Karen J{\"u}rs-Munby providing useful theoretical and artistic contexts for the book, Postdramatic Theatre is an historical survey expertly combined with a unique theoretical approach which guides the reader through this new theatre landscape.},
	keywords = {Performance, Theater, Theorie},
	issn = {978-0-415-26813-4 },
	author = {Hans-Thies Lehmann}
}
@book {2430,
	title = {Reenactments. Medienpraktiken zwischen Wiederholung und kreativer Aneignung},
	year = {2016},
	note = {THE 457
},
	publisher = {transcript},
	organization = {transcript},
	address = {Bielefeld},
	abstract = {Reenactments als Medienpraktiken des Wiederauff{\"u}hrens, Nacherlebens und Reaktualisierens sind nie {\guillemotright}blo{\ss}e{\guillemotleft} Wiederholungen dokumentierter oder fiktionaler Ereignisse, sondern stets kreativ-produktive Medienaneignungen, die ihrerseits neue mediale Formen schaffen. Am Beispiel von Verfahren der bildenden Kunst, des Theaters und des Films, anhand popul{\"a}rkultureller Praktiken der Geschichtsaneignung und des Literaturtourismus und anhand von Reinszenierungen in der Alltagsinteraktion geht der Band der Frage nach, welche Bedeutung dem Rekurs auf mediale Repr{\"a}sentationen (Filme, B{\"u}cher, Computerspiele) zukommt. Mit Beitr{\"a}gen aus der Ethnologie, der Kultur-, der Medien-, der Geschichts- und der Literaturwissenschaft sowie der Linguistik. },
	keywords = {Medien, Performance, Tanz, Theater, Theorie},
	issn = {978-3-8376-2977-4},
	author = {Anja, Dreschke and Ilham, Huynh and Raphaela, Knipp and David, Sittler}
}
@book {2238,
	title = {The Performance Studies Reader. Third Edition},
	year = {2016},
	note = {THE 379},
	publisher = {Routledge },
	organization = {Routledge },
	address = {New York},
	abstract = {Der Performance Studies Reader ist ein lebendiger und dringend ben{\"o}tigter Sammelband mit kritischen Schriften {\"u}ber die aufkeimende Disziplin der Performance Studies. Er bietet einen {\"U}berblick {\"u}ber das gesamte Spektrum der Performancetheorie f{\"u}r Studenten aller Fachrichtungen und f{\"u}r angehende Doktoranden in den Bereichen Performancestudien, Theater, darstellende Kunst und Kulturwissenschaften. Die Sammlung ist als Erg{\"a}nzung zu Richard Schechners popul{\"a}rem Buch Performance Studies: an Introduction (Routledge, 2002) gedacht, eignet sich aber auch hervorragend als eigenst{\"a}ndiger Text.
Henry Bial sammelt die wichtigsten kritischen Beitr{\"a}ge aus dem Bereich, die in Performance Studies: an Introduction als "suggested readings" bezeichnet werden. Dar{\"u}ber hinaus erweitert er die Diskussion durch zus{\"a}tzliche Lekt{\"u}re. Die Struktur und die Themen des Readers lehnen sich eng an die des begleitenden Lehrbuchs von Schechner an. Die Artikel in den einzelnen Abschnitten konzentrieren sich insbesondere auf drei Hauptbereiche der Performance Studies: Theater, Anthropologie und Soziologie/Kulturwissenschaften.

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The Performance Studies Reader is a lively and much-needed anthology of critical writings on the burgeoning discipline of performance studies. It provides an overview of the full range of performance theory for undergraduates at all levels, and beginning graduate students in performance studies, theatre, performing arts and cultural studies. The collection is designed as a companion to Richard Schechner{\textquoteright}s popular Performance Studies: an Introduction (Routledge, 2002), but is also ideal as a stand-alone text.
 Henry Bial collects together key critical pieces from the field, referred to as {\textquoteright}suggested readings{\textquoteright} in Performance Studies: an Introduction. He also broadens the discussion with additional selections. The structure and themes of the Reader closely follow those of Schechner{\textquoteright}s companion textbook. The articles in each section focus particularly on three primary areas in performance studies, theatre, anthropology and sociology/cultural studies.},
	keywords = {Kulturwissenschaft, Performance, Theater, Theorie},
	issn = {978-1-138-02336-9 },
	author = {Henry Bial and Sara Brad}
}
@book {2605,
	title = {Not Just a Mirror. Looking for the Political Theatre of Today. Performing Urgency $\#$1},
	year = {2015},
	note = {THE 512},
	pages = {196},
	publisher = {Alexander Verlag},
	organization = {Alexander Verlag},
	address = {Berlin},
	abstract = {Wen soll man vertreten, auf welche Weise und mit welchem Recht? Die j{\"u}ngste Krise der Repr{\"a}sentation in der Demokratie hat auch die Repr{\"a}sentationsmaschine des Theaters in ihrem Kern getroffen. Das Theater, das lange Zeit als politische Kunstform galt, k{\"a}mpft nun mit der Frage, wie es sich angemessen auf die Gesellschaft beziehen kann. Oft ist es entweder in der inhaltsorientierten Welt der Repr{\"a}sentation gefangen oder gibt sich dem Glauben an die transformative Kraft der {\"A}sthetik allein hin.

Not Just a Mirror zeichnet eine Bewegung von K{\"u}nstlern aus der ganzen Welt nach, die auf der Suche nach dem politischen Theater von heute sind. Ein Theater, das sich sowohl inhaltlich als auch formal mit der Gesellschaft auseinandersetzen will, das eine zeitgen{\"o}ssische Gemeinschaft schafft, in der soziale und politische Aktionen m{\"o}glich sind und in der Gesellschaften in ihren - tats{\"a}chlichen oder m{\"o}glichen - Varianten durchgespielt, aufgef{\"u}hrt, erweitert, erprobt oder gar erfunden werden.

Not Just a Mirror besteht aus acht Essays, zwei Interviews und 15 Fallstudien von politischen Theatermachern und untersucht die darstellenden K{\"u}nste als politisches Labor der Gegenwart. Es wird untersucht, wie Theater, Tanz und Performance ihren essentiellen Agnostizismus offenbaren und das Potenzial haben, die Gesellschaft aktiv zu ver{\"a}ndern, anstatt lediglich als Deckmantel f{\"u}r die Dysfunktionen, Br{\"u}che und Wunden der Gesellschaft zu dienen.

Mit Beitr{\"a}gen von Julian Boal, Boris Buden, Matan Cohen, Annie Dorsen, Galit Eilat, Monika Ginterdorfer, John Jordan, Alexander Karschnia, Herv{\'e} Kimenyi, Beatrix Kricsfalusi, Bojana Kunst, Hans-Thies Lehmann, Judith Malina, Florian Malzacher, Tala Jamal Manassah, Oliver Marchart, Carol Martin, Lloyd Nyikadzino, Giulia Palladini, Roman Paw{\l}owski, Jeroen Peeters, Goran Sergej Prista{\v s}, Christian R{\"o}mer, Sylvia Sasse, Francesco Scasciamacchia, Michael Sengazi, Vassilis Tsianos, Margarita Tsomou, Benjamin Wihstutz und Franck Edmond Yao.

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Whom to represent, in which way, and with what right? The recent crisis of representation in democracy has also hit the representation machine of theatre at its core. Theatre, long considered to be the political art form, now struggles with how to relate adequately to society. Often it is either trapped into the content-driven world of representation or indulges in the belief of the transformative power of aesthetics alone.

Not Just a Mirror maps a movement of artists from all over the world searching for the political theatre of today. A theatre that wants to engage with society both in its contents as in its form, creating a contemporary community in which social and political actions can be deployed and in which societies in their {\textemdash} actual or possible {\textemdash} varieties are played out, performed, expanded, tested, or even invented.

Not Just a Mirror is comprised of eight essays, two interviews, and 15 case studies of political theatre makers, and investigates the performing arts as a political laboratory of the present. It explores how theatre, dance, and performance reveal their essential agnosticism, provoking the potential to actively change society rather than merely serving as a cover-up for the dysfunctions, fractures, and wounds of society.

With contributions by Julian Boal, Boris Buden, Matan Cohen, Annie Dorsen, Galit Eilat, Monika Ginterdorfer, John Jordan, Alexander Karschnia, Herv{\'e} Kimenyi, Beatrix Kricsfalusi, Bojana Kunst, Hans-Thies Lehmann, Judith Malina, Florian Malzacher, Tala Jamal Manassah, Oliver Marchart, Carol Martin, Lloyd Nyikadzino, Giulia Palladini, Roman Paw{\l}owski, Jeroen Peeters, Goran Sergej Prista{\v s}, Christian R{\"o}mer, Sylvia Sasse, Francesco Scasciamacchia, Michael Sengazi, Vassilis Tsianos, Margarita Tsomou, Benjamin Wihstutz and Franck Edmond Yao.},
	keywords = {House On Fire, Performance, Politik, Theater, Theorie},
	issn = {978-3-89581-378-8},
	author = {Florian Malzacher}
}
@book {2066,
	title = {Performances zur Sprache bringen. Zur Auff{\"u}hrungsanalyse von Performern in Theater und Kunst},
	year = {2015},
	note = {THE 340
},
	pages = {310},
	publisher = {transcript},
	organization = {transcript},
	address = {Bielefeld},
	abstract = {Performer faszinieren, irritieren und machen sprachlos. Sie konfrontieren ihr Publikum mit Erfahrungen des Unbegreifbaren - einer der intensivsten Wirkungen im zeitgen{\"o}ssischen Theater und der Gegenwartskunst. Wie aber kann Sprachlosigkeit versprachlicht werden? Mit dieser Frage erschlie{\ss}t Denis Leifeld ein zentrales Problem der Kunst- und Theaterwissenschaft und liefert einen entscheidenden Beitrag zur Fortentwicklung der Auff{\"u}hrungsanalyse. Anhand von Performances von Romeo Castellucci, Steven Cohen und japanischen Cosplayern erarbeitet er eine wissenschaftliche Schreibweise, die bisherige Normen {\"u}berschreitet, um die Erfahrungen des Unbegreifbaren zu analysieren und sie im Schreiben zu vergegenw{\"a}rtigen.},
	keywords = {Performance, Performancekunst, Theater},
	issn = {ISBN: 978-3-8376-2805-0},
	author = {Leifeld, Denis}
}
@book {2212,
	title = {Possen des Performativen. Theater, Aktivismus und queere Politiken},
	year = {2015},
	note = {THE 362
},
	publisher = {transversal texts},
	organization = {transversal texts},
	address = {Wien, Linz},
	abstract = {Im Begriff der Posse begegnen einander Theater, Performance und Politik, nicht zuletzt als Spielr{\"a}ume emanzipatorischer K{\"a}mpfe gegen K{\"o}rper- und Grenzregime. Poststrukturalistische, postdramatische und feministische Diskurse bilden die Basis f{\"u}r Gini M{\"u}llers Tour de Force durch eine vielf{\"a}ltige Welt von politischen Aktionsformen. Possen des Performativen verweisen dabei sowohl auf minorit{\"a}res (Theater-)Verm{\"o}gen zur Artikulation von Widerstand, genauso wie auf subversive performative Strategien zur "Verqueerung" des normierenden Geschlechtertheaters. Die im Buch verhandelten Praxen reichen von globalisierungskritischen Auseinandersetzungen (Zapatistas, Tute Bianche, G8 Genua, Heiligendamm) {\"u}ber antirassistische K{\"a}mpfe (Sans Papiers, kein mensch ist illegal, kanak attak) zu feministischen und queeren Politiken (Riot Grrrls, Pink-Block, Transgender-Aktivismus). },
	keywords = {Aktivismus, Gender, Geschlecht, Performance, Queer, Theater, Theorie},
	issn = {978-3-9501762-5-4},
	author = {Gin M{\"u}ller}
}
@book {1901,
	title = {{\"A}sthetik der Wiederholung. Die US-amerikanische Neo-Avantgarde und ihre Performances},
	year = {2013},
	note = {THE 301},
	pages = {298},
	publisher = { transcript},
	organization = { transcript},
	address = {Bielefeld},
	abstract = {Dass in der bildenden Kunst seit den 1960er Jahren serielle und standardisierte Verfahren das Gebot der Originalit{\"a}t von Werk und K{\"u}nstler unterwandern, ist wohlbekannt. Die Performance hingegen galt bislang als letzte Bastion einmaliger Kunst. Joy Kristin Kalu enttarnt dieses Postulat als Fortschreibung des Mythos der Originalit{\"a}t der Avantgarde. Ihr Buch widmet sich jenen aufgef{\"u}hrten und verk{\"o}rperten Wiederholungen, die in den Studien zur US-amerikanischen Neo-Avantgarde bislang unbeachtet blieben. Am Beispiel ganz unterschiedlicher {\"a}sthetischer Wiederholungsph{\"a}nomene ger{\"a}t dabei die Theatralit{\"a}t aller Wiederholung in den Blick.

Joy Kristin Kalu forscht und lehrt am Institut f{\"u}r Theaterwissenschaft der Freien Universit{\"a}t Berlin. Ihre Arbeitsschwerpunkte sind die Analyse des deutschen und des US-amerikanischen Gegenwartstheaters, die Geschichte der Performance Art, Critical Whiteness Studies sowie die {\"A}sthetik des angewandten Theaters. },
	keywords = {Amerikanische Kunst, Neo-Avantgarde, Performance, Reenactment, Theater, Theaterwissenschaft, Wiederholung},
	issn = {ISBN 978-3-8376-2288-1 },
	author = {Kalu, Joy Kristin}
}
@book {3018,
	title = {Die Kunst des Kollektiven. Performance zwischen Theater, Politik und Sozio-{\"O}konomie},
	year = {2013},
	note = {THE 31},
	publisher = {Wilhelm Fink},
	organization = {Wilhelm Fink},
	address = {M{\"u}nchen},
	abstract = {Ein Kollektiv ist weder notwendig eine Gruppe, die der Vielzahl ihrer Mitglieder eine institutionelle Einheit {\"u}berst{\"u}lpt, noch braucht es intensive emotionale Bindungen oder eine starke Gemeinschaftsimagination. Konzepte zerstreuter, sich durch Distanzen und Nachl{\"a}ssigkeiten organisierender Kollektivit{\"a}t geben uns heute die M{\"o}glichkeit, das {\guilsinglright}Zusammen{\guilsinglleft} des Zusammenlebens neu zu bestimmen. Kai van Eikels erforscht lose, schwarmartige Kollektivdynamiken in k{\"u}nstlerischem, politischem und {\"o}konomischem Agieren. Er zeigt, wie diese Praxisfelder im 21. Jahrhundert einander im Begriff {\guillemotright}performance{\guillemotleft} {\"u}berschneiden, und fragt nach Strategien des {\"U}bens, des Improvisierens und einer demokratischen Anerkennung f{\"u}r kollektives Handeln diesseits von Staat und Gemeinschaft. },
	keywords = {Gemeinschaft, Kollektives Verhalten, Kulturwissenschaften, K{\"u}nste, Performance, Performativit{\"a}t, Politik, Theater, Wirtschaftstheorie},
	issn = {978-3-7705-5140-8},
	author = {Kai van Eikels}
}
@book {2229,
	title = {Theater als Zeitmaschine. Theater- und kulturwissenschaftliche Perspektiven},
	year = {2012},
	note = {THE 370},
	publisher = {transcript },
	organization = {transcript },
	address = {Bielefeld},
	abstract = {Das Theater ist eine Zeitmaschine, durch die Gegenwart und Vergangenheit miteinander in Beziehung treten. Seit der Jahrtausendwende jedoch ist in den K{\"u}nsten immer h{\"a}ufiger eine performative Praxis anzutreffen, die das Theater als Zeitmaschine neu verortet: Reenactments stellen Geschichte nach, statt sie darzustellen. Sie reanimieren das Vergangene, statt es zu aktualisieren {\textendash} und machen aus der Performance, was sie nie sein wollte: Theater.
Ausgehend von einer interdisziplin{\"a}ren Bestandsaufnahme initiiert der Band die theater- und kulturwissenschaftliche Diskussion partizipativer Geschichtswiederholung im Schnittfeld von Kunst und Medienkultur. },
	keywords = {Kunst, Performance, Reenactment, Theater, Theorie},
	issn = {978-3-8376-1976-8 },
	author = {Jens Roselt and Ulf Otto}
}
@book {1924,
	title = {Die Ausstellung als Drama. Wie das Museum aus dem Theater entstand},
	year = {2011},
	note = {THE 305
},
	pages = {247},
	publisher = {transcript},
	organization = {transcript},
	address = {Bielefeld},
	abstract = {Die Ausstellung z{\"a}hlt zu den erfolgreichsten Medien der Gegenwart. Was aber ist eine Ausstellung? Mit den Werkzeugen der Dramentheorie und der Theatergeschichte analysiert Werner Hanak-Lettner dieses Medium und kommt zu {\"u}berraschenden Ergebnissen: Die Ausstellung l{\"a}sst sich als Drama zwischen den Besuchern und den Dingen begreifen. Theater und Museum entpuppen sich wiederum als Verwandte mit gemeinsamen Wurzeln in der fr{\"u}hen Neuzeit. Das Buch ist die {\guillemotright}erste wissenschaftshistorische Studie, die den Wandel des Ausstellungswesens unter den performativen Bedingungen reflektiert{\guillemotleft} (Peter Weibel). Eine bereichernde Arbeit (nicht nur) f{\"u}r Kulturwissenschaftler, Museologen und Museumspraktiker. 

Werner Hanak-Lettner (Dr. phil.) ist Kurator am J{\"u}dischen Museum Wien. Lehrauftr{\"a}ge zur {\guillemotright}Dramaturgie der Ausstellung{\guillemotleft} sowohl an der Universit{\"a}t Wien als auch am Bard Graduate Center, New York. 

 

 },
	keywords = {Ausstellung, Dramentheorie, Museum, Raum, Theater},
	issn = { ISBN 978-3-8376-1600-2 },
	author = {Hanak-Lettner, Werner}
}
@book {3064,
	title = {Performing Remains. Art and War in Times of Theatrical Reenactment},
	year = {2011},
	note = {THE 636},
	publisher = {Routledge},
	organization = {Routledge},
	address = {London/New York},
	abstract = {{\textquoteright}Endlich ist die Vergangenheit angekommen! Performing Remains ist Rebecca Schneiders ma{\ss}gebliche Stellungnahme zu einem wichtigen Thema der Theater- und Performance Studies. Es erweitert und konsolidiert ihre bahnbrechenden Beitr{\"a}ge zu diesem Gebiet durch seine interdisziplin{\"a}re Methode, seine lebendige Schreibweise und seine anregende Polemik. Performing Remains wurde mit Spannung erwartet und wird jetzt und in Zukunft f{\"u}r seine rigorosen Untersuchungen zum {\"a}sthetischen und politischen Potenzial von Reenactments gesch{\"a}tzt werden.{\textquoteright} - Tavia Nyong{\textquoteright}o, Tisch School of the Arts, New York University

{\textquoteright}Ich habe mich oft gefragt, wo das gro{\ss}e, wichtige, paradigmenver{\"a}ndernde Buch {\"u}ber Reenactment ist: Schneiders Buch scheint mir dieses Buch zu sein. Ihre Arbeit ist herausfordernd, durchdacht und innovativ und wird die Agenda f{\"u}r Studien in einer Reihe von Bereichen f{\"u}r das n{\"a}chste Jahrzehnt festlegen.{\textquoteright} - Jerome de Groot, Universit{\"a}t von Manchester

Performing Remains ist eine schillernde neue Studie, die die Rolle des Fake, des Falschen und des Faux in der zeitgen{\"o}ssischen Performance untersucht. Rebecca Schneider argumentiert leidenschaftlich, dass Performance als das, was bleibt, und nicht als das, was verschwindet, betrachtet werden kann.

In sieben Essays pr{\"a}sentiert Schneider eine forensische und einzigartige Untersuchung sowohl der zeitgen{\"o}ssischen als auch der historischen Performance, wobei sie auf eine Vielzahl erhellender Quellen zur{\"u}ckgreift, darunter die "Amerika"-St{\"u}cke von Linda Mussmann und Suzan-Lori Parks, die Performances von Marina Abramovic{\textquoteright} und Allison Smith sowie die anhaltende Popularit{\"a}t von B{\"u}rgerkriegsnachstellungen. Performing Remains hinterfragt die Bedeutung von Repr{\"a}sentation im Laufe der Geschichte und in der Gegenwart, w{\"a}hrend es den rituellen Wert des Scheiterns, die Vergangenheit zur{\"u}ckzuerobern und das "Original" neu zu erschaffen, mutig neu bewertet.

________________________________
{\textquoteright}At last, the past has arrived! Performing Remains is Rebecca Schneider{\textquoteright}s authoritative statement on a major topic of interest to the field of theatre and performance studies. It extends and consolidates her pioneering contributions to the field through its interdisciplinary method, vivid writing, and stimulating polemic. Performing Remains has been eagerly awaited, and will be appreciated now and in the future for its rigorous investigations into the aesthetic and political potential of reenactments.{\textquoteright} - Tavia Nyong{\textquoteright}o, Tisch School of the Arts, New York University

{\textquoteright}I have often wondered where the big, important, paradigm-changing book about re-enactment is: Schneider{\textquoteright}s book seems to me to be that book. Her work is challenging, thoughtful and innovative and will set the agenda for study in a number of areas for the next decade.{\textquoteright} - Jerome de Groot, University of Manchester

Performing Remains is a dazzling new study exploring the role of the fake, the false and the faux in contemporary performance. Rebecca Schneider argues passionately that performance can be engaged as what remains, rather than what disappears.

Across seven essays, Schneider presents a forensic and unique examination of both contemporary and historical performance, drawing on a variety of elucidating sources including the "America" plays of Linda Mussmann and Suzan-Lori Parks, performances of Marina Abramovic{\textasciiacute} and Allison Smith, and the continued popular appeal of Civil War reenactments. Performing Remains questions the importance of representation throughout history and today, while boldly reassessing the ritual value of failure to recapture the past and recreate the "original."},
	keywords = {Allison Smith, Faux, Gegenwart, Geschichte, Krieg, Kunst und Krieg, Linda Mussmann, Marina Abramovic, Original, Performance, Reenactment, Suzan-Lori Parks, Theater, Vergangenheit, zeitgen{\"o}ssischen Performance},
	issn = {9780415404426},
	author = {Rebecca Schneider}
}
@book {klein_performance._2005,
	title = {Performance. Positionen zur zeitgen{\"o}ssischen szenischen Kunst},
	year = {2005},
	note = {THE 03},
	publisher = {transcript Verlag},
	organization = {transcript Verlag},
	address = {Bielefeld},
	abstract = {Die interdisziplin{\"a}re Aufsatzsammlung thematisiert Performance als eine spezifische, k{\"u}nstlerische, aber auch soziale Inszenierungsform und Auff{\"u}hrungspraxis. Der Band b{\"u}ndelt wissenschaftlich-theoretische und k{\"u}nstlerisch-praktische Positionen von T{\"a}nzern, Regisseuren, Choreografen, Dramaturgen, Theater- und Musikp{\"a}dagogen, Kritikern, Sozial-, Kultur- und Medienwissenschaftlern, Tanz- und Theaterwissenschaftlern zur zeitgen{\"o}ssischen, intermedialen Performance- Kunst.

Inhalt:

Performance als soziale und {\"a}sthetische Praxis. Zur Einf{\"u}hrung
Globalisierung, Migration und die Interkulturalit{\"a}t von Performance
Life-Acts. Die Kunst des Performativen und die Pertorrnativit{\"a}t der K{\"u}nste
Den K{\"o}rper in den Kampf werfen*
Erfahrung, dort, wo ich nicht bin: Die Inszenierung von Abwesenheit im zeitgen{\"o}ssischen Tanz
Product of Circumstances
Spiel-ldentit{\"a}ten und Instant-Biographien. Theorie und Performance bei She She Pop
Theatralit{\"a}t und popul{\"a}re Kultur
,Verortung{\textquoteright} als Konzept: Rimini Protokoll und Gob Squad
Das so genannte Reale. Realit{\"a}tsspiele im Theater und in der Theaterp{\"a}dagogik
Spiel-Arten und Ereignisparameter im Experimentellen Musiktheater-am Beispiel einer TanzMusikTheaterWerkstatt
Stimme {\textpm} K{\"o}rper. Interferenzen zwischen Theater und Performance
... KLANGFLUCHTEN. .. STILLE ... FEEDBACKS ... Zur performativen Polyphonie der LOSE COMBO
Sagen und Zeigen- der Vortrag als Performance},
	keywords = {Auff{\"u}hrungspraxis, Aufsatzsammlung, Choreografie, Dramaturgie, Erziehungswissenschaft, Inszenierungsform, intermediale Performance, Kulturwissenschaft, Medienwissenschaft, Musikp{\"a}dagogik, Performance, Regie, Sozialwissenschaft, Soziologie, Tanz, Tanzwissenschaft, Theater, Theaterp{\"a}dagik, Theaterwissenschaft, zeitgen{\"o}ssische Performance},
	issn = {978-3-8394-0379-2},
	author = {Gabriele Klein Hg. and Wolfgang Sting Hg. and Kerstin Evert and Ulrike Hentschel and Raimund Hoghe and Gabriele Klein and Wolfgang Sting and Johannes Odenthal and Dieter Mersch and Gerald Siegmund and Xavier LeRoy and Mieke Matzke and Hajo Kurzenberger and Helmi Vent and Patrick Primavesi and J{\"o}rg Laue and Sibylle Peters}
}
@book {2213,
	title = {Performativ!. Performance-K{\"u}nste in der Schweiz},
	year = {2004},
	note = {THE 363},
	publisher = {Pro Helvetia, Schweizer Kulturstiftung},
	organization = {Pro Helvetia, Schweizer Kulturstiftung},
	address = {Z{\"u}rich},
	abstract = {{\guillemotleft}Performativ! Performance-K{\"u}nste in der Schweiz{\guillemotright} nennt sich eine bemerkenswerte Publikation der Pro Helvetia, die in ambitionierter Absicht dreierlei zu leisten versucht: eine Begriffsgeschichte, einen Versuch der Definition der Kunstform als radikalstes Experimentierlabor - und einen {\"U}berblick {\"u}ber die Bedeutung und die Beschaffenheit der hiesigen Performance-K{\"u}nste in Vergangenheit und Gegenwart. - Die leserfreundliche Brosch{\"u}re versammelt zehn Diskussionsbeitr{\"a}ge von Autoren, die Spezialisten einzelner Sparten sind (bildende Kunst, Theater, Tanztheater, Popmusik, Jazz, Slam). Als kleinsten gemeinsamen Nenner eines performativen Aktes findet Fran{\c c}oise Ninghetto, Kuratorin am Mus{\'e}e d{\textquoteright}art moderne et contemporain (Mamco) Genf, am schl{\"u}ssigsten eine Losung: Gegenw{\"a}rtigkeit. Doch es bleibt dem Leser {\"u}berlassen, in den Schnittstellen der Beitr{\"a}ge die R{\"a}ume auszuloten, wo das Performative sich n{\"a}hrt und gedeiht. },
	keywords = {Kunst, Performance, Tanz, Theater, Theorie},
	issn = {3-909622-04-6},
	author = {Sibylle Omlin and Francoise Ninghetto and Rayelle Niemann}
}
@book {3062,
	title = {Performance Theory},
	year = {2003},
	note = {THE 634
},
	publisher = {Routledge },
	organization = {Routledge },
	address = {London/New York},
	abstract = {Nur wenige haben sowohl in der Akademie als auch in der Welt der Theaterproduktion so viel Einfluss gehabt wie Richard Schechner. Seit mehr als vier Jahrzehnten stellt sein Werk die konventionellen Definitionen von Theater, Ritual und Performance in Frage. Als diese bahnbrechende Sammlung zum ersten Mal erschien, war Schechners Ansatz nicht nur neu, sondern revolution{\"a}r: Drama ist nicht nur etwas, das sich auf der B{\"u}hne abspielt, sondern etwas, das sich im t{\"a}glichen Leben abspielt, voller Bedeutung und auf vielen verschiedenen Ebenen. Auf diesen Seiten untersucht er die Verbindungen zwischen westlichen und nicht-westlichen Kulturen, Theater und Tanz, Anthropologie, Ritual, Performance im Alltag, {\"U}bergangsriten, Spiel, Psychotherapie und Schamanismus. 
_______________________________
Few have had quite as much impact in both the academy and in the world of theatre production as Richard Schechner. For more than four decades his work has challenged conventional definitions of theatre, ritual and performance. When this seminal collection first appeared, Schechner{\textquoteright}s approach was not only novel, it was revolutionary: drama is not just something that occurs on stage, but something that happens in everyday life, full of meaning, and on many different levels. Within these pages he examines the connections between Western and non-Western cultures, theatre and dance, anthropology, ritual, performance in everyday life, rites of passage, play, psychotherapy and shamanism. },
	keywords = {Abhinavagupta, Brecht, Drama, Emotion, griechisches Theater, kritische Theorie, Levi-Strauss, Natyasastra, Osten, Performance, Rasa, Ritual, Schamanismus, Schauspiel, Tanz, Theater, Trance, Voodoo, Westen},
	issn = {9780415314558},
	author = {Richard Schechner}
}
@book {posner_metaphern_????,
	title = {Zeitschrift f{\"u}r Semiotik. Metaphern in Bild und Film, Gestik, Theater und Musik},
	series = {Metaphern in Bild und Film, Gestik, Theater und Musik},
	volume = {Band 25},
	year = {2003},
	note = {Z Sonstige 03},
	publisher = {Stauffenburg Verlag},
	organization = {Stauffenburg Verlag},
	edition = {Heft 1-2},
	address = {T{\"u}bingen},
	abstract = {Aus dem Inhalt:

    J{\o}rgen Dines Johansen und Roland Posner: Einf{\"u}hrung

    G{\"o}ran Sonesson: {\"U}ber Metaphern in Bildern

    Charles F. Forceville: Bildliche und multimodale Metaphern in Werbespots

    Cornelia M{\"u}ller: Gesten als Lebenszeichen {\quotesinglbase}toter{\textquoteleft} Metaphern

    Sarah F. Taub: Begriffsmetaphern in der Amerikanischen Geb{\"a}rdensprache ASL

    Eli Rozik: Metaphorische K{\"o}rperbewegungen auf der B{\"u}hne

    Christian Thorau: Metapher und Variation: Referenztheoretische Grundlagen musikalischer Metaphorizit{\"a}t

    Raymond Monelle: Die gegenseitige Metaphorisierung der Kl{\"a}nge in der Musik

Einlage

    Martin Reiter: Einsatz{\"u}bungen der Feuerwehr als Simulationen des Ernstfalls

Semiosen der Ausgegrenzten

    Pascal Vaillant: Gaunerzinken: Der Geheimkode der Einbrecher in S{\"u}dfrankreich

    Rocco Mangieri und Francisco Vicente G{\'o}mez: Weisen des Bettelns

Veranstaltungen; Veranstaltungskalender; F{\"o}rderpreis Semiotik der DGS; Vorschau auf den Thementeil der n{\"a}chsten Hefte.
},
	keywords = {Bild, Bildwissenschaft, Film, Gestik, Metapher, Metaphern, Musik, Semiose, Semiotik, Theater, Zeichen, Zeitschrift},
	issn = {978-3-86057-953-4},
	author = {Roland Posner Hg. and J{\o}rgen Dines Johansen Hg. and G{\"o}ran Sonesson and Charles F. Forceville and Cornelia M{\"u}ller and Sarah F. Taub and Christian Thorau and Raymond Monelle and Martin Reiter and Pascal Vaillant and Rocco Mangieri and Francisco Vicente G{\'o}mez}
}
@book {3065,
	title = {Unmarked. The Politics of Performance},
	year = {1996},
	note = {THE 637},
	publisher = {Routledge},
	organization = {Routledge},
	address = {London/New York},
	abstract = {Unmarked ist eine kontroverse Analyse der angespannten Beziehung zwischen politischer und repr{\"a}sentativer Sichtbarkeit in der zeitgen{\"o}ssischen Kultur. Geschrieben von und f{\"u}r die Linke, {\"u}berdenkt Unmarked die Anspr{\"u}che der Politik der Sichtbarkeit durch eine feministische psychoanalytische Untersuchung spezifischer Performance-Texte - einschlie{\ss}lich Fotografie, Malerei, Film, Theater und Anti-Abtreibungsdemonstrationen. 

________________________
Unmarked is a controversial analysis of the fraught relation between political and representational visibility in contemporary culture. Written from and for the Left, Unmarked rethinks the claims of visibility politics through a feminist psychoanalytic examination of specific performance texts - including photography, painting, film, theatre and anti-abortion demonstrations. },
	keywords = {Anti-Abtreibungsdemonstrationen, Feminismus, Film, Fotografie, Malerei, Performance, Performance-Texte, Politik, Psychoanalyse, Sichtbarkeit, Theater},
	issn = {9780415068222},
	author = {Peggy Phelan}
}
@book {3200,
	title = {Oskar Schlemmer. Das Triadische Ballett und die Bauhausb{\"u}hne},
	year = {1988},
	note = {KM Schlemmer 1988},
	publisher = {Akademie der K{\"u}nste},
	organization = {Akademie der K{\"u}nste},
	address = {Berlin },
	abstract = {Erschienen in der Schriftenreihe der Akademie der K{\"u}nste Berlin, Band 20.},
	keywords = {20. Jahrhundert, Bauhaus, Bauhausb{\"u}hne, B{\"u}hnenbild, B{\"u}hnentheorie, Dessau, Kost{\"u}m, Kunstfigur, K{\"u}nstlermonographie, Moderne, Staatliches Bauhaus Weimar, Tanz, Theater, Triadisches Ballett},
	isbn = {3-88331-955-4},
	author = {Dirk Scheper}
}
@book {2239,
	title = {a formalist theater},
	year = {1987},
	note = {THE 380},
	publisher = {University of Pennsylvania Press },
	organization = {University of Pennsylvania Press },
	address = {Philadelphia},
	abstract = {Michael Kirby presents a penetrating look a theater theory and analysis. His approach is analytically comprehensive and flexible, and nonevaluative. Case studies demonstrate this unique approach and record performances that otherwise would be lost.},
	keywords = {Performance, Theater, Theorie},
	issn = {0-8122-1334-8 },
	author = {Michael Kirby}
}
